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MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros
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Mensaje Resposta: Museo De EL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
J.luis, muchas gracias por esta exposición maravillosa. Realmente es apasionante descubrir nuevos pintores y obras de arte para mi, e indagar en algunas.
Por ejemplo en la que estamos inmersas maca y yo.

Maca, realmente es genial tu apreciación. Tienes razón, la figura de El Bosco se parece al mismo Dali
Esperemos que no se enteren los del "cuarto milenio"


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galarina Enviar mensaje privado
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Mensaje Respuesta: Museo de EL PRADO: Pintores extranjeros 
 
Vaya dos musas, qué maginación le echais....    




Saludos.
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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j.luis Enviar mensaje privado Enviar correo al usuario
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Mensaje Respuesta: Museo de EL PRADO: Pintores extranjeros 
 
Acabo de colgar las últimas aportaciones, creo que suman 57, con ellas doy por concluída esta pequeña exposición, que he podido reunir de pinturas extranjeras, expuestas en el Museo del Prado.
Estan representados los siglos: desde el XIV hasta el XIX.

Espero os gusten los cuadros expuestos; yo al menos he disfrutado mucho preparando este tópic.




Saludos.




 
 




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j.luis Enviar mensaje privado Enviar correo al usuario
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Mensaje Resposta: Museo De EL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
Debo añadir a mi lista, a parte de El Jardín de la Delicias, que he descubierto realmente, sin pasar por él por encima como hasta ahora, El nacimiento de la Vía Láctea de Rubens  

Y agradecerte todo este trabajo con el que nos has hecho disfrutar, investigar e incluso hacer volar nuestra imaginación.   
 




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galarina Enviar mensaje privado
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Mensaje Respuesta: Museo de EL PRADO: Pintores extranjeros 
 
J.Luis como premio a tu gran trabajo voy a dejar los dos temas del museo como chincheta de esta sección de manera que siempre se mantengan arriba y así estar visibles dado su gran trabajo e información.  [smilie=up.gif]

Un Saludo.
 




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Antes que nada lee las NORMAS del foro.
Los mensajes deben de ser con respeto y educación hacia todos los usuarios.
Xerbar Administrador del Foro.
 
xerbar Enviar mensaje privado Visitar sitio web del autor/es
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Mensaje Respuesta: Museo de EL PRADO: Pintores extranjeros 
 
Gracias galarina, por tu generosidad y tu buen ojo crítico, me alegro que en general te guste mi museo predilecto, algún día espero conocer el tuyo... ya me lo ha comentado raya. Seguro que Dalí me sobracogerá... además de encantarme.



Xerbar, muchas gracias por tu consideración, ya sabes que estos trabajos los realizo con mucho gusto. De lo que se trata es... entre tod@s ir haciendo más rico y ameno, tu foro, ya nuestro foro.




Un abrazo.




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j.luis Enviar mensaje privado Enviar correo al usuario
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Mensaje Respuesta: Museo De EL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
Aparte de los ya comentados por gala y maca, me ha gustado mucho "Embarco de Santa Paula Romana en Ostia" de Claudio de Lorena. Sin ser tan espectacular como otros, tiene una luz que parece que estás viéndolo "in situ".

J.Luis, ¿de quién es el de la vista del Cannaleto?, es precioso también.
 




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Brujaaaaaaaas, cuidadín al enviar
 
loveroma Enviar mensaje privado
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Mensaje Respuesta: Museo de EL PRADO: Pintores extranjeros 
 
Loveroma, has tenido buen ojo... es genial Claudio de Lorena, cómo logra atrapar la luz, ese es un don, que muy pocos pintores han conseguido reflejar en sus cuadros... y éste lo ha conseguido magistralmente.


El cuadro de Canaletto, es del Embarcadero del Palacio Ducal- Plaza de San Marcos- de Venecia. Sobre este gran pintor: paisajista, posiblemente uno de los tres mejores para mi gusto, próximamente confeccionaré un tópic de este pintor, he tenido el placer de contemplar en diferentes museos, personalmente, algunas de sus obras.



Saludos.
 




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j.luis Enviar mensaje privado Enviar correo al usuario
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Mensaje Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
El nuevo Prado  




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Es Moneo en estado puro. La esencia del trabajo del arquitecto. La piedra, el bronce y el estuco son los materiales básicos de sus mejores trabajos y son los pilares sobre los que Rafael Moneo (Tudela, 1937) ha realizado la espectacular ampliación del Museo del Prado que se abrirá a finales de octubre después de seis años de trabajos. Son 22.000 metros cuadrados con los que el Prado se convierte en el gran museo del siglo XXI. Un templo de lujo para la mejor colección de pintura antigua del mundo. A las 1.300 obras maestras que ahora conforman la colección permanente se sumará más de un 30%. El coste final ha sido de 135 millones de euros.

 
La reforma realizada por Moneo es sencilla y práctica y, sobre todo, muy respetuosa con el entorno. Desde su construcción, encargada por Carlos III al arquitecto Juan de Villanueva, el museo ha tenido varias ampliaciones. La única posibilidad de crecimiento real estaba en el edificio más próximo: la iglesia de los Jerónimos. Un edificio de nueva planta, construido con ladrillo y granito, se alinea con la fachada de la iglesia de los Jerónimos y de la Real Academia Española. El cubo de Moneo enlaza con el antiguo edificio a través de un túnel bajo tierra construido a 32 metros de profundidad.

En el exterior, el visitante contempla parterres de boj que recuerdan los jardines del siglo XVIII y que se funden visualmente con el vecino Jardín Botánico. Un juego de verdes que rompe con la dureza del ladrillo y de la piedra. La fachada del cubo se abre a través de las deslumbrantes puertas que la escultora Cristina Iglesias ha creado a modo de tapiz vegetal. Las puertas de bronce patinado están formadas por dos hojas fijas y cuatro móviles. Sus bajorrelieves recuerdan un telón que es en sí una espectacular pieza escultórica.

Concebida de una manera lineal, la obra se distribuye en tres niveles en torno al lucernario, un espectacular tragaluz que es el protagonista absoluto en torno al cual gira la nueva vida del museo. Desde ahí se distribuye la luz natural que ilumina las salas. Las tres plantas o niveles que rodean esta entrada de luz son espacios rectangulares de diferentes medidas. Las formas geométricas son una constante en los elementos internos y externos del edificio.

El primer nivel concentra las actividades públicas del museo. La entrada lleva el nombre de toda el área: Jerónimos. Traspasado el umbral, deslumbrantes puertas de bronce y paredes de piedra de Colmenar y estuco rojo pompeyano reciben al visitante. La entrada, la cafetería y el auditorio, de 400 plazas, son los servicios básicos de esta planta, en la que la colección de esculturas conocida como las musas, donada por Cristina de Suecia a Felipe IV, adornan el recibidor. Al fondo, en forma de laberinto negro, se ha instalado el restaurante, quizá el espacio más pobre de la ampliación. Sus 250 plazas tienen un aspecto apelmazado y claramente insuficiente.

