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British Museum (Museo Británico, Londres)
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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
La revancha de Moctezuma


El Museo Británico recupera el esplendor del imperio azteca con una gran exposición dedicada a su último líder y agita el debate historiográfico con nuevas hipótesis en torno a su vida y su muerte. La exposición 'Moctezuma: soberano azteca' podrá verse en la capital británica entre el próximo 24 de septiembre y el 24 de febrero de 2010


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Hombre y mito. Retrato de Moctezuma II, emperador de México. Realizado por Antonio Rodríguez en el siglo XVII. Colección del Museo degli Argenti e delle Porcellane, Palazzo Pitti. . El óleo ha sido cedido para la muestra que organiza el Museo Británico por el Ministerio italiano para los Bienes y Actividades Culturales. La muestra 'Moctezuma: soberano azteca' pretende reflejar su papel como dirigente de una civilización compleja y sofisticada, sus logros económicos y militares y comerciales, y sus ritos y costumbres. Sin embargo, plantea una nueva hipótesis sobre su muerte.


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Muerte controvertida. La capital azteca, Tenochtitlán, llegó a tener 250.000 habitantes, un centro de poder capaz de mirar cara a cara a Nápoles o Constantinopla en la época. Cayó en 1521 y la muerte de su líder supremo siempre ha estado rodeada de controversia. Moctezuma abrió las puertas a los conquistadores y alojó en su palacio a Hernán Cortés. Tradicionalmente se ha considerado que su pueblo le mató por esa traición. Sin embargo, el Museo Británico apuesta por otra hipótesis: los españoles lo mataron cuando ya no les servía y la idea de la connivencia con los conquistadores no sería más que una tergiversación histórica de los españoles o una reinterpretación de los aztecas para justificar su derrota. En la imagen, máscara mosaico del poderoso dios Tezcatlipoca.


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Desde ocho países. Más de 130 piezas procedentes de 23 museos de ocho países, además de las que se han rescatado de los fondos del British Museum, componen la muestra. El principal museo británico ha logrado reunir por vez primera seis monumentos en los que aparece incrustado el nombre de Moctezuma.


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Materiales de gran valor. Los artesanos aztecas trabajaban con los materiales más preciados. La exposición exhibe colgantes y anillos de oro, cofres ricamente labrados, estatuillas y máscaras antropomórficas en piedra y turquesa.


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Grabado en la piedra. El Teocalli de la Guerra Sagrada es uno de los platos fuertes de la exposición ya que, por primera vez, puede verse fuera de México. Este impresionante monumento de piedra muestra a Moctezuma junto al sol. La obra, una de las más importantes que se conservan de la cultura azteca, es un documento de extraordinaria destreza que simboliza la condición de mediador entre el pueblo y los dioses que poseía el emperador.


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Joyas de museo. Las joyas, como este colgante de la imagen realizado con oro, plata y bronce, componen una parte importante parte de la muestra junto con los objetos rituales. Otro de los alicientes para acercarse hasta la capital británica será, por su carácter novedoso, el conjunto de 14 objetos de oro hallados hace solo un año en la excavaciones que siguen en marcha en Ciudad de México.


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Vestigios de la conquista. La coraza de hierro del español Pedro Alvarado, quien acompañó como capitán a Hernán Cortés en México tras participar en la conquista de Cuba, es uno de los vestigios de los conquistadores.


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Símbolos fundacionales. La serpiente, como esta de dos cabezas en turquesa, era un animal mítico para los aztecas. Junto con el mito fundacional de Tenochtitlán, el águila sobre un nopal, el carácter simbólico del reptil resistió los siglos de colonización y pasó a integrar el escudo nacional de México, país que celebrará el bicentenario de su independencia (1810) el próximo año.


EL MUNDO


 

Magnífica exposición
 




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última edición por j.luis el Miércoles, 09 May 2012, 12:46; editado 1 vez 
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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
Exposición en el Museo Británico


El último rey-dios azteca ajusta cuentas con la historia


Fue un semidiós, un líder político y un jefe militar de 1502 a 1520

Fue considerado un traidor que se rindió al conquistador Hernán Cortés

Unas 160 piezas recrean el esplendor de esta antigua civilización




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Considerado por muchos un traidor que se rindió al conquistador español Hernán Cortés, Moctezuma, último emperador azteca electo, se reivindica en el Museo Británico como un formidable líder que tuvo a su pies el mayor imperio de Mesoamérica. Casi cinco siglos después de su oscura muerte, el legendario gobernante sigue fascinando al mundo y se lanza ahora a seducir a los británicos en la magnífica exposición 'Moctezuma: Emperador azteca', organizada por el museo londinense en colaboración con el Instituto Nacional de Antropología e Historia de México (INAH).

El soberano promete convertirse en una de las estrellas de la temporada cultural en el Reino Unido, pues ha generado tanta expectación que se han vendido por adelantado 10.000 entradas para la exhibición, asegura una portavoz del British Museum.

Hasta el 24 de enero de 2010, más de 200.000 personas se espera que visiten "la primera exposición biográfica de Moctezuma que se celebra en el mundo", en palabras de la subcomisaria del evento, Elisenda Vila.

Unas 160 piezas (máscaras mosaico, cuadros idealizados, valiosas alhajas, códices coloniales, armas de la época) procedentes en su mayoría de México, pero también de España y otros países, recrean el esplendor de la civilización azteca, un término incorrecto popularizado desde el siglo XIX para referirse a los "mexica".


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Una máscara de Tonatiuh, rey del sol


Persona 'non grata' en México

Moctezuma, cuarto y último protagonista de una serie que el Museo Británico ha consagrado a grandes gobernantes de la historia, da nombre a una marca de cemento, una compañía chocolatera, una cervecería y una estación de metro en Ciudad de México, pero no cuenta en la capital mexicana con ninguna estatua en su memoria.

La ausencia del soberano quizás se deba, como apunta el comisario de la exposición, Colin McEwan, a que "Moctezuma es persona non grata en México debido a la opinión tradicional de que actuó en secreto contra su pueblo y cedió el imperio a los españoles". "Nosotros -precisó McEwan- intentamos mostrar la otra cara del hombre: la de un gobernante brillante, temido y legitimado por derecho propio, que acometió importantes conquistas territoriales y se embarcó en un gran programa de monumentos públicos imperiales".

Moctezuma II -como se le conoce para distinguirlo de un antecesor homónimo- fue un semidiós, un líder político y un jefe militar que, desde 1502 a 1520, forjó el máximo esplendor del imperio azteca, que abarcaba desde la costa del Pacífico hasta el Golfo de México.


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Un pendiente de oro que mostraba el rango militar


Hernán Cortés, 'dios de la sabiduría'

Sólo en la capital, Tenochtitlán, capaz de competir entonces con Constantinopla y Nápoles y donde se alza hoy la Ciudad de México, unos 250.000 súbditos rendían culto a Moctezuma, pero no podían mirarle a la cara, pues semejante sacrilegio costaba la muerte. Sin embargo, varias premoniciones -cometas en el cielo, torres de fuego y otros fenómenos- presagiaron el colapso del imperio y precedieron la llegada de los españoles, como documenta el "Códice Durán", proveniente de la Biblioteca del Palacio Real de Madrid.

Intercesor de su pueblo con los dioses, Moctezuma daba enorme importancia a esos augurios, que coincidieron con el desembarco de Hernán Cortés y varios cientos de hombres en la costa de Veracruz.

El soberano tomó a Cortés por el dios de la sabiduría Quetzalcóatl, cuyo retorno mítico esperaban los mexicas, y envió a emisarios que agasajaron al invasor con presentes, como la bella serpiente de dos cabezas en turquesa que puede verse en Londres.

Moctezuma dejó entrar a los españoles en Tenochtitlán y los alojó en su palacio, donde acabó eventualmente secuestrado por sus huéspedes, una humillante retención que enfureció a los aztecas, hartos también de los sacrilegios de los intrusos.

Tras una masacre de nobles mexica a manos de los españoles, la ciudad se rebeló y Cortés intentó usar al destronado monarca para negociar un salvoconducto que le permitiera escapar de la urbe, pero cuando Moctezuma se dirigió a la masa, resultó lapidado.

Según la versión de los conquistadores, el último rey-dios de los aztecas murió poco después como consecuencia del apedreamiento, si bien una imagen del "Códice Moctezuma", que el INAH ha prestado a la exposición, sugiere otra hipótesis bien distinta.

La ilustración del códice, elaborado por escribas indígenas, muestra una figura, que se asemeja a Moctezuma, apuñalada y asesinada con una lanza por sus captores españoles.La increíble reacción del emperador, un gobernante poderoso y resolutivo que, de repente, parece verse abocado a la indecisión propia de un Hamlet, ha alimentado el imaginario colectivo.

El reputado historiador Jim Tuck sólo halla una explicación a la conquista de un imperio tan poderoso por un puñado de invasores: la superstición religiosa. Sea como fuere, el arribo de los españoles, como concluyó Elisenda Vila, "cambió para siempre el destino de América".