Dos escaleras mecánicas sirven para subir y bajar por estas tres alturas. A su lado se encuentran amplios ascensores y el montacargas, orgullo de quienes tienen que trabajar para el desplazamiento de las obras. Tiene capacidad para aguantar 900 toneladas de peso. Aseguran que es el más grande de Europa. Lo que aquí no verá el visitante son los almacenes creados para las obras con unos modernísimos sistemas antiincendios y de climatización.

Después se encuentran las nuevas salas dedicadas a las exposiciones temporales. Tres espacios de 400 metros y una menor de 95 metros. Tienen el suelo de madera de roble y paredes de estuco que han sido realizadas por un especialista ciego que controlaba la superficie al tacto de su cara y manos. Se llama Oriol García (Barcelona, 1959). Dirige un taller que creó su bisabuelo en 1870. Asegura que su enfermedad nada tiene que ver con el uso de la cal. El estucado realizado en la ampliación del Prado (sala de las musas y exterior del auditorio) ha llevado a su taller unas 3.500-4.000 horas de trabajo.

La coronación de toda la obra está en el tercer nivel, ocupado por el restaurado claustro renacentista de los Jerónimos. Su luz natural realzará la colección de escultura de los Leoni. Y entre sala y sala pública, el Prado estrena talleres de restauración, archivo, centro de investigación y de artes decorativas.

Recuerda Rodrigo Uría, actual presidente del Patronato del Prado, que la decisión de ampliar el museo se tomó en 1995. Casi todo el mundo estaba de acuerdo en la necesidad de adecuar la pinacoteca a la modernidad. Con Carmen Alborch de ministra de Cultura y Miguel Ángel Cortés como representante del área de cultura del Partido Popular se suscribió un acuerdo parlamentario. El arquitecto José Antonio Fernández Ordóñez era entonces el presidente del patronato. Se convocó un concurso internacional de ideas que quedó desierto porque los grandes nombres presentaron proyectos más vinculados al espectáculo que a las necesidades reales del museo. Moneo logró un accésit, aunque su propuesta de entonces poco tiene que ver con la que finalmente ha hecho.

"Fernández Ordóñez", explica Uría, "encargó el proyecto a Moneo pese a que había un sector del patronato encabezado por Fernando Chueca que se oponía. Ellos querían algo parecido al alcázar de Toledo, con sus almenas y torretas. Se nombró una comisión, integrada por José Luis Álvarez, Pérez de Armiñán y yo mismo, que trabajó con seriedad. Nos encargamos de ir definiendo lo que se quería poco a poco. Moneo (autor del Kursaal de San Sebastián, de la estación de Atocha de Madrid, del Museo Romano de Mérida, de la catedral de Los Ángeles) venía a las reuniones con una humildad enorme porque reproducían situaciones muy desagradables. Lo cierto es que algunos no querían que se hiciera nada porque eran contrarios a facilitar las visitas al museo. Lo preferían como un coto privado".

Esa indefinición es para Uría una de las causas principales del aumento del presupuesto. "En origen son 12.000 metros de ampliación. Al final llegamos a 22.000. Las excavaciones son de 30.000 metros cuadrados". Sobre la marcha se han producido modificaciones debidas a causas como la polémica vecinal que se montó cuando un diario publicó que el edificio original quedaría adosado a un cubo totalmente rojo.

O cuando se decidió no dañar un cedro centenario situado en la explanada posterior. Esquivar sus raíces supuso un coste de más de dos millones de euros. Pese a ello, el cedro sobrevive sostenido con aparatos que a duras penas logran que se enderece. Los propietarios de los Jerónimos han puesto también sus piedras en el camino. Costó que renunciaran al uso de la entrada como aparcamiento de vehículos de pago y el entonces secretario de Estado Miguel Ángel Cortés tuvo que recurrir a toda su capacidad de convicción. Las obras que actualmente se realizan en el templo bajo la dirección del arquitecto Francisco Jurado desentonan con la ampliación de Moneo. Pero Rouco Varela se negó en redondo a que Moneo acometiera ambas reformas, pese que Uría ofreció asumir las diferencias económicas.

Pero el momento más crítico se produjo cuando la actual ministra, Carmen Calvo, declaró a este periódico que no había control en los gastos. "Hubo que hacer lo que técnicamente se llama un reformado. Según se excavaba y se definían las necesidades, todo se complicaba. Se pararon las obras y cuando se aclaró seguimos".

Con casi todo a punto, el presidente del patronato está pletórico. "Es la obra que el museo necesitaba. Está entre los cinco mejores del mundo. Es un museo histórico con una colección de altísima calidad. No necesita más. Durante mucho tiempo ha sufrido la mirada imperial de todos esos que pensaban que para qué más visitantes. Pero hemos logrado hacer una obra complicada sin cerrar el museo".

Ahora queda terminar el Casón del Buen Retiro. Será el centro intelectual del museo, junto a la Escuela de Conservadores. Allí estará también el Prado docente. El espacio del liberado Museo del Ejército también se incluirá en el conjunto. Y a partir de octubre se empezará a trabajar con la colección permanente, el proyecto que más ilusiona al director, Miguel Zugaza.

Mientras, el museo realiza jornadas de puertas abiertas para que los visitantes contemplen la ampliación. Las jornadas, de acceso gratuito, empezaron el pasado 28 de abril y se celebran todos los sábados y domingos hasta el 1 de julio. En las salas de exposiciones temporales, el público podrá contemplar una instalación especial de fotografías de Thomas Struth. La exhibición de estas imágenes, tomadas por el artista alemán en el Ermitage, la Galleria dell'Academia de Florencia y el Museo del Prado, es un homenaje al público.



Fuente: El Pais
 




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Mensaje Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
El Prado invita a sus visitantes a conocer al enigmático Patinir y sus paisajes
Una exposición recorre dos terceras partes de la desconocida obra del pintor flamenco del siglo XVI




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Caronte cruzando la laguna Estigia. Propiedad del Museo del Prado.

El pintor Gerardo Rueda (Madrid, 1926-1996) escribió que la obra Caronte atravesando la laguna estigia, de la colección del Prado, es "un cuadro-emoción", fascinado por "el extraordinario color azul que lo baña y lo inunda todo". "Solamente el color supone un flechazo de magia especial".
 

El Museo del Prado organiza la "monografía más definitiva" del pintor Joachim Patinir, considerado el precursor del paisajismo, con La invención del paisaje, una exposición que reunirá del 3 de junio al 7 de octubre dos terceras partes de la enigmática y desconocida obra de este artista flamenco.
 
El reto de La invención del paisaje es que el visitante "se contagie" de la belleza de Patinir, así como dar a conocer un perfil claro de su desconocida obra -formada por una reducida colección de 29 obras-, según han explicado hoy el director del Museo del Prado, Miguel Zugaza, y el comisario de la muestra, Alejandro Vergara, durante la presentación de la exposición, hoy, en Madrid.
Joachim Patinir (1495-1524) hizo que el paisaje dejara de ser un elemento secundario y lo transformó en el protagonista de sus cuadros, "con tal éxito, que su manera de pintar se convirtió en un género", ha explicado a pie de exposición Alejandro Vergara, que además de comisario de la muestra es jefe de conservación de pintura flamenca del Prado.

Este pintor flamenco, al que se dedica por primera vez una exposición "seria", empleó una "estética y una belleza totalmente diferentes a las utilizadas hasta el momento", imprimiendo a su reducida obra un halo onírico y misterioso semejante a la obra del Bosco, que fue contemporáneo suyo, ha dicho Vergara.

La invención del paisaje, organizada en colaboración con Acciona, que se ha incorporado como miembro benefactor del Prado recientemente, contará con dos terceras partes de la obra atribuida a este artista, procedente de más de 10 museos extranjeros.

Es el caso del óleo Martirio de Santa Catalina y Bautismo de Cristo, del Kunsthistorisches Museum de Viena; el Tríptico con la penitencia de San Jerónimo, del Metropolitan Museum de Nueva York, o el Paisaje con la huida de Egipto, del Museo de Amberes.

Tanto el comisario de la muestra como el director del Prado coincidieron en señalar que la obra de Patinir ha estado "secuestrada" en España, donde se encuentran seis óleos de la limitada obra del artista: cuatro en el propio museo, uno en el Thyssen, y el desconocido Paisaje de San Cristóbal, una de sus obras más importantes, en El Monasterio del Escorial.


Biografía desconocida

La trayectoria de Patinir se prolongó durante nueve años en la Amberes del siglo XVI, capital mundial del arte de la época, aunque se desconoce la mayoría de sus datos biográficos; un elemento que ha incrementado el componente misterioso y enigmático de su figura.

Con una paleta en la que destacan los azules y blancos, y una sensibilidad muy diferente a la de sus coetáneos, este pintor flamenco se dedicó a retratar el mundo como "escenario del pecado", y una concepción del ser humano que simboliza "la figura pecadora en busca del camino correcto", ha detallado Vergara junto a la obra Las tentaciones de San Antonio.

Los figuras que aparecen en esta última obra -San Antonio junto a varias mujeres que le ofrecen objetos que simbolizan el pecado- pertenecen a otro autor, según desveló el comisario, para quien los cuadros de Patinir están estructurados de tal manera que la mirada del espectador "siempre acaba en el paisaje", especialmente en el horizonte, donde se funden tonalidades de blancos y azules, una de las marcas características del autor.

El Prado exhibirá junto a las obras de Patinir una muestra de sus antecesores, como Jan Van Eyck, que utilizó por primera vez elementos paisajísticos en su obra, y otros, en un intento de contextualizar la obra de este artista en la etapa que se conoció como el Renacimiento Nórdico.



El padre del paisaje



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Tentaciones de San Antonio Abad. Propiedad del Museo del Prado


Una exposición de Joachim Patinir en el Museo del Prado reunirá22 obras de las 29 atribuidas al pintor flamenco del siglo XVI

 

"El buen pintor de paisajes". El enigmático artista flamenco Joachim Patinir fue conocido entre sus contemporáneos con esas palabras que le dedicó su amigo Alberto Durero. Poco se sabe de su vida, pero su talento se unió al acierto de encontrar una nueva manera de plasmar la naturaleza hasta conseguir una inflexión que cambió el rumbo de la pintura de paisajes. Patinir fue a comienzos del siglo XVI el padre del género. Hasta entonces era secundario, apenas el fondo que completaba la escena, algo que en los talleres se dejaba en muchos casos en manos de los ayudantes del maestro.
 
Patinir empezó a pintar paisajes sublimes, llenos de color y misterio, que hicieron por vez primera a la representación de la naturaleza protagonista de los cuadros. Gracias a la pasión coleccionista de Felipe II, el Museo del Prado cuenta con cuatro cuadros de Patinir, que han sido el germen de la exposición que presentará este verano (del 3 de julio al 7 de octubre) con 22 pinturas de las 29 atribuidas al pintor flamenco y publicará la catalogación completa de su obra.

La biografía de Patinir está llena de incógnitas. Nació alrededor de 1485 en lo que hoy es el sureste de Bélgica, pero no se han encontrado pistas de su formación y su dedicación al oficio hasta que en 1515 ingresó en el gremio de pintores de Amberes. La ciudad flamenca era entonces un boyante centro económico de 50.000 habitantes, en el que florecía el mercado de productos de lujo. Un centenar de talleres de pintura competían por ganar la atención de la clientela y Patinir lo consiguió representando las escenas religiosas en unos espacios inmensos, en los que las figuras, minuciosamente pintadas se empequeñecían ante la grandiosidad del paisaje.

"El Renacimiento había cambiado la visión de la naturaleza, había nacido un interés por la historia natural y su descripción. La cultura europea estaba lista para que alguien empezara a pintar paisajes", explica el comisario de la exposición, Alejandro Vergara, jefe de conservación de pintura flamenca del Museo del Prado, al que se ha incorporado como benefactor el grupo Acciona, que patrocinará la muestra de Patinir.

Patinir inventó una fórmula de composición de sus paisajes que mantuvo hasta su muerte, en 1524, una fecha que se conoce sólo porque entonces su segunda esposa era ya viuda. La visión del espacio es panorámica y el punto de vista es doble. Las zonas más próximas al espectador se ven desde arriba e invitan a acercarse para ver los detalles; al fondo, la visión se acerca al nivel de los ojos y se vuelve telescópica.

La originalidad de sus composiciones se reforzaba con el uso del color. Las zonas más lejanas están pintadas con tonos de azul, un azul que llega a ser tan intenso y característico, que es seña de identidad de su autor. Más cerca el azul se transforma en verde y, ya cerca del borde inferior, en marrón. El cielo está definido, generalmente, por el contorno de una montaña. Una estrecha franja de color blanco aparece sobre la línea del horizonte, como si estuviera iluminada por una luz mágica. "A pesar del detalle del primer plano, la vista se va a la línea blanca del horizonte. Es la intención del pintor", añade. "Sugiere un peregrinaje visual por el cuadro, una metáfora del peregrinaje por la vida que acaba en lo trascendente. Es ese blanco lo que transporta al espectador a ese más allá. La naturaleza es protagonista en la pintura de Patinir, pero conservando un carácter simbólico y religioso".

Vergara ha planteado la exposición como un libro, en el que la obra central de Patinir se presenta con un prólogo dedicado a los precedentes -manuscritos iluminados, grabados y pinturas de El Bosco y Durero, entre otros artistas que representaron la naturaleza- y termina con el epílogo de los pintores que recogieron la influencia más directa de la nueva manera de pintar paisajes.