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Un fragmento de basalto, en forma de una cola de serpiente


EL MUNDO
 




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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
El Canal hace un repaso de la historia del arte con 250 obras procedentes del Museo Británico


Hachas de un millón de años y jarrones del siglo XXI

Un ataúd de madera egipcio y una momia presiden una de las salas
  


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Figura con dos cabezas. Islas de la Sociedad, Oceanía, siglo XVIII-principios del XIX.


Enterrado bajo la arena de las islas de Lewis (Escocia), oculto y protegido por una pequeña cavidad de piedra seca, se encontró en 1831 un conjunto de 82 piezas de ajedrez hechas de marfil de morsa. Se descubrió que las pequeñas esculturas, cuidadosamente talladas, habían sido realizadas en el siglo XII. Hoy en día se reparten entre el Museo Británico y el Museo Nacional de Edimburgo. Nadie sabe a quién pertenecieron, dónde se elaboraron ni por qué acabaron escondidas entre las dunas de una isla escocesa. Su descubridor -tampoco se sabe quién fue el afortunado- dio con lo que puede llamarse, sin lugar a dudas, un verdadero tesoro.


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El ajedrez noruego de la isla de Lewis, Escocia. 1150-1200.

Las piezas del ajedrez de Lewis, junto con otros 250 tesoros procedentes del Museo Británico, se exhiben desde ayer en la sala Arte Canal, dentro de la exposición Tesoros de las culturas del mundo. No están los frisos del Partenón, ni el Discóbolo de Mirón, ni la piedra Rosetta (aunque de ésta sí hay una réplica), pero la muestra realiza un completo recorrido por la historia del arte y de la humanidad.

La visita está dividida en siete salas, que permiten viajar por África, Oriente Próximo, Asia, Europa, Oceanía, América y, finalmente, la época moderna. El visitante se encuentra nada más llegar con dos hachas encontradas en la Garganta de Olduvai (Tanzania). Su fabricación se remonta a entre 1,6 y 1,4 millones de años antes de Cristo. La edad de Piedra temprana. Pero no son simples instrumentos. Sus formas son elegantes, sus materiales (lava y cuarzo), complejos de cincelar. Son una de las primeras muestras de la cultura material humana. Desde ellas hasta el jarrón Galaxia (2006), del japonés Tokuda Yasokichi III -que ha sido nombrado por su gobierno Tesoro Nacional Viviente-, hay millones de años de evolución estética. Muchos para cualquier museo. Aunque el Británico, que cumple 250 años de vida, puede preciarse de albergar una portentosa colección. Parte de ella ha recorrido diversos países de Asia y América con esta exposición, que recala ahora por primera vez en Europa.


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Buda de pie. Antigua Gandara, Pakistán, siglo II.

Tras las primitivas hachas sorprende de golpe, todavía en la primera de las salas, una muestra de arte funerario egipcio. El ataúd de madera de Djeho, decorado con inscripciones jeroglíficas, con la cara dorada y pelo azul (que simbolizan la divinidad del muerto). Y a su lado, una momia, completamente envuelta siguiendo la técnica de embalsamamiento egipcia, de la que los rayos X revelaron que pertenece a una mujer de mediana edad, con la dentadura completa, ojos artificiales y los huecos dejados por las vísceras tras su extracción, rellenos de una mezcla de lino, serrín y arena.

La siguiente parada, bajo la luz siempre tenue de las salas y con una suave música de fondo, es en Oriente Próximo, y la bienvenida la da el Guardián Divino, una estatua asiria (811-783 a. C.), que flanqueaba el templo de Nabu -dios de la escritura- en la antigua capital Kalhu (norte de Irak). Las vitrinas de las paredes albergan relieves sirios, acuarelas de la India, azulejos de Irán.


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Cabeza del buda Amida. Japón, siglos XIV-XV.

Entre las piezas europeas repartidas en la siguiente estancia destacan varias estatuas y bustos y griegos y romanos, como un Eros de la Acrópolis de Atenas al que le falta la cabeza o el rostro marmóreo del emperador Augusto.

De ahí, un nuevo salto geográfico y temporal traslada a tierras asiáticas, donde varios budas, como uno procedente de la antigua Gandhara (actual Pakistán) del siglo II, conviven con biombos japoneses de la era Meiji (1809) decorados con motivos invernales.


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Vishnu de pie. Este de la India, siglo XII.

Dos salas más pequeñas albergan las obras de Oceanía y América. El camino desemboca en una última habitación, en la que se reúnen objetos artísticos de los cinco continentes bajo el epígrafe de Mundo moderno. Ahí tienen cabida desde unas Botas de tacón de aguja Lady Luck, del artista Teri Greeves hasta una escultura del iraní Parvis Tanavoli, maestro de lo que él define un pop art espiritual.


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En la fotografía la réplica de la piedra de Rosseta original, descubierta por Pierre François Xavier Bouchard, del 196 a.C.


"Esta es la cuarta exposición que se realiza en este espacio sobre las grandes civilizaciones", recordó ayer la presidenta de la Comunidad, Esperanza Aguirre, en la inauguración de la muestra. Las tres anteriores tuvieron 1,2 millones de visitantes. "Esperemos que este sea uno de los grandes acontecimientos culturales de 2010", concluyó Aguirre.



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Estatua de Eros, el dios griego del amor. Versión romana de un original griego escupuido, c. 360-330 a. C. realizado en mármol.


Tesoros de las Culturas del Mundo

Sala Arte Canal, Paseo de la Castellana, 214. Madrid. Hasta el 10 de mayo, de 10.00 a 21.00 (24 y 31 de diciembre sólo mañanas y 25 de diciembre y el 6 de enero permanecerá cerrado). Entradas a seis euros (tres euros con descuento).


EL PAÍS / EL MUNDO
 




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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
Irán rompe relaciones con el Museo Británico


La prestigiosa institución ha decido retrasar la entrega a Teherán del Cilindro de Ciro, considerada la primera declaración de derechos humanos de la historia   


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El Cilindro de Ciro, considerado la primera declaración de la derechos humanos de la historia

El Gobierno de Teherán ha decidido romper las relaciones con el prestigioso Museo Británico por la decisión de la institución de retrasar la cesión del famoso Cilindro de Ciro. La entrega de la pieza estaba prevista para el 7 de febrero pero el museo ha decidido posponerla hasta julio, lo que Irán califica de "inaceptable". Esta es la segunda vez que el Museo Británico pospone la entrega de la codiciada pieza, labrada durante el reinado del rey aqueménida Ciro el Grande (559-530 antes de Cristo) y considerada la primera declaración de derechos humanos de la historia.
Según un acuerdo bilateral, el cilindro debería haber regresado a Irán en septiembre de 2009, pero los responsables británicos aplazaron el envío debido a la situación de inestabilidad creada por las cruentas protestas de la oposición, que ha denunciado fraude en las elecciones presidenciales del pasado junio.

Hamid Baqaei,director de la organización iraní para la Preservación del Patrimonio Cultural y la promoción del Turismo ha acusado a los responsables del Museo Británico de haber "politizado un asunto puramente cultural". "Dado que la Organización para la Preservación del Patrimonio Cultural y la promoción del Turismo es una entidad únicamente cultural, ha decidido cortar sus relaciones con el Museo Británico, que se ha convertido en una organización política", ha argumentado. "Pondremos fin a todo tipo de cooperación, como exposiciones, misiones arqueológicas y proyectos de investigación.... estamos seguros de que el museo y, en particular, el centro de estudios de Oriente Medio, sufrirá una considerable pérdida con el fin de esta colaboración", ha agregado Baqaei. El responsable iraní ha anunciado, asimismo, que su organización enviará una carta de protesta a la UNESCO y misivas a otros museos para instarles a reconsiderar su colaboración con el Museo Británico.

El Cilindro de Ciro, un código de temática legal escrito con caracteres cuneiformes, fue hallado en 1879 en Esagila, lugar donde se ubicaba el templo de Murdak en Babilonia


EL PAÍS
 




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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
Londres se rinde al reino de Ife


Un centenar de esculturas nigerianas deslumbran en el British Museum

La exposición fue ideada e impulsada desde 2005 por Paloma Botín




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Máscara Obalufon, una de las piezas de la muestra El reino de Ife
  
La crítica británica ha saludado con entusiasmo la llegada al Museo Británico de la exposición El reino de Ife, una muestra de más de 100 piezas, principalmente esculturas de terracota y, sobre todo, de bronce y otros metales, realizadas entre los siglos XII y XV en ese antiguo reino yoruba situado en lo que hoy es territorio de Nigeria. Expuesta de la mano de la Fundación Marcelino Botín, primero en Santander y luego en Madrid, la muestra, que se podrá ver en Londres desde hoy hasta el 6 de junio, viajará a Nueva York, Virginia e Indianápolis en colaboración con el Museo de Arte Africano de Nueva York.
 