La revisión de la pintura de Patinir realizada para catalogar su obra ha concluido con nuevas atribuciones hasta llegar a las 29 obras, entre ellas varias realizadas en el taller bajo la supervisión del maestro. Vergara estima que Patinir no llegó a realizar más de setenta cuadros. "Cuadros patinirescos hay muchos, de calidad muy diferente, porque inventó un producto de éxito y fue muy imitado", explica el comisario. Un componente fundamental del legado de Patinir, cree Vergara, es la búsqueda de la belleza para transmitir la trascendencia. "Son cuadros que mantienen la capacidad de transmitir la misma belleza que cuando fueron pintados". (El Pais)



Gran pintor, precursor del paisaje.
 




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Mensaje Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
"Hay que dar a conocer al mundo la grandeza del Prado"


Plácido Arango, elegido por unanimidad presidente del patronato de la pinacoteca

    
Plácido Arango (Tampico, México, 1931) es desde muy joven un gran amante del arte. Primero, los figurativos mexicanos, y después, los artistas que le han ido interesando. Desde ayer, como presidente del Patronato del Museo del Prado, tiene sobre sus hombros la responsabilidad de la primera pinacoteca de arte antiguo del mundo. Aunque él diga que es un simple vocal encargado de transmitir las ideas del patronato, lo cierto es que su papel es decisivo para el gobierno del museo.



Más información:

http://www.elpais.com/articulo/revi...elpepirdv_7/Tes
 




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Mensaje Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
Si a alguien le interesa echar un vistazo... he restructurado este tópic y añadido nuevas imágenes.



Saludos.
 




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Mensaje Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
Las caras de hace 500 años.

‘El retrato del Renacimiento’. Museo del Prado, Madrid. Del 3 de junio al 7 de septiembre.




Bellos, extraños, poderosos. Los artistas del Renacimiento lograron captar el alma en un rostro. Leonardo, Durero, Rafael... El Prado expone 70 obras maestras. La autora de ‘Quattrocento’ explora aquí el misterio del retrato renacentista.

Más Info: http://www.elpais.com/articulo/port...elpepspor_6/Tes



Algunos retratos



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'Muchacho sosteniendo un dibujo'. Giovanni Francesco Caroto.


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'Arrigo el peludo, Pedro el loco y el enano Amon'. Agostino Caracci


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'Dama con una ardilla y un estornino'. Hans Holbein


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'Autorretrato'. Alberto Durero


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'Vieja mesándose los cabellos'. Quentin Massys


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'Anciano con su nieto'. Domenico Ghirlandaio


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'El cardenal'. Rafael


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'Brigida Spinola Doria'. Rubens


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'El sastre'. Giovanni Batista Moroni


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'Retrato de mujer inspirado en Lucrecia'. Lorenzo Lotto


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'Micer Marsilio y su esposa'. Lorenzo Lotto



EL PAÍS
 




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Mensaje Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
DEL 3 DE JUNIO AL 7 DE SEPTIEMBRE


'El retrato del Renacimiento'



El Museo del Prado dedica una ambiciosa exposición al retrato como género autónomo

Muestra al retrato como género autónomo, su desarrollo y evolución

Reúne 126 obras, 60 procedentes de instituciones internacionales




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Una de las salas de la exposición 'El Retrato del Renacimiento'


MADRID.- Nunca antes se había realizado una exposición tan ambiciosa sobre el retrato. Ahora, con el fin de mostrar la iniciación, la maduración y la sofisticación de este género pictórico, el Museo del Prado ha organizado la muestra 'El Retrato del Renacimiento', que se podrá disfrutar del 3 de junio al 7 de septiembre.

"El retrato nunca había sido objeto de una exposición y por primera vez se aborda el retrato como un género autónomo, y como un objeto que tiene una voluntad de verosimilitud y de transmitir sensaciones", ha explicado Miguel Falomir, comisario de la exposición y jefe del Departamento de Pintura Italiana y Francesa del Prado.

Organizada en colaboración con la National Gallery de Londres y patrocinada por la Fundación AXA, la muestra reúne 126 obras de los siglos XV y XVI, incluyendo unas 60 procedentes de otras instituciones internacionales.

De los 70 autores presentes en la exposición, destacan los nombres de los maestros Jan van Eyck, Durero, Tiziano, Rafael, Botticelli, Lorenzo Lotto, Antonio Moro y Rubens. Se han incluido, además, algunas esculturas, medallas, dibujos y grabados que ayudan a comprender al retrato.

Durante la firma del convenio entre la Fundación AXA y el Prado, el director del museo, Miguel Zugaza, ha destacado la calidad de la exhibición. "Ésta es, probablemente, la exposición más completa por el trabajo histórico que hay detrás, y la más compleja desde el punto de vista de la gestión y préstamo de las obras", ha explicado.

Ha dicho, además, que la muestra no busca el éxito del público sino elevar la calidad intelectual del museo, poniendo en evidencia el compromiso del museo con el arte y la sociedad.

Explorando las posibilidades del retrato

La exposición resalta las posibilidades creativas del retrato, su desarrollo y su sofisticación, así como sus límites.

Organizada de forma cronológica, la muestra permite al espectador descubrir dos constantes fundamentales del retrato: su democratización y el aumento de sus dimensiones. "Al principio sólo se retrataba a los sectores privilegiados, pero durante 200 años el retrato fue alcanzando un espectro social bastante amplio, no exento de críticas", ha explicado Falomir.

Un reportero filma el retrato 'Vieja mesandose los cabellos' de Massys. (Foto: REUTERS)
Por ello, se exponen cuadros que incluyen oficios como 'El sastre' de Batista Moroni o la 'Dama Hilando' de Martin van Heemskerck.

En cuanto al tamaño, los primeros ejemplares medían unos 30 ó 40 centímetros, como el de 'Margaret, la mujer del pintor' de Jan van Eyck, mientras que al finalizar el periodo renacentista, es posible encontrar pinturas de unos dos metros, como la de Rubens, 'Brigida Spinola Doria'.

Como un género artístico, el retrato del Renacimiento satisfizo distintas necesidades como la conmemorativa para recordar a los ausentes, como el retrato 'Anciano con su nieto' de Domenico Ghirlandaio; la amorosa, con 'Micer Marsilio y su esposa' de Lotto; la de la amistad, como el 'Retrato de dos amigos' de Pontormo, así como la de los ideales, como el 'Retrato de mujer inspirado en Lucrecia', también de Lotto.

El retrato también conoció de límites físicos y conceptuales, por lo que la muestra aborda el 'contrarretrato' como representación de lo anti-ideal. Así, es posible encontrar retratos de arquetipos contrapuestos, o de imágenes que intentan retratar la esencia del personaje sobre la apariencia.

El autorretrato, propicio para la experimentación

De acuerdo con Falomir, el autorretrato permitió al artista plasmar sus aspiraciones sociales e intelectuales, y al mismo tiempo, experimentar con la pintura como espejo.