"Es una exhibición excepcional incluso para los altos estándares establecidos en los últimos años por el Museo Británico", escribe en The Guardian el crítico de arte Jonathan Jones. Richard Dorment, del Daily Telegraph, muestra un entusiasmo comparable: "La calidad de las estatuas de cuerpo entero, cabezas, objetos rituales y vasijas prestados por la Comisión Nacional para los Museos y Monumentos de Nigeria es asombrosa. ¿Qué puedo decir? Exposiciones como ésta sólo llegan una vez en la vida".

La exhibición fue ideada e impulsada por Paloma Botín, vocal del Patronato de la Fundación Botín, que inició en 2005 los contactos para conseguir que las piezas salieran de Nigeria. En la presentación de la exposición, Botín destacó la colaboración con los responsables del cuidado de las obras en Nigeria y cómo han seguido de cerca la restauración de alguna de las piezas en Madrid y Londres. "Queríamos hacer una exposición de arte africano por la gran influencia que ha tenido en muchos artistas del siglo XX, como Picasso", explicó Botín. "Adoro estas obras y haré todo lo que pueda para que el dinero que recibirá Nigeria por cederlas se utilice para mejorar los museos que las exponen", aseguró.

Enid Schildkrout, comisaria de la muestra y directora de exposiciones y publicaciones del Museo de Arte Africano de Nueva York, destacó la "hermosa colaboración internacional" que ha hecho posible la exposición y la calificó de "un testimonio de cooperación para preservar nuestra herencia cultural".

Calificados por el crítico Francisco Calvo Serraller como "los auténticos griegos del arte del África negra", poco se sabe de los artistas que dieron luz a estas obras. No hay testimonios escritos del reino de Ife y los trabajos arqueológicos apenas han arrojado luz sobre su origen. El tesoro artístico de Ife fue descubierto en 1910 por el arqueólogo alemán Leo Frobenius, que creyó haber descubierto un tesoro semejante a la Atlántida y se preguntó de dónde podían venir aquellas esculturas perfectas, incapaz de aceptar que fueran el producto de una civilización que él consideraba atrasada.

Las esculturas de Ife dan cuenta de la existencia de una avanzada civilización africana. El hecho de que apenas haya recursos minerales en la región da a entender que se trataba de una zona de fuerte implantación comercial, capaz de importar la materia prima, como el cobre, que daría paso a la creación de las esculturas. Éstas representan a mandatarios locales, a jóvenes guerreros y también a mujeres y niños. Llama la atención el detalle con que los escultores reflejaban las enfermedades y penurias del momento, o la fidelidad con que mostraban también el sufrimiento por el que estaban pasando los extranjeros sometidos a sacrificios humanos para saciar a los dioses.


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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
El Museo Británico expone sus grabados chinos

Alguno de sus tesoros se muestran por primera vez



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Grabado de buda orante de la Dinastía Tamng, en bloque de madra con tinta y colores añadidos.

La colección de grabados chinos del Museo Británico es sin duda una de las más completas e importantes del mundo fuera del país de origen, y algunos de los tesoros que conserva esa institución podrán admirarse por primera vez ahora en una exposición.

La colección la inició el propio fundador del museo, Hans Sloane, un médico de origen irlandés que llegó a presidente del Colegio de Médicos británicos y sucedió a Isaac Newton como presidente de la Royal Society y que a su muerte, a los 93 años, en 1753, había logrado reunir 71.000 objetos de todo el mundo, desde plantas y conchas hasta monedas y manuscritos.

En los dos siglos y medio transcurridos desde entonces, la colección de grabados chinos es una de las más importantes de Europa aunque se la repartan actualmente el museo y la institución hermana, la Biblioteca Británica, que se mudó hace unos años a un edificio independiente.

El papel se fabricaba ya en China en el tercer siglo de nuestra era y la impresión sobre papel la inventaron también los chinos en torno al año 700 de nuestra era.

La Biblioteca Británica conserva la primera imagen impresa con un bloque de madera, el frontispicio de un texto budista llamado el Sutra del Diamante, el libro impreso más antiguo que se conoce, fechado en 868.

Como señala en el catálogo la comisaria de la exposición Clarissa von Spee, la imprenta conoció un gran auge en China gracias sobre todo al budismo, que se convirtió en religión del Estado en la dinastía Sui (589-618), y la distribución de imágenes para fines de propaganda religiosa favoreció la producción en masa.

Manuales en colores

Tras el fuerte crecimiento demográfico y el aumento de riqueza, de la movilidad geográfica y el alfabetismo registrados durante la dinastía Ming (1368 a 1644), las ciudades de Nanhing y Suzhou, cerca de la actual Shanghai, se convirtieron en los siglos XVII y XVIII en centros donde, a la sombra de una clase educada y de ricos mercaderes, florecieron las artes de la impresión.

Algunos letrados incapaces de encontrar empleo como funcionarios de la corte se embarcaron en proyectos de ese tipo y comenzaron a publicar manuales en dos y hasta en cinco y más colores, para los que existía una fuerte demanda.

Los motivos de muchos de esos grabados populares van desde deidades y otros espíritus titulares hasta ilustraciones de historias y leyendas.

Los encargos más importantes en materia de grabados impresos los hicieron dos de los más poderosos emperadores de la dinastía Qing, Kangxi (1662-1722) y su nieto Qianlong (1736-91), con quienes el imperio chino alcanzó su máxima expansión.

Se dice que el segundo logró reunir la mayor colección de arte del mundo en su época. Qianlong empleó además a misioneros jesuitas para aprender de ellos las últimas tecnologías europeas y se embarcó en una campaña de propaganda mediante la imagen.

Siguiendo el camino inverso de un invento -de Europa a China, esta vez- el grabado en cobre lo introdujeron los jesuitas bajo el emperador Kangxi, quien invitó al misionero italiano Matteo Ripa a reproducir mapas de su imperio elaborados por esos religiosos.

Kangxi encargó también una "Ilustración de Agricultura y Sericultura", serie de grabados que debían exhibir ante el mundo la prosperidad de su imperio, mientras que en 1747 Qianlong pidió a otros dos misioneros, Giuseppe Castiglione y Michel Benoist, que hicieran los planes de un nuevo complejo palaciego, inspirado en las imágenes que había visto de los palacios barrocos europeos.

Éxitos militares

Algunos de esos grabados, así como otros que conmemoran los éxitos militares de su reinado con la representación de batallas ganadas desde el Vietnam hasta Turkestán, podrán verse también en la exposición del Museo Británico hasta el 5 de septiembre.

Otra sección de la exposición se centra en el llamado Movimiento Xilográfico moderno, iniciado por el monje budista, poeta, pintor, calígrafo, actor y educador Li Shutong (1880-1942) y el escritor revolucionario Lu Xun (1881-1936), que vieron en el grabado un medio ideal para dirigirse a las masas chinas y expresar la necesidad de transformación social y política que tenía el país.

Ambos habían estudiado en el Japón y comprendían la importancia de la literatura y el arte en la formación de un moderno Estado nación, y Lu Xun en concreto simpatizaba con el Partido Comunista Chino, fundado en Shanghai en 1921.

La última parte está dedicada a los grabados del período republicano (1929), de la era de Mao (1949-76) y de la época de reformas y apertura al mundo a finales de los XX, favorecidos por el establecimiento de sendos departamentos de grabado en las academias de Bellas Artes de Pekín, Hangzhou y Chongqing.

EL MUNDO
 




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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
Galería de Fotos del Museo Británico de Londres, la gran colección de objetos del mundo antiguo, con imágenes de objetos artísticos del arte mesopotámico, griego y romano que puedes ver en este gran museo.


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Fachada principal del Museo Británico de Londres


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Escultura de la Roma antigua en el Museo Británico de Londres


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Objetos antiguos europeos en el Museo Británico de Londres


Enlace interesante para ver más fotos: http://guias-viajar.com/inglaterra-...-griego-romano/
 




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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
Hace años vi una exposición de arte africano en la antigua sala de la Caixa de pensiones en el Paseo San Juan, en Barcelona. Sino recuerdo mal en la exposición había algunos bronces del Reino de Ife, me impresionarón por la calidad, la capacidad técnica y por la belleza. Luego había otras obras que demostraban que picasso copio modelos africanos para sus obras.

Si, algunos museos grandes han conseguido piezas por expolio o apropiandoselas de forma ilegal (por ejemplo "El matrimonio Aldorfini" de Van Eyck era propiedad de la colección real española, actual Prado). A mi no me parece muy justo que aleguen que una ley de su pais impide devolver las piezas al pais de origen, porque si la cosa es conseguida de forma ilegal no sé puede justificar esa negativa en la ley. Claro que deberian devolver los frisos y las piezas del Partenon, etc... y como mucho quedarse con una copia porque en esos paises hay museos y suficientes garantias de conservación.

saludos y buen trabajo con este hilo      
 



 
hyperborea Enviar mensaje privado
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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
Gracias Hyperborea. En mi rápida visita a Londres hace ya cuatro años, me quedé con las ganas -por falta de tiempo- de visitar varios museos, especialmente el British Museum y la National Gallery.    ¿Cuanto hubiese disfrutado?   Es una cuenta pendiente que espero alguna vez poder cumplir.


 

En cuanto a los expolios es verdad que los ingleses son de los que más han 'robado', también hay que decir a su favor que si no lo hubiesen hecho, especialmente: piezas egipcias, asiáticas y africanas, es muy posible que hubiesen desaparecido o hubiesen sido destruidas y gracias a ellos todavía se conservan y se han estudiado para el bien de la cultura y la ciencia... eso sí y en primer lugar por sus propios intereses.



 

Saludos.
 




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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
Si, el problema,  y lo bueno a la vez, de estos grandes museos es que para verlos bien debes dedicarles mucho tiempo y el problema es que cuando visitas ciudades como Paris, Londres, Florencia, Roma.... es que tienen tantas cosas que ver que no hay tiempo material para hacerlo,  no ser que te tires varios meses allí. Pero bueno, siempre queda la posibilidad de volver otra vez    

Claro que hay que agradecerles que conservaran esas cosas, si, pero algunas cosas como el busto de Nefertiti se lo llevaron a escondidas (las malas costumbres de los colonialistas). El caso de los mármoles del partenon se lleva años pidiendo la devolución  porque los sacaron de extrangis y entiendo que si los hubieran comprado estarian en su derecho de conservarlos, pero ahora que están recostruyendo la Acropolis sería interesante que los devolvieran.

Hace poco los italianos devolvieron el obelisco de Axum que Musolini se lo llevo, es lo logico, otra cosa es el caso del templo de Devot que los egipcios regalaron por la ayuda en el rescate de Abusimbel con el motivo de la presa de Asuan.

saludos
 



 
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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
Desentrañando los misterios de William Shakespeare     



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El Museo Británico de Londres inaugura este mes una exposición sobre el dramaturgo coincidiendo con los Juegos Olímpicos. La Aventura de la Historia, con motivo de la ocasión, dedica un Dossier que indaga en los orígenes del genio literario y su ascenso a la fama en la Inglaterra de los Tudor

William Shakespeare, el dramaturgo más representativo de la literatura inglesa, ha dejado importantes parcelas por desvelar. El Dossier de La Aventura de la Historia de julio, centrado en el bardo de Stratford-upon-Avon, bucea en torno a una figura que ha dado lugar a la especulación desde hace cuatro siglos. Incluso la autoría de sus obras ha sido puesta en duda. La investigación sistemática ha llegado al extremo de alimentar la leyenda de que Shakespeare era un seudónimo bajo el que escribían Francis Bacon, Edward de Vere o Christopher Marlowe.

Por cuestionar, se pone en tela de juicio hasta su hipotetica fecha de nacimiento, el 26 de abril de 1564, ya que no existen datos que la corroboren. Esta es la fecha que aparece en el acta de bautismo, y que se ha obviado para hacerla coincidir con la fiesta nacional inglesa, el día de San Jorge, tres días antes.

Alejandra Franganillo y Carmen Sanz Ayán señalan cómo el hijo de un guantero de Stradford Upon Avon revolucionó el mundo escénico londinense y como le llegó la fama y sus actuaciones ante Isabel I en The Globe.

La obra de Shakespeare no se entiende sin la llegada al poder de una nueva dinastía al trono inglés, los Tudor. La segunda parte de dossier, de mano de Anonio Terrasa Lozano, presenta las claves de la popularidad de Enrique VIII y de su hija, que salvaron la cultura popular del rigorismo puritano.

El soberano que decapitó a  Ana Bolena fue considerado en su juventud un rey filósofo y nombrado Defensor de la Fe por el Papa por su Assertio Sptem Sacramentorum que escribió contra Lutero. Pronto su catolicismo pasó a segundo plano cuando intentó la nulidad de su matrimonio con Catalina de Aragón, sobrina de Carlos V. La dilación del Papa provocó el Cisma de Inglaterra y se inició el proceso de divorcio. El Rey de Inglaterra se convertía en cabeza de la Iglesia anglosajona. A Enrique VIII le sucedieron sus hijos Eduardo VI que instauró un protestantismo radical y luego Maria Tudor que se reconcilió con Roma.

En 1559 Isabel I, hermana de los monarcas anteriores e hija de Enrique VIII, reinstauró el anglicanismo y restituyó el Acta de Supremacía. Las posturas de anglicanismo, más cercanas al catolicismo que al calvinismo, permitieron el florecer del teatro en Inglaterra.

En el cuarto bloque, Fabien Montcher rastrea las fuentes históricas en las que bebió el bardo para escribir sus obras teatrales. El repertorio shakespiriano se nutrió del teatro moral, los argumentos de las Folk Stories y el gusto por las biografías teatralizadas. Algunos de los libros que consultó fueron Union of the two noble and illustrate families of York and Lancaster, que recogía parte de las crónicas de Anglica Historia de Polydore Vergil. Otros libros fueron el Mirror of Magistrates y gracias a la traducción de Thomas Norte de Vidas paralelas de nobles griegos y romanos, Shakespeare pudo acceder al pensamiento de Plutarco.


laaventuradelahistoria.es
 




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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
La armada del grabado español toma Londres


El British Museum pone el foco en la obra gráfica de Goya, Murillo o Zurbarán



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'Figuras danzando en círculo', de Goya.

Dibujos y grabados pintados en España desde el Renacimiento hasta el apogeo de Francisco de Goya, bocetos de los que surgieron algunos de los grandes cuadros exhibidos hoy en El Prado o la National Gallery, pero que constituyen en sí mismos apreciadas piezas de la historia del arte… El Museo Británico pretende corregir la percepción de que las artes gráficas cultivadas en nuestro país merecerían menos renombre que los trabajos producidos en otros enclaves europeos, como Francia e Italia, y para sostenerlo acaba de presentar en su sede de Londres un recorrido a lo largo de tres siglos de trabajos que tienen como culminación la obra del maestro aragonés.

Goya y su serie de grabados que toman como objeto la tauromaquia, los esbozos previos que realizó antes de plasmar en el lienzo la invasión napoleónica de España con todos sus horrores (los Desastres de la Guerra), o de retratar a militares e infantes, es el principal protagonista de una muestra abierta al público hasta el próximo 6 de enero. Los expertos del British Museum han buceado en los ingentes fondos que todavía esconde la institución para exponer también a la superficie los grabados de Zurbarán, los dibujos de Diego Velázquez o los bocetos de Murillo, junto a otros autores extranjeros que, como el italiano Federico Zuccaro y flamenco Pedro Perret, recalaron en España para plasmar en sus dibujos y grabados el perfil del recién construido monasterio de El Escorial a mediados del siglo XVI.

El polo de atracción hacia tierras españolas que supuso para muchos artistas europeos el ambicioso complejo auspiciado por Felipe II queda reflejado en el primer tramo de la exposición Del Renacimiento a Goya: pinturas y dibujos de España, que sigue un orden cronológico. Las escenas religiosas que idearon son una constante en esta muestra dedicada a muchos ensayos preparatorios de cuadros y frescos, las obras de arte definitivas.

El Museo Británico posee una de las mejores colecciones de grabados y dibujos españoles del Siglo de Oro español. Y, sin embargo, no ha sido hasta el estreno hoy de su primera gran propuesta de la temporada otoñal 2012 cuando lo más destacado de ese conjunto sale a la luz por primera vez en sus instalaciones. La visita ofrece tantos matices como diversas son las sensibilidades que integran la exposición. En aquel siglo de las luces, cada región de España opera como un foco artístico independiente, en el Madrid de los Cano o Velázquez y en la Sevilla de Bartolomé Esteban Murillo, o bien en esa Valencia cuyo puerto mediterráneo atrae a los mercaderes del arte y auspicia el trabajo de los grandes pintores.


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'Cabeza de monje', de Zurbarán.

La tercera, última y más buscada sección de la muestra nos ilustra sobre el dominio de la técnica del dibujo y del grabado en la producción de Goya, el innovador que juega con el aguafuerte, con el contraste entre los claros y los oscuros, para obtener efectos teatrales que han pasado a los anales del arte. Una veintena de grabados, entre los que figura el boceto de El guitarrista ciego, de 1778 (la obra final está en el Prado), resume los temas que le absorbían, desde la guerra y sus estragos hasta la fiesta taurina. E incluye asimismo las interacciones con algunos de sus contemporáneos, como la familia Tiepolo, a la hora de refinar las destrezas en el arte del grabado. Si la talla del Goya pintor es indiscutible, el British Museum quiere reivindicarlo como uno de lo artistas gráficos más importantes de su periodo. Verdad ya bien conocida no solo en España, pero que desde esta semana cuenta con el apoyo de uno de los museos más importantes del mundo.


elpais.com
 




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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
Exposición en el Museo Británico: 'La historia del mundo en 100 objetos'



Pequeña gran historia del mundo en 100 objetos



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La historia, ya se sabe, la escriben siempre los ganadores, que por lo general han sido europeos. El Museo Británico está lleno de muchos de esos 'tesoros' de lejanas conquistas, que salen prodigiosamente al encuentro de los visitantes en un centrifugado de antropología, cultura e historia único en el mundo, y sorprendentemente gratis (se admiten donaciones).