De esta sección, resaltan los autorretratos de Tiziano, Durero, Rafael y Pantormo.

Finalmente, como eje fundamental de este género, se exhibe el retrato de corte, un modelo que demuestra el comienzo del deterioro del furor, al homogeneizarse y mantenerse casi sin cambios. Como ejemplo, se contraponen los retratos cortesanos de Tiziano y Antonio Moro.



ALGUNAS OBRAS:



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Con el fin de mostrar la iniciación, la maduración y la sofisticación del retrato como género autónomo, el Museo del Prado ha organizado la exposición 'El Retrato del Renacimiento', que se podrá disfrutar del 3 de junio al 7 de septiembre.
 

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Organizada con la National Gallery de Londres y patrocinada por la Fundación AXA, la muestra reúne 126 obras de los siglos XV y XVI, 60 de ellas procedentes de instituciones internacionales.


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De los 70 autores presentes en la exposición, destacan los nombres de los maestros Jan van Eyck, Durero, Tiziano, Rafael, Botticelli, Lorenzo Lotto, Antonio Moro y Rubens. Se han incluído, además, esculturas, medallas, dibujos y grabados, que permiten comprender al retrato. En la imagen, 'Carlos V y el furor' de Leoni.


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El recorrido inicia en el siglo XV, reflejando las diferencias tipoógicas y conceptuales entre los dos grandes centros del retrato: Italia y Flandes. Esta etapa se ejemplifica con obras como 'Margaret, la mujer del pintor' de Jan Van Eyck.


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El autorretrato también brindó al pintor un campo ideal de experimentación. El dibujo que Durero hizo de sí mismo muestra una herida en el costado, como la de Cristo.


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Otro de los aspectos de la exposición es el dedicado a la difusión del retrato, en donde el papel de la imprenta jugó un papel fundamental. En la imagen, el 'Retrato grabado de Juan Federico de Sajonia con escena añadida con Daniel en la guarida del León', de Peter Gottlandt.


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En la última sección, dedicada al retrato de corte, se asiste a la progresiva homogeneización del retrato, a partir de los modelos desarrollados por Tiziano y Antonio Moro. En la imágen se muestra el imponente 'Carlos V, a caballo, en Mülhberg' de Tiziano. (Fotos: AFP)


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El recorrido finaliza con la imponente pintura de Rubens, 'Brigida Spinola Doria', quien retomó la escencia del retrato cuando había terminado su furor.



EL MUNDO
 




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Mensaje Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
Lepanto, visto por Cy Twombly



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La explosión pictórica del estadounidense Cy Twombly en su recreación de la batalla de Lepanto, realizada para la bienal de Venecia de 2001, hablará de tú a tú con las colecciones históricas del Museo del Prado en un género tan tradicional como el de los cuadros de batallas. La muestra, que coincide con una gran retrospectiva del artista en Londres, se inaugurará el 26 de junio.


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Durante el montaje de la muestra, que permanecerá expuesta hasta mediados de septiembre, el director del Prado, Miguel Zugaza, ha afirmado que este tipo de pintura figurativa, tan distinta a la colección clásica del Museo, "enriquece" no sólo a la propia pinacoteca, sino también a sus visitantes. (Foto: Antonio Heredia)


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'Lepanto' ilustra a través de 12 lienzos de pintura figurativa la célebre batalla naval. En cada uno de los lienzos marítimos, los navíos van desfilando en líneas escalonadas, todos de perfil, muy inclinados y sin horizontes. Coincidiendo con la presentación, el Prado exhibe una serie de escenas bélicas que muestran, por primera vez desde su adquisición en 2004, el grabado 'El sitio de Breda', de Jacques Callot, así como dos pinturas de Pieter Snayers sobre batallas navales recientemente restauradas. (Foto: Antonio Heredia)


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En el trío central se van espesando tanto la pintura como las filas de navíos, el espacio se muestra más poblado y aparece la explosión de color al estallar el púrpura, el rojo escarlata y el amarillo, evocando el explosivo panorama de la catástrofe. Las tres últimas escenas con galeras mantienen la vista más abierta, los ideogramas que simbolizan los navíos se difuminan y parecen disolverse en el líquido fluir de sangre y fuego. (Foto: Antonio Heredia)


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El autor, que no estará presente en ningún acto público relacionado con la exposición, pasó por el montaje sin conocer que la prensa aún permanecía allí, aunque rápidamente abandonó la sala tras ser saludado por Miguel Zugaza. Cy Twombly, ante la oferta del Prado para que su obra "dialogue" con cualquier cuadro de la pinacoteca madrileña en la misma sala, ha querido relacionar su serie con 'Bufón Don Juan de Austria, vencedor de la batalla de Lepanto', de Velázquez.


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Zugaza consideró que Twombly, con su obra, "nos ayuda a realizar una revisión" sobre la pintura clásica, y afirmó que aunque El Prado "no tiene por qué tener una programación de arte contemporáneo", no renunciará a invitar esporádicamente a algún artista actual, al considerar que ese proceso "enriquece" a todos. Elogió la "discreción" con la que Twombly trata de "entablar un diálogo" con la colección clásica del Prado.




Fuente: EL MUNDO - Fotos: Antonio Heredia
 




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Mensaje Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
Se abrirá el 15 de octubre y se podrá contemplar hasta el 6 de enero



Rembrandt, estrella de este otoño en El Prado


La exposición reunirá 40 obras, 35 pinturas y cinco estampas


 


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'Betsabé', de Rembrandt, obra que prestará el Museo del Louvre al Prado.



MADRID.- Rembrandt abrirá la temporada artística del Museo del Prado el próximo 15 de octubre, con una ambiciosa muestra, la primera en España, que viene a paliar la ausencia de este pintor de las salas de la gran pinacoteca, de la que sólo cuelga un cuadro, 'Artemisia'.

'Rembrandt pintor de historias', que reúne 40 obras, 35 pinturas y cinco estampas se podrá contemplar hasta el 6 de enero, gracias a la colaboración entre el Museo del Prado y el BBVA.

Ambas entidades han firmado un convenio de patrocinio, al que ha asistido el ministro de Cultura, César Antonio Molina, el presidente de BBVA, Francisco González; el presidente del patronato del Prado, Plácido Arango, y el director de la pinacoteca, Miguel Zugaza.

El ministro de Cultura ha recordado el liderazgo del Museo del Prado, y los casi tres millones de personas que han pasado por el Museo desde que hace 10 meses se inaugurara su ampliación.

Zugaza ha comentado que la exposición de Rembrandt provocará en el visitante del Prado la misma sensación que pudiera sentir un español cuando va a visitar el Rijksmuseum de Holanda para visitar a Velázquez.

Una manera personal de entender la vida

Las 35 pinturas y cinco estampas de Rembrandt van Rijn (Leiden 1606-Amsterdam, 1669) proceden de los principales museos de Europa y EEUU y mostrarán, en las nuevas salas de la ampliación del Museo, la faceta de Rembrandt narrador, según ha avanzado el comisario de la muestra, Alejandro Vergara, conservador jefe de pintura flamenca y escuelas del Norte del Prado.