"Desde 1753, ésta ha sido siempre una colección de todo el mundo para todo el mundo", presume el director del British, Neil McGregor. "Y cada cual tiene la oportunidad de crear aquí su propia historia de la historia, a través de pequeños objetos que tal vez nos pasan desapercibidos, pero que nos dicen mucho de todo lo que ha sido hasta ahora la humanidad".


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El escocés Neil McGregor ha escrito ahora su propia versión -'La historia del mundo en 100 objetos' (Debate)- siguiendo los pasos del programa que marcó un hito en la BBC y que traza un recorrido insólito por las vitrinas del tiempo, con cuatro elementos que se repiten en cualquier lugar y cualquier época: sexo, dinero, religión y política.

Las historias que nos cuenta McGregor empieza simbólicamente con la momia de Hornedjitef (¿qué sería del British sin las momias?), pero se remonta cronológicamente al canto tallado bifacial de Olduvay –dos millones de años- y culmina con una lámpara solar «made in China», aunque pudo haber terminado con una camiseta de Drogba (por todo lo que simboliza globalmente el fútbol en el siglo XXI).


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McGregor no entra en el debate sobre las momias, las esfinges y los frisos (hablamos del Partenón) deberían volver a su lugar de origen en aras de la justicia histórica. De momento, aquí están, en el British Museum, posiblemente el mejor lugar del mundo donde se pueden mirar, admirar y comparar...


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    Los amantes de Ain Sakhri. "Cuando la última era glacial tocó a su fin, alguien cogió un guijarro no lejos de Belén»... Y el guijarro, modelado hace 11.000 años por una mano humana, dio forma a la que se considera como la representación más antigua de una cópula. Ahí está la pareja de amantes, precursores de John Lennon y Yoko Ono, fundidos en un abrazo inequívoco. El mundo estaba cambiando, advierte McGregor. El nomadismo y la caza estaba dejando paso al sedentarismo y la agricultura.


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    La piedra Rosetta. Todos los días, una interminable Babelia de lenguas y culturas se congrega ante la vitrina que contiene la pieza más 'gastada' del British. "Quien labró esa piedra no era sin duda consciente de su importancia", sostiene McGregor. "Tampoco imaginaba que iba a convertirse en la proyección del poder, en objeto codiciado por los invasores europeos. Una vez en Londres, iba a simbolizar uno de las mayores colaboraciones entre investigadores de todo el mundo para desentrañar el misterio de los jeroglíficos egipcios".


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    El cristal de Lotario. En este disco plano de cristal de roca de apenas 18 centímetros de diámetro está contenido de alguna manera el nacimiento del ideal de Europa. Lotario, rey de los franceses, me mandó hacer", puede leerse en una pequeña inscripción. El cristal es una obra maestra de la talla en miniatura, y también una de "las primeras imágenes europeas que representan el imperio de la ley" (el cristal, por cierto, está rayado, lo que añade aún más simbolismo al pasado y futuro del viejo continente).


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    Reales de a ocho. Las vueltas que da el mundo: la primera moneda global fue española. El 'dólar' que circulaba por doquier en aquellas fechas (1573-1598) era el real de a ocho, acuñado con plata de Potosí. La expresión 'vale un potosí' ha sobrevivido incluso a la llegada del euro. Y la historia detrás de la moneda, la salvaje explotación de los indígenas y de los esclavos en las minas de plata, dice también mucho del alto coste humano de eso que llamamos dinero.


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    El Bi de Jade. China también tuvo su propia Ilustración, como lo demuestra este disco de Jade, producto de la curiosidad intelectual del emperador Qianlong, que en 1756 envió a un equipo multicultural (integrado por sacerdotes jesuitas, lamas tibetanos y astrónomos chinos) para cartografiar sus territorios anexionados en Asia. Gracias a las inscripciones, Qianlong dio una finalidad esencialmente cultural al bi, usado hasta entonces como objeto de decoración en las tumbas.


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    Torno de armas. "Por primera vez en la historia estamos ante un objeto que es un fenómeno bélico, pero que no glorifica las guerras ni al gobernante que las libró", escribe Neil McGregor. Se trata de una silla hecha hace once años en Maputo (Mozambique) y fabricada artesanalmente con fusiles, rifles, cargadores, culatas y metralletas. La «lucha por África» del siglo XIX, las guerras de independencia del siglo XX y las guerras tribales del siglo XXI se funden dramáticamente en este «trono» que tiene algo de herrumbrosa proclama antibélica.


elmundo.es
 




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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
Dos millones de años, en cien cosas


El director del British Museum construye una historia alternativa de la humanidad a partir de objetos escogidos entre su colección


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Piedra Rosetta encontrada en Rashid (Egipto), tallada durante el reinado del niño rey Ptolomeo V en tres lenguas (griego, demótico y jeroglíficos). BRITISH MUSEUM


 
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El estandarte de Ur está tallado sobre una caja de madera encontrada en el cementerio de Ur, en el sur de Irak (2600-2400 a. C.) BRITISH MUSEUM

Neil MacGregor (Glasgow, 1946) ha aprovechado el infinito arsenal del British Museum para escribir La historia del mundo en 100 objetos (Debate). Para contar una historia del mundo. “Podrías elegir otros cien objetos distintos y construir otro relato”, matiza en el propio museo, durante un encuentro con periodistas españoles, invitados por la editorial.


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Vaso de plata hecho en Palestina en el año 10, que muestra escenas de acoplamiento sexual entre un joven y un hombre maduro. BRITISH MUSEUM

MacGregor dirige el British. Convengamos que objetos no le han faltado. Ni conservadores como Barrie Cook, coautor del libro inspirado en una serie radiofónica de la BBC, saben cuántas piezas almacena el gran mastodonte creado en 1753 bajo ese soplo ilustrado que aspiraba a disponer de templos donde almacenar todo el conocimiento del mundo. Un imposible, sí, pero el British es junto al Metropolitan o el Louvre uno de los pocos que sigue empeñado en conseguirlo.


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Bifaz olduvayense encontrado en Tanzania, que tiene entre 1,2 y 1,4 millones de antigüedad. BRITISH MUSEUM

El libro arranca con los objetos hallados en la garganta tanzana de Olduvai donde empezó todo y concluye con una lámpara solar, que facilita que la vida siga allá donde parece imposible. “Usar cosas es lo que nos convierte en seres humanos”, sentencia MacGregor.


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Tablilla de arcilla encontrada en el sur de Irak con grabaciones sobre las raciones de cerveza que debían repartir entre empleados reales. BRITISH MUSEUM

Entre la herramienta prehistórica y la tecnología basada en energías renovables, desfilan objetos esenciales —la piedra Rosetta, una metopa del Partenón, una momia de Tebas, una estatua de Buda, un relieve maya, un tugra de Solimán el Magnífico o un cronómetro del Beagle, por citar algunos— y también joyas menos conocidas, como la cerámica superviviente más antigua del mundo, fabricada en Japón hace 7.000 años (la vasija Jomon), o el escudo de corteza de árbol arrojado por un australiano anónimo cuando se encontró por vez primera en 1770 con un europeo bien conocido: James Cook.


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Llama de oro inca, procedente de Perú, tallada entre los siglos XV y XVI. BRITISH MUSEUM

Contar una historia a partir de objetos democratiza el relato: las sociedades ágrafas están excluidas de la historia asentada sobre textos. “Durante mucho tiempo Europa ha sido el centro. Esta clase de historia no tiene sentido, necesitamos una historia a la que pertenezca todo el mundo. Del lado europeo tienes textos, pero de otras civilizaciones, tienes objetos, que nos ayudan a contar su historia”, defiende MacGregor, un escocés que ensancha la sonrisa al escuchar cuestiones sobre las peticiones de restitución de patrimonio a sus lugares de origen.


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Penique de Eduardo VII grabado con una reivindicación sufragista en defensa del derecho al voto de las mujeres. BRITISH MUSEUM


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Plato revolucionario procedente de San Petersburgo, pintado en 1921. BRITISH MUSEUM

El tesoro del British es poco británico: ellos almacenan colosales legados monumentales y artísticos de Súmer, Asiria, Persia, Egipto o Grecia, entre otras valiosas antiguas civilizaciones. En el libro MacGregor no elude la controversia. En directo, tampoco. “Es válido contar con un único lugar donde sea posible comparar esos objetos culturales con los de otras culturas”, afirma. El mandato fundacional del museo —gratuito y universal— sigue vigente: “Es una colección de todo el mundo para todo el mundo”.


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Relieve de mármol del Partenón, que detalla la batalla entre los centauros y los lapitas. BRITISH MUSEUM

El papel español en la obra es el de país puente de los europeos hacia otras culturas: el mundo islámico y las civilizaciones nativas de América. Un astrolabio judío del siglo XIV, que parece “un reloj de bolsillo de gran tamaño”. Se ignora quién fue su dueño, pero “habla de una gran síntesis intelectual, y de un tiempo en el que las tres religiones —el cristianismo, el judaísmo y el islam— coexistieron pacíficamente”. Tiene caracteres hebreos, palabras españolas y nombra a las estrellas en árabe. “Las tres confesiones convivieron en provechosa fricción, y entre las tres hicieron de la España medieval el motor intelectual de Europa”.