Aunque el maestro holandés también fue un pintor de retratos y paisajes, su faceta como pintor de historias muestra con claridad la forma en la que su arte emana de la tradición de la pintura renacentista europea, y permite comprobar su originalidad.

Para Vergara, Rembrandt tenía una mirada única pero sin dejar de observar a otros pintores, "pero tenía una manera de entender la vida, el mundo y a la condición humana muy personal, con una intensidad emocional muy honda. Y eso es lo que precisamente queremos mostrar en el Prado con esta temática histórica".

Esta muestra da también la oportunidad de observar las obras de Rembrandt junto a las de algunos grandes artistas que fueron la principal inspiración del artista como Tiziano y Rubens y cotejar su respuesta con la de Velázquez, también heredero de ambos artistas.

Todas las fases de la carrera del pintor holandés quedarán así recogidas en esta exposición. De sus obras de juventud sobresale la presencia de 'San Pedro y San Pablo', que presta al Prado la National Gallery of Victoria de Melbourne.

También están en Madrid varias obras de la fase de madurez del artista, entre 1631 y 1651, como el monumental 'Sansón cegado por los filisteos', del Städelsches Kunstinstitut und Städtisch Galerie de Fráncfort.

De la fase más personal del pintor, la que va de sus últimos años hasta su muerte, en 1669, se mostrarán obras muy características entre las que se incluye una de sus obras más emblemáticas, 'Betsabé', del Museo del Louvre.


EL MUNDO


Este sábado pasado estuve en el Prado, pero sin duda en Octubre volveré para ver la gran exposición que mi museo favorito prepara de Rembrandt.
 




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Mensaje Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
Rembrandt y el relato de la vida


Un paseo por la exposición del genio holandés, el acontecimiento del otoño en El Prado   
 


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Todo debe estar listo para el 15 de octubre. El proceso es delicado. El valor de las obras de Rembrandt es incalculable.


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Alejandro Vergara mira pensativamente hacia la pared y hacia el cuadro que hace un momento estaba apoyado en el suelo contra ella y da instrucciones a los operarios que lo van subiendo a diferentes alturas, levantándolo un poco más de un lado o del otro, hasta alcanzar una horizontal convincente. Los operarios llevan guantes y el cuadro que no aciertan todavía a colgar en una posición satisfactoria es la Negación de San Pedro de Rembrandt, que hace unos minutos he visto extraer muy despacio, con gran ceremonia, de un embalaje formidable. En la vida uno aprende a agradecer que le sucedan ciertas cosas, a agradecerlas justo cuando le están sucediendo y no mucho después: en el momento en que veo a Alejandro Vergara, comisario de la exposición de Rembrandt en el Prado, hacer gestos tentativos y echarse hacia atrás para mirar mejor y quedarse cavilando con la mano en la barbilla para saber si la Negación de San Pedro está bien colgada o no yo agradezco la oportunidad que estoy teniendo de asistir a su trabajo y al de la gente que se atarea a su alrededor esta mañana, cuando la exposición aún no está instalada del todo, cuando los cuadros no pertenecen aún a ese espacio literalmente intangible en el que uno está acostumbrado a mirarlos.


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Preparativos de la exposición de Rembrandt de El Prado. La iluminación, la temperatura, la humedad; las condiciones en las que se transportan y exponen las obras de arte son fundamentales


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Una atmósfera misteriosa envuelve a Rembrandt en este 'Autorretrato como Zeuxis' que realizó pocos años antes de morir, el 4 de octubre de 1969, en Ámsterdam.


En el orden de los cuadros está la forma sutil de una biografía Con ademanes de una precisión admirable otros operarios con guantes disponen sobre una mesa ancha otro cuadro, de tamaño menor, que ya ha sido desembalado, pero que aún está en el interior de su envoltorio de seguridad, esperando a que los técnicos terminen de abrirlo y se aseguren de que no ha sufrido daño en el traslado. Lo desenvuelven, con gestos casi de alta cirugía, le dan la vuelta y lo que tengo delante de mí es Jeremías lamentando la destrucción del Templo: una tabla de no más de medio metro, con un marco de carey. La luz del foco que lo ilumina de cerca resalta el azul del manto del profeta y los hilos de oro del lienzo en el que se apoya, y la plata y el oro de los vagos objetos litúrgicos junto a los que se inclina. Es un viejo derrumbado por la tristeza, con una expresión de miedo y de angustia en la cara, que no quiere ver lo que se insinúa al fondo, un resplandor de incendio, el horror que él vaticinó y sin embargo no supo remediar. Pero acerco más los ojos y veo las pinceladas sutiles, su materia tenue sobre el lienzo y la preparación de fondo, y la claridad a la vez suave y rotunda que ilumina la cabeza cana del profeta irradia desde el cuadro hacia mí.


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'Artemisa' (1634) a punto de beber las cenizas de Mausolo. En la sombra, una misteriosa figura observa la escena, un reflejo del amor de la reina de Pérgamo hacia su marido, ya fallecido.

La pintura no sucede en el vacío, no es una emanación inmaterial del prestigioso talento solitario, aislado de cualquier influencia: Alejandro Vergara ha situado el Jeremías al lado de un Santo Tomás de Rubens que ya estaba en el Prado, y al hacerlo revela algo que es el hilo central de la exposición, y que de otro modo no habríamos sabido ver: durante muchos años, Rembrandt aprendió de Rubens, que a nosotros nos parece tan distinto a él; lo admiró con el fervor y tal vez la parte de recelo del joven lleno de talento que se atreve a medirse con el maestro de más edad; quiso tener una carrera internacional como Rubens, ser un gran señor no sólo de la pintura, sino también de la vida mundana; tener la ocasión de desplegar su imaginación, su conocimiento de la Antigüedad y su dominio de la técnica en grandes composiciones espectaculares a la escala italiana, historias bíblicas o mitológicas como las que pintaba Rubens para los palacios y las iglesias de sus patrones poderosos.

Con incurable propensión al anacronismo queremos ver a Rembrandt como un contemporáneo, sombrío en su ascetismo y su rareza, en su voluntad de introspección, mientras que Rubens se nos queda en el pasado de las pomposas escenografías barrocas. Pero en el itinerario por estos cuadros del Prado vamos descubriendo cómo Rembrandt se educó en lo que ha llamado Harold Bloom la ansiedad de la influencia, y eso nos ayuda a verlo de otro modo porque nos fuerza a verlo en su tiempo: con descaro de imitador y comediante, Rembrandt se retrata disfrazado de gran señor, a la manera de Rubens, con un turbante coronado por una pluma fantástica, con un traje de brillos opulentos, apoyando la mano enguantada en un bastón con un ademán augusto. No se retrata tal como es, sino con la audacia de imaginarse distinto y triunfal, mundano, hombre de negocios, con algo de insolencia y algo de burla, mostrando con el mismo descaro su dominio del oficio y una ambición explícitamente modelada sobre el éxito de Rubens.