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Escultura de Buda sedente de Gandhara (Pakistán), una de las más antiguas que se conocen, que probablemente data del siglo III. BRITISH MUSEUM

Menos idílico es el relato de la colonización española en América —si la serpiente de turquesas azteca hablara tendríamos un gran relato del encuentro entre Moctezuma y Hernán Cortés, de la muerte del gobernante y la destrucción de la capital azteca— y de cómo el real de a ocho se convirtió en la primera moneda global de la historia durante cuatro siglos. “En el frío helado de las altas montañas, la pulmonía era un peligro constante, y el envenenamiento por mercurio mataba con frecuencia a quienes trabajaban en el proceso de refinado”, escriben. Los reales circularon por Europa, Asia, África y Australia. Ellos, mejor que los documentos, son testimonio de una historia de explotación salvaje, circulación universal y sueños de reyes que creían en imperios sin ocaso.


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Serpiente bicéfala. med: 97x52x5 cm. BRITISH MUSEUM. Relieve interpretado de una serpiente de un pectoral Azteca de madera, turquesa, concha y jade. La simbología mexica (aztecas) fue la síntesis de las creencias y tradiciones milenarias de los antiguos pueblos mesoamericanos, de una complejidad que implicaba la existencia misma, la creación del universo y la situación del ser humano respecto a lo divino.


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Coatl, es la denominación de serpiente, refleja los elementos materiales o terrenales. En esta imagen, además hay un aspecto de dualidad representando que los principios materiales y los espirituales tienen conexión.

Ni batallas ni reyes ni tratados diplomáticos. Los seres anónimos se abren paso en la historia aunque el misterio de sus vidas se perpetúe hasta la eternidad. Imposible conocer la identidad del tallador del primer cuchillo que empleó la especie, del burócrata que inventó la escritura para facilitarse la vida o del mochica que convirtió una vasija de arcilla en una obra de arte. Ellos trasvasaron su gloria personal al objeto. Son las cosas fabricadas por seres anónimos desde que la especie adquirió su marchamo actual las que hablan de sus congéneres, de sus costumbres, de sus creencias o de sus ritos. Y delatan con similar entusiasmo aspectos de la vida en un palacio chino o en una mina boliviana.


Fuentes: elpais.com y historiayarqueologia.com
 




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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
La abstracción es joven: 40.000 años


La exposición ‘El arte de la Edad del Hielo’ en el Museo Británico evoca la irresistible modernidad de la escultura primitiva y su influjo en Picasso, Matisse o Modigliani



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Figura de mujer en marfil de mamut (27.000 años de antigüedad). / AP

La figura abstracta de una mujer con enormes senos y prominentes nalgas da forma a la minúscula escultura en marfil que Pablo Picasso adoraba, hasta el punto de encargar dos copias en yeso para apropiarse de esa fuente de inspiración. Era su obra favorita, un trabajo creado hace nada menos que 23.000 años tomando como material el cuerno de un mamut.

El malagueño valoró enormemente su descubrimiento en los años 20 del pasado siglo, en la cueva de un pueblo pirenaico francés, pero la Venus de Lespugue acabó pasando a los anales más como espécimen arqueológico que por el gozo estético de su contemplación. Y, sin embargo, el homo sapiens que habitaba Europa en la Edad de Hielo era capaz de concebir piezas artísticas que manejan los conceptos de la escala, el volumen, la luz y el movimiento, tal y como reivindica la fascinante exposición que mañana abrirá sus puertas al público en el Museo Británico de Londres.

La muestra El arte de la Edad de Hielo: nacimiento de la mente moderna propone otra mirada a aquellas esculturas, grabados y pinturas producidas hace al menos 10.000 años —aunque algunas de las obras presentes en el British atesoran 40.000 años de historia— y que encarnan los primeros trabajos de arte figurativo conocidos en el mundo. Representación, pero también ilusión y abstracción en el más del centenar de piezas exhibidas revelan, en palabras de la comisaria Jill Cook, cómo los protagonistas de aquella era eran capaces de “almacenar, transformar y comunicar ideas a través de imágenes visuales”. De ese modo opera la mente moderna a la que alude el título de la exposición londinense.

El discreto aunque publicitado recinto que ha reservado el Museo Británico a tan exclusivo despliegue —porque muchas de esas piezas, procedentes de toda Europa, son extremadamente delicadas y raras veces ven la luz— ha incorporado obras de insignes artistas del siglo XX como Henri Matisse o Henry Moore como marco de reflexión sobre el arte, sus motivaciones y múltiples influencias. El retrato más antiguo que se conoce hasta la fecha —la cabeza de una mujer hallada en Moravia (actual República Checa) en 1920 esculpida en marfil de mamut hace 27.000 años— sorprende al visitante al presentar unos rasgos alargados y próximos a los de las mujeres de Modigliani.

Uno de los hallazgos arqueológicos más importantes de aquella década, y que tuvo su escenario en una cueva de Baden-Württemberg (Alemania), nos muestra el torso esculpido de un hombre con cabeza de un león, es decir la combinación de rasgos humanos y animales como prueba de la capacidad imaginativa del artista de hace 32.000 años, que quiere expresar en su obra ideas por encima del mundo real que le rodea. A esa mente creativa le llevó, según los cálculos de los expertos, cuatro centenares de horas ejecutar su pieza, un empleo del tiempo muy valioso que conferiría especial relieve a su trabajo en el seno de la comunidad en la que habitó.

Matisse compartió la misma obsesión por la figura femenina que el autor (de hace casi 30.000 años) que representó a una mujer madura y obesa a causa de su fertilidad, inmortalizada en la figura de la cerámica más antigua de la que se tiene noticia hasta la fecha. En un tiempo más reciente, pero todavía a años luz de nuestro presente, otra escultura de un desnudo femenino ilustra las primeras etapas del embarazo en otra figura rescatada en territorio ruso.

Muchos de estos descubrimientos, como el grupo de tallas de cabezas de caballo hallado en otra cueva del Pirineo y que casi sugeriría una producción en serie, indican que las sociedades de la Edad del Hielo valoraban a unos artistas encomendados expresamente a su labor. Y que estos no tenían necesariamente una impronta naturalista, como demuestra una serie de figuras de animales esculpidos en marfil, que desprenden quizá una imagen de la reencarnación de los ancestros o bien la idea de un creador mítico.

El grabado, ejecutado en un segmento seccionado del cuerno de un mamut, que muestra a un ciervo macho persiguiendo a una hembra —con la cabeza y su cornamenta reclinadas y rendidas ante la llamada de la especie— es el reflejo de la ambición de un artista que no dista tanto del concepto que hoy conocemos. El autor ha seleccionado una pieza de marfil, al igual que sus pares posteriores optarían por otros materiales más propios de las sucesivas épocas como la madera o el lienzo, para ejecutar una composición que tiene en cuenta el espacio y el posicionamiento de sus sujetos. El medio, concluye Cook, sería diferente, “pero la mente creativa que produjo ese trabajo es la misma”.

Esas empresas tan creativas y producidas en una era que hoy cuesta imaginar más allá del básico instinto de supervivencia han desembarcado en el Museo Británico (hasta el 26 de mayo) de la mano de maravillosas miniaturas, aquellas que gentes como Picasso intuyeron como precursoras de lo que hoy conocemos como arte.


elpais.com
 




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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
Vida y muerte de Pompeya y Herculano. Museo Británico (Londres). Del 28 de marzo al 26 de septiembre de 2013


¿Qué ha hecho Pompeya por nosotros?


Con el paso del tiempo, la fascinación por la ciudad enterrada por el Vesubio no cesa. El Museo Británico inaugura el jueves una gran exposición sobre la vida cotidiana en la urbe.

  
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Las ruinas de Pompeya. / Eric Vandeville (CONTACTO)

Un equipo de arqueólogos de la Universidad de Cincinnati lleva casi una década excavando dos manzanas de viviendas (insulae) aparentemente anodinas, situadas en el sur de Pompeya, a pocos metros de la puerta Stabia y junto a alguno de los lugares más conocidos de la ciudad: los cuarteles de los gladiadores y los dos teatros, así como una zona de templos y un foro. La idea de estos investigadores es, como señala la memoria del proyecto, “tratar de entender cómo se desarrollaron estos edificios a lo largo del tiempo y cómo las familias que vivían en ellos respondían a los cambios económicos, sociales y culturales de su entorno”. En otras palabras, el objetivo es dilucidar cómo vivían los habitantes normales y corrientes de Pompeya, alejados de los mitos que siempre se ciernen sobre nuestra visión del mundo romano. Se trata de una calle de clase media o baja, con viviendas modestas, comercios, algunas tabernas y pequeñas industrias, dedicadas a salar pescado o quizás a producir la salsa romana llamada garum, una mezcla poco apetecible para los paladares contemporáneos a base de vísceras de pescado fermentadas, que debía de producir un olor intenso (por decirlo con delicadeza), y uno de los pocos motivos por los que Pompeya era conocida en la antigüedad.