La imitación alimenta el talento; el talento fortalecido va apartándose del modelo que ofrecía el maestro. Rembrandt toma de Rubens y al mismo tiempo se aparta de él, en un proceso de apropiación que tiene algo de saqueo y que es el camino paradójico hacia la originalidad. Sin Rubens, sin la gran tradición italiana, no habría existido esa pintura tremenda de la que uno no puede ni quiere apartar los ojos, Sansón cegado por los filisteos: la amplitud espacial, la gestualidad de las figuras, el rigor compositivo bajo la impresión inmediata de apelotonamiento. Pero en el puñal que se hinca en el ojo y en el pie contraído por un dolor animal y en la sangre que salta hay una brutalidad que nadie ha pintado hasta entonces; y la escena, de tanto aparato visual, tiene sin embargo una siniestra cualidad interior, porque lo más espantoso está sucediendo en la conciencia de cada uno de los personajes, en el modo en que experimenta cada uno el horror que cometen, o en el que participan. Y a un paso de la sangre que salta del ojo de Sansón y del metal de las armaduras de sus verdugos hay una luz exterior de mañana limpia, de pura inocencia.


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'El rapto de Europa' (1632) es otra muestra más del talento narrativo de Rembrandt, quien recoge la sorpresa de la princesa fenicia, y la alarma de sus acompañantes en la orilla, al ver que el manso toro blanco al que había subido (en realidad, una transformación de Zeus) comienza a correr mar adentro. Las manos de la mítica princesa, que dio nombre a un continente entero, son un reflejo de la tensión y el dinamismo de la escena.

Poco a poco se ve a Rembrandt quedándose solo: en la Susana de 1636 la atmósfera era plenamente suya, pero la carnalidad del cuerpo desnudo venía de Rubens: dieciocho años después, la desnudez de Betsabé es igual de rotunda, pero la sensualidad está teñida de melancolía, y si el cuerpo se ofrece sin defensa a la mirada masculina la mirada ausente de la mujer sugiere una conciencia apesadumbrada y soberana a la que nadie puede asomarse.

Como no va a sonar una alarma acerco mucho los ojos al lienzo: la sutileza y la libertad de la pincelada se vuelven según me acerco al final, que es casi el de la vida de Rembrandt. En el orden de los cuadros está la forma sutil de una biografía. En su último autorretrato las arrugas de la vejez están hechas con los arañazos del pincel, y quien quiso verse disfrazado de príncipe ahora parece que viste con harapos de mendigo. Rembrandt se pinta riéndose, como un carcamal desvergonzado, como si la risa fuera ya la única reacción que le merece el espectáculo del mundo, el de su propia cara devastada por los años, irreconocible y grotesca en el espejo.


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Sansón y Dalila y, en este caso, el dramático momento en que los filisteos dejan ciego al forzudo; hacen que esta obra aparezca ante nuestros ojos casi como si fuera un fotograma.


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Con traje oriental. Este 'Autorretrato de Rembrandt con traje oriental' (1631) muestra la teatralidad con la que Rembrandt concebía todas sus pinturas incluso cuando se trataba de retratos, parte fundamental de su producción artísitica. Esta obra, que llegará al Prado también procedente de París (donde habitualmente se exhibe en el museo del Petit Palais), no sólo es original por la vestimenta. Además, es el único de los 41 autorretratos del pintor en que aparece puesto en pie.



Todas las claves de la muestra


- 35 pinturas y cinco estampas componen

Rembrandt, pintor de historias, exposición de la temporada en el Prado (del 15 de octubre al 6 de enero).

- Los préstamos proceden de 20 museos y colecciones.

- La muestra se centra en la faceta como pintor narrador de Rembrandt (1606-1669).

- Una oportunidad única para contemplar el arte de Rembrandt en el Prado, que sólo posee una de sus obras,

- Artemisa (1634).

- Las piezas de Rembrandt se intercalan con obras de Rubens, Tiziano, Velázquez, Ribera y Veronés.


EL PAÍS


El Museo del Prado nos sorprende todos los otoños con una gran exposición de un gran maestro, este año le toca el turno a uno de mis favoritos el holandés Rembrandt. Curiosamente el Prado de este pintor solo tiene un cuadro en propiedad "Artemisa".

A buen seguro que la muestra nos dejará a los aficionados complacidos, ya comentaré en unos dias cuando vea la exposición.
 




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Mensaje Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
BALANCE DE 2008


El Prado consigue su record con 2.759.029 de visitas


El Reina Sofía siguen al alza con 1.818.202 de visitas


El Thyssen-Bonemisza baja con 753.215 de visitas



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Visitantes en el del Prado frente a 'Las tres gracias', de Rubens.
 

MADRID.- El Museo del Prado volvió a superar en 2008 la barrera de los dos millones y medio de visitantes (2.759.029), incrementando en un 3,6% la cifra alcanzada en 2007, cuando marcó un "récord histórico". El Museo Reina Sofía, por su parte, aumentó un 15,78% sus visitas, con un total de 1.818.202. 753.215 personas recorrieron las salas del Museo , casi 225.000 menos que el año anterior.

En el caso del Prado, un 46,5% de los visitantes recibidos fueron a las exposiciones temporales, mientras que el 53,5% restante visitó la colección permanente. 'Luca Giordano' (Puertas abiertas al Casón) recibió un total de 99.523 visitantes; el Prado Itinerante, 188.517.

El Museo del Prado acogió durante 2008 otras exposiciones como 'Entre dioses y hombres' (hasta el próximo mes de abril): 'Rembrandt. Pintor de historias' (hasta el día de Reyes), 'El retrato español en el Prado. De Goya a Sorolla'; 'El retrato del Renacimiento'; 'Goya en tiempos de guerra'; 'Los Grecos del Prado'; o 'Fábulas de Velázquez: Mitología e Historia Sagrada en el Siglo de Oro'.

Las cifras de visitantes de los dos últimos años suponen un incremento de alrededor de un 30,5% anual respecto a los cuatro años inmediatamente anteriores, 2003-2006, periodo en el que el Museo alcanzó e incluso superó, también por primera vez en su historia, la barrera de los dos millones de visitas anuales.

El Museo Reina Sofía experimentó un incrementó en 2008 del 15,78%: Un total de 1.818.202 personas recorrieron sus salas el año pasado, frente a 1.570.390 registrados en 2007.

La pinacoteca, que todavía mantendrá en cartel en 2009 muestras como 'Nancy Spero. Disidanzas', 'La invención del siglo XX. Carl Einstein y las Vanguardias' o 'Alberto García-Alix. De donde no se vuelve', acogió el año pasado exposiciones como 'La colección del Museo Nacional Picasso París' o 'Escultura. Evaristo Belloti'.