Una mañana de principios del pasado enero, con las excavaciones detenidas por el invierno y el yacimiento cubierto por los yerbajos, Pompeya ofrecía un aspecto más decadente de lo habitual. De este rincón parecía difícil extraer algo que no fuesen escombros. Sin embargo, Steven Ellis, uno de los responsables del Proyecto Porta Stabia, despejaba rápidamente las dudas sobre la inmensa cantidad de información que puede ofrecer cualquier rincón de la ciudad enterrada por la erupción del Vesubio en el año 79 de nuestra era. El examen de la basura, por ejemplo, permitía determinar a qué taberna le iba mal y a cuál bien. Y acabó por ofrecer una increíble sorpresa: en la última campaña de excavaciones apareció un hueso de jirafa. Lo que quiere decir que alguien comió tan exótico plato en Pompeya. “La investigación del ADN de la jirafa nos permitirá determinar a qué subespecie pertenecía y quizás podremos saber de dónde viene. Eso nos dará una increíble información sobre las rutas del comercio en la época romana”, explicaba Ellis durante la visita a la excavación. Existen evidencias de la presencia de animales exóticos en el Imperio romano —en Pompeya ha aparecido también el esqueleto de un mono, aunque los espectáculos circenses se realizaban allí con bestias locales, como osos o toros—, pero los arqueólogos no han sido capaces de determinar cómo eran transportados hasta la península italiana.


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Pompeya y el Vesubio

Pompeya y Herculano, la otra ciudad importante enterrada por el Vesubio en el golfo de Nápoles, en el sur de Italia, plantean una mezcla de preguntas y respuestas, de datos y misterios. Se mantienen a lo largo de las décadas como la mayor fuente de información sobre la antigua Roma y nunca han parado de ofrecer hallazgos: las termas mejor conservadas del mundo se terminaron de desenterrar en los años ochenta, al igual que los cadáveres de trescientas víctimas de la erupción, en lo que fue la playa de Herculano, que se han convertido en una mina de información (la imagen del esqueleto de una mujer con dos anillos de oro intactos en su dedo fue portada de National Geographic el 5 de abril de 1983). “Más que preguntarse si Pompeya ha cambiado la forma en que vemos el mundo romano, creo que lo correcto sería afirmar que ha forjado la forma en la que lo vemos. Quizás sea porque es el único lugar en que podemos estudiar la vida a pie de calle”, explica Mary Beard, profesora de Clásicas en la Universidad de Cambridge y una de las mayores expertas mundiales en Pompeya. Su ensayo sobre la ciudad enterrada, Pompeya. Historia y leyenda de una ciudad romana, es considerado una referencia sobre el tema, mientras que sus documentales para la BBC y su blog, A Don’s life, la han convertido en una celebridad global (eso y sus peleas con los trolls en Internet, que han tenido tanta repercusión que han llevado a The New York Times a dedicarle un perfil recientemente).

En estos días coinciden exposiciones sobre Pompeya en tres lugares tan distantes como Madrid, Cleveland y Londres. La exposición española, Pompeya. Catástrofe bajo el Vesubio es un recorrido por el desastre con algunas piezas originales, mientras que el Cleveland Museum of Art alberga una muestra, The last days of Pompeii: decadence, Apocalypse, Resurection, que antes estuvo en el Museo Getty de Los Ángeles, sobre la obsesión contemporánea por la ciudad, con obras que van desde Piranesi hasta Warhol o Rothko. La exposición en el Museo Británico, que se inaugura el próximo jueves y de la que ya se han vendido 34.000 entradas por adelantado, ha sido calificada por The Guardian “como una de las más importantes muestras arqueológicas en décadas”. Esta muestra, cuyo comisario es el jefe de antigüedades romanas del British, Paul Roberts, pretende trazar la vida cotidiana de las ciudades destruidas a través de cientos de objetos, muchos de ellos nunca exhibidos, ni siquiera en Italia, y otros recientemente descubiertos. Pompeya tampoco abandona nunca los titulares, aunque más por sus enormes problemas de conservación (en febrero, además, la justicia italiana abrió una investigación contra dos gestores de la zona arqueológica por malversación de fondos), que por nuevos hallazgos.


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Gran teatro de Pompeya

Desde que comenzaron las excavaciones en el siglo XVIII, pocos yacimientos han despertado tanta fascinación, fuera de hitos como la tumba de Tutankamón, en 1922. Aunque la ciudad fue descubierta en 1592 por el arquitecto italiano Domenico Fontana durante la construcción de un canal, hubo que esperar casi dos siglos para que comenzase a ser desenterrada en 1748, por orden de Carlos III. Actualmente recibe más turistas que ningún otro monumento en Italia: dos millones cada año. Mary Beard relata que Mozart visitó en 1769 el Templo de Isis, uno de los primeros en ser descubiertos y seguramente el más bello de la ciudad, y que le inspiró para su Flauta Mágica. Los últimos días de Pompeya, la novela clásica de Edward Bulwer-Lytton, no ha cesado de reimprimirse desde su publicación en 1834. Su éxito multiplicó los visitantes ilustres fascinados por Roma y, sobre todo, por los cuerpos de las víctimas, moldeados en yeso gracias al ingenio de Giuseppe Fiorelli, el más influyente director de las excavaciones, que tuvo la idea de utilizar como molde el hueco que habían dejado los cadáveres al descomponerse atrapados entre los escombros volcánicos (el primer cuerpo se extrajo el 3 de febrero de 1863). Además de su enorme valor científico, las ciudades enterradas por el Vesubio han sido una fuente de inspiración literaria, desde Théophile Gautier hasta Primo Levi, Robert Harris o Pascal Quignard. En el bellísimo filme Te querré siempre (lamentable adaptación del original El viaje por Italia), una obra maestra de Roberto Rosselini sobre la tristeza y la soledad de una pareja a punto de separarse, George Sanders e Ingrid Bergman descubren hasta qué punto su amor ha desaparecido cuando contemplan la recuperación de dos víctimas de la erupción, una mujer y un hombre.

“La fascinación nace porque tenemos la sensación de viajar en el tiempo (aunque obviamente no lo hacemos)”, explica Mary Beard en una conversación por correo electrónico. “También porque nos encontramos cara a cara con gente que vivió en la antigüedad. Allí la pregunta sobre si los romanos eran como nosotros cobra más sentido que en ningún otro lugar. Y, como le ocurre a los personajes de la película de Rosselini, también nos enfrentamos a la cuestión de si tienen algo que enseñarnos”, prosigue la profesora. “Las calles están tan bien conservadas que da la impresión de que se trata de un viaje a la antigüedad”, aseguran Jackie y Bob Dunn que, desde Busselton, en Australia Occidental, mantienen la página web de referencia para los arqueólogos sobre la ciudad, pompeiiinpictures.org, donde han logrado recopilar fotografías que reconstruyen toda Pompeya, casa a casa, calle a calle. “La destrucción de la ciudad se produjo de manera tan repentina y brutal que los visitantes sienten siempre la amenazadora presencia del Vesubio”, agregan.

La novela de Bulwer-Lytton ha marcado la forma en que Pompeya ha sido vista y, por extensión, todo el mundo romano: un lugar de lujo y depravación, donde los cristianos eran lanzados a las fieras en medio del júbilo del populacho. Solo acaban salvándose de la destrucción aquellos que abrazan la fe verdadera. Los conocimientos arqueológicos de Bulwer-Lytton eran amplios; pero su visión de Roma estaba muy desenfocada por sus anclados prejuicios sobre una sociedad, violenta, brutal, sin duda, pero a la vez extraordinariamente cercana. Lo que nos separa de su pensamiento es lo que nos acerca a Pompeya. El escritor victoriano explica en el prólogo de su novela que es mucho más fácil escribir sobre la Edad Media —“hay natural simpatía entre nosotros y los hombres de los tiempos feudales”— que sobre Roma —“no tenemos asociación alguna doméstica y familiar con los siglos clásicos”—. Sin embargo, lo que Pompeya y Herculano nos ofrecen es una respuesta arqueológica a la ineludible pregunta de los Monty Python en La vida de Brian: “Bueno, pero aparte del alcantarillado [aunque en Pompeya, concretamente, no había], la sanidad, la enseñanza, el vino, el orden público, la irrigación, las carreteras y los baños públicos, ¿qué han hecho los romanos por nosotros?”. Pompeya responde a esta pregunta como ningún otro lugar. “Estas ciudades nos alejan de figuras distantes, los típicos romanos del imaginario popular, como los emperadores y los gladiadores, para acercarnos a personas reales. En Pompeya, encontramos a la dueña de un bar llamada Asellina, a un panadero llamado Terentius Neo que quiere lanzarse a la política. En Herculano, nos cruzamos con dos esclavos libertos, Venidius Ennychus y su esposa, Livia Acte, y sus vecinos, Marcus Nonius Dama y Julia, que van a los tribunales por un problema de tierras. Representan a toda esa gente —madres, hijos, hermanos, primos, jóvenes y viejos, esclavos y libres— que murieron juntos en la catástrofe del año 79”, escribe Paul Roberts en el catálogo de la exposición.