Menos visitantes en el Thyssen

Por último, el Museo Thyssen-Bornemisza, que en 2009 dedicará una de sus muestras a Matisse, registró menos visitas que en 2007, un total de 753.215. El año anterior registró 978.064.

El museo acogió en 2008 '1914. La Vanguardia y la Gran Guerra' (todavía en cartel), con más 62.000 espectadores; 'Miró. Tierra' (con más de 62.000), 'Otto Dix: Retrato de Hugo Erfurth. Técnicas y secretos', 'Modigliani y su tiempo' o 'Durero y Cranach. Arte y Humanismo en la Alemania del Renacimiento'.


EUROPA PRESS /EL PAÍS



 


Enhorabuena a mi museo favorito, se sigue superando. Ahora en 2009 vamos a ver si conseguimos los 3.000.000 de visitantes.
 




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Mensaje Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
Google mira al Prado con lupa



Los 14 "imprescindibles" del museo se exponen en la Red en altísima resolución


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'El descendimiento', de Roger van der Weyden


Una lupa gigante mira desde ayer al detalle 14 de las obras imprescindibles del Museo del Prado. Pequeños universos se despliegan así inusitados ante la mirada de investigadores, estudiantes o simples aficionados. No son 14 obras cualesquiera. La pinacoteca posee un millar de piezas maestras, pero las elegidas forman parte de lo que se conoce como El Prado esencial: Las meninas de Velázquez; El jardín de las Delicias, de El Bosco; El caballero de la mano en el pecho, de El Greco... Y en ellas hay mucho, muchísimo de nuevo que ver. De las lágrimas de San Juan en El Descendimiento, de Roger van der Weyden, a la abeja que se revolotea sobre el pétalo de una rosa en el lienzo Las tres gracias, de Rubens, o la expresión desencajada por el terror de uno de los ajusticiados de Los fusilamientos del 3 de mayo, de Goya.


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Detalle de 'El descendimiento', de Roger van der Weyden

Todo ello es posible gracias a un acuerdo entre la pinacoteca madrileña y el buscador Google, que aplica a los lienzos las técnicas de su herramienta Google Earth (http://earth.google.es), que permite con imágenes vía satélite obtener fotografías detalladas de casi cualquier rincón del mundo. El resultado es asombroso; su nitidez es 1.400 veces mayor de la que se conseguiría con una cámara digital de 10 megapíxeles.

El proyecto convierte al Prado en el primer gran museo internacional que facilita el acceso a sus tesoros en megaaltarresolución a través de Internet. Su director, Miguel Zugaza, aseguró ayer, durante la presentación del ingenio, que El Prado entra así de lleno en el siglo XXI al enriquecerse con el aporte de las nuevas tecnologías. "Con un realismo prodigioso, se universaliza el conocimiento de las obras. Disponemos ahora de una herramienta deslumbrante para investigadores, docentes y amantes del arte".

En los trabajos se ha empleado medio año. Para dibujar esos minuciosos mapas se realizaron más de 8.200 fotografías que después se han montado como un puzle. La tecnología de Google Earth, mezcla de microscopio y atlas que todo lo ve, hizo el resto.

Zugaza explicó que la selección de los cuadros es la misma que ofrece la web del museo, una lista consensuada entre los expertos de la pinacoteca. Piezas consideradas en todo el mundo como obras cumbre de la historia del arte y reproducidas hasta la saciedad en los manuales. "Me gustaría que el proyecto hubiera incluido el millar de piezas de la colección del museo, pero por el momento es imposible", añadió.

¿Y qué opinarían los maestros si vieran su obra desmenuzada al detalle? ¿Su genialidad cartografiada de esa manera? Zugaza aseguró que seguramente los artistas se quedarían horrorizados al ver sus artimañas pictóricas al descubierto y cuánto pesa sobre los lienzos el paso del tiempo.

Javier Rodríguez Zapatero, director de Google España, añadió que este proyecto supone un nuevo avance en la democratización del acceso a la información y a la cultura. "Acerca el arte a todo el mundo, sin importar en qué lugar se encuentre y gratis".


EL PAÍS


                


Una iniciciativa que seguro será bien recibda para los amantes del arte. Bien por Google y también por el museo del Prado.
 




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Mensaje Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
El Prado recibe la 'tormenta Bacon'

La pinacoteca se prepara para acoger la retrospectiva del artista irlandés




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Manuela Mena, comisaria de la exposición, ante el tríptico 'Sweeney agonistes'-


Vísceras bajo un cielo totalmente azul. Oscuridad absoluta y soledad. Así es el tríptico Sweeney agonistes, una de las obras clave de Francis Bacon (Dublín, 1909- Madrid, 1992), inspirado en un poema de T. S. Eliot, y que cuelga ya de las paredes del Museo del Prado.

Es la primera de las 60 pinturas que integran la retrospectiva dedicada al artista irlandés a propósito del centenario de su nacimiento. Procedente de la Tate Britain de Londres, la muestra se podrá visitar entre el 3 de febrero y el 19 de abril. Después viajará al Metropolitan de Nueva York. Considerada ya la gran exposición de la temporada, el Prado ha organizado la venta anticipada de entradas llamando al 902 107 077 y a través de la web www.museodelprado.es

Manuela Mena, jefa de Conservación de Pintura del Siglo XVIII y Goya, comisaria de la exposición en Madrid, paseaba ayer entre las cajas contenedoras de la obra que ocupará tres de las nuevas salas del museo. Mena, profunda conocedora de la obra de Bacon, acompañó al artista en muchas de sus visitas por el Museo del Prado.

Ante el tríptico ayer instalado, la comisaria señala los puntos en común entre la obra de Bacon con grandes maestros como Velázquez, Goya o El Greco. "De Velázquez tiene la perfecta distribución del espacio. Acordémonos de que una de sus obras más famosas es el Inocencio X inspirado en el de Velázquez. De Goya tiene la autenticidad en la forma de enfrentarse al retrato, con la grandeza y las miserias del personaje. También se pueden ver detalles que recuerdan a El Greco o a El Bosco... Pero, como dice Damien Hirst, todo Bacon es un gran retrato del lado oscuro del ser humano".

La comisaria, que ha investigado en profundidad la vida y obra de Bacon, asegura no tener demasiados recuerdos personales de las visitas al museo con el pintor. "Sé que cuando estaba en Madrid, venía muchos días. Cuando las visitas eran con el museo cerrado, yo le he acompañado muchas veces, pero no era un hombre de hablar mucho. Contemplaba y callaba".

La entrada de la obra de Bacon en el Prado después de la de Twombly no es una revolución para un templo de la pintura antigua, en opinión de Mena. "Bacon es ya un clásico en el panorama artístico y tiene perfecta cabida en este museo".

La muestra, presentada ayer en el museo por los patrocinadores, Acciona y la comunidad de Madrid, es la primera que se realiza en España desde hace 30 años. Entonces se celebró en la Fundación March.



EL PAÍS
 




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