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Cuerpos sepultados bajo las cenizas en Pompeya

Las ciudades del Vesubio nos ofrecen una visión única de la vida cotidiana en Roma, sin la superposición de construcciones que acaban por borrar los restos de los espacios populares y conservar solo los templos y los monumentos. Pero también sin los cambios que se produjeron dentro del Imperio a lo largo de los siglos en terrenos como, por ejemplo, el erotismo. Este es el tema que explora el escritor Pascal Quignard en El sexo y el espanto: su teoría es que la moral sexual que impuso el cristianismo nace en la época de Augusto, entre el 18 antes de Cristo y el 14 después de Cristo, y que solo “la lava ardiente, que exterminó a los habitantes de aquellas ciudades” permitió que se conservase “el erotismo alegre y preciso de los griegos antes de transformarse en melancolía y espanto”. El gran romanista francés Paul Veyne no está en absoluto de acuerdo con esa teoría. Explica en su libro de entrevistas Sexo y poder en Roma que “las atrevidas pinturas de Pompeya permitían compensar posibles frustraciones” y que “los hombres y las mujeres de la Antigüedad romana eran mucho más comedidos en sus comportamientos que nuestros coetáneos”.

En cualquier caso, más allá de las discrepancias entre expertos, Pompeya es una ciudad llena de penes y contiene el único burdel del mundo antiguo que se preserva intacto, además de decenas de frescos y estatuas de altísimo contenido erótico que los Borbones atesoraron en el llamado Gabinete Secreto, escondido durante siglos para unos pocos elegidos y que solo se abrió totalmente al público en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles en el año 2000. No es difícil imaginar la cara que pusieron los investigadores cuando se toparon, el 1 de marzo de 1752, en la Villa de los Papiros de Herculano, con una de las tallas más escandalosas de toda la antigüedad: la imagen del dios Pan copulando con una cabra. “La pieza solo podía verse con el permiso del rey”, escribe Paul Roberts, del Museo Británico. La presencia de esta imagen en Londres ha despertado una cierta polémica sobre la forma en que debía exhibirse, si camuflada bajo una cortina en algún lugar especial o simplemente poniendo una advertencia general al principio de la muestra. Al final se ha impuesto el criterio del conservador: “Los romanos habrían visto simplemente a un dios cabra penetrando a una cabra, lo que no les hubiese molestado en absoluto. Es una muestra de que los dueños de la casa en la que se encontró eran gente culta y con sentido del humor”.

Da igual el campo de los estudios clásicos al que un investigador se dedique, Pompeya tiene hallazgos para todo el mundo. Barry Hobson, médico de familia y arqueólogo aficionado, se ha pasado media vida estudiando las letrinas romanas, unos inmensos conocimientos que recoge en su ensayo Latrinae et foricae. Toilets in the roman world (no es el único experto en el tema, G. C. M. Jansen se ha pasado media vida estudiando solo las de Pompeya). Hobson mantiene que la ciudad enterrada ofrece una oportunidad única para estudiar cómo evolucionaron las letrinas en las casas particulares. El historiador británico Andrew Wallace-Hadrill, el más conocido experto en Herculano —su denuncia en los medios en 2004 del deterioro de Pompeya tuvo un impacto enorme—, encabeza un proyecto para analizar toneladas de excrementos, conservados en las alcantarillas de la ciudad, porque aportan una información inédita sobre la dieta romana. En Pompeya se conservan 3.000 inscripciones políticas, del tipo “Gaius Julius Polybius da buen pan” o “Marcus Casellius Marcellus organiza buenos juegos”, además de miles de grafitis de todo tipo que reflejan todos los aspectos de la vida cotidiana. Incluso se conoce que se producía garum kosher. Y todavía quedan muchos misterios por resolver: ¿Dónde estaba el puerto? ¿Cuántos habitantes tenía? ¿Qué hacía una mujer enjoyada en la barraca de los gladiadores? ¿Hasta qué punto era una ciudad romana o, como escribe Robin Lane Fox en El mundo clásico, se trataba de “una zona multicultural en la que se hablaba mucho el griego, además del latín y del osco” (la última inscripción en la lengua itálica meridional se conserva en el burdel de Pompeya, “un lugar triste para que un idioma muera”, como dijo Mary Beard). Ni siquiera la fecha de la erupción, el 24 de agosto de 79, parece ahora segura. También queda mucho terreno por excavar: un 25% de Pompeya, mientras que, en Herculano, mucho más pequeña pero enterrada bajo una roca más dura y destruida por una ola de calor tan bestial que carbonizó inmediatamente la madera (lo que permite que hayan llegado hasta nosotros muebles romanos intactos), está casi todo por descubrir, incluso en la fascinante y gigantesca Villa de los Papiros.


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Paso de cebra en Pompeya

Pero la arqueología representa solo una parte de la atracción por Pompeya y Herculano. “Pompeya expresa lo inexplicable, muestra la destrucción, congela un cataclismo. Con mayor intensidad que ningún otro acontecimiento en Occidente, simboliza la unión entre la catástrofe y la memoria”, escribe John L. Seydl, uno de los comisarios de la muestra que se exhibe actualmente en Cleveland y que viajará a Quebec en verano. Pompeya ha sido, además, destruida varias veces: cuando se produjo la erupción, descrita por Plinio el joven, la ciudad había sufrido un gran terremoto 17 años antes, en 62. Durante la II Guerra Mundial, en el otoño de 1943, el yacimiento fue bombardeado y se produjeron daños irreparables “añadiendo nuevas ruinas a las viejas”, según el corresponsal de la canadiense CBC, Matthew Halton, que relató en su crónica la imagen de los cuerpos de yeso hechos añicos bajo las bombas aliadas.

Mary Beard insiste siempre en que no debemos contemplar Pompeya como una ciudad normal, detenida en el tiempo, no solo por el terremoto anterior a la erupción sino también porque mucho de lo que vemos es una reconstrucción contemporánea. Lo que, por otro lado, no le quita un ápice de interés: pese a su aspecto demacrado, a los andamios y las casas cerradas, no hay ningún otro lugar igual. Y no solo por el viaje al mundo romano. Pompeya y Herculano encarnan el poder destructivo de la naturaleza y la forma inconsciente en que lidiamos con ello. Sus ciudadanos convivían tan tranquilos con los terremotos, como millones de habitantes de la bahía de Nápoles, viven ahora bajo la sombra del volcán siendo plenamente conscientes de su fuerza aniquiladora —“el Vesubio ha entrado en erupción hoy. Fue el espectáculo más terrible y majestuoso que he presenciado y espero presenciar en mi vida”, escribió Norman Lewis en marzo de 1944, durante la última gran manifestación de la montaña—. También, el resto de la humanidad vive tan tranquila bajo el cambio climático. Robert Harris utiliza la ciudad en su novela Pompeya como una metáfora del final de todos los imperios, dirigida sin disimulo hacia Estados Unidos. Para Primo Levi, es una metáfora de la muerte provocada por la naturaleza frente a la muerte causada por los hombres. No pudimos ver los cadáveres de Ana Frank ni de una niña muerta en Hiroshima, asegura en su poema La niña de Pompeya al contemplar el cuerpo de yeso de una víctima. “Han pasado los siglos, las cenizas se han petrificado / aprisionando esos delicados miembros para siempre / Así has permanecido con nosotros, como un molde de yeso / retorcido, una agonía sin término, testigo de lo mucho / que nuestra orgullosa estirpe importa a los dioses”.


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Cuando el Vesubio entró en erupción cataclísmica en el verano del año 79, el pueblo cercano romana de Pompeya fue enterrada bajo varios metros de ceniza y roca. La ciudad en ruinas se mantuvo congelado en el tiempo, hasta que fue descubierto por un ingeniero topógrafo en 1748.



Lecturas pompeyanas

Como la propia ciudad, la bibliografía sobre Pompeya es enorme. El ensayo de Mary Beard, Pompeya. Historia y leyenda de una ciudad romana (Barcelona, Crítica, 2012. Traducción de Teófilo de Lozoya y Joan Rabasseda-Gascón), es ameno, sin dejar de ser erudito, está muy bien escrito y ofrece todo tipo de historias y detalles. La novela de Robert Harris, Pompeya (Barcelona, De Bolsillo, 2011. Traducción de Fernando Garí Puig), fue muy bien recibida por los expertos. Su reconstrucción de los dos días anteriores a la erupción y del propio desastre, a través de un ingeniero de acueductos, es magnífica. En los últimos años, se han publicado en castellano dos libros ilustrados muy completos: Pompeya (Barcelona, Akal, 2009. Traducción de David Govantes), de Joanne Berry, y Pompeya. Nacer, vivir y morir a los pies del volcán (Barcelona, Electa, 2011. Traducción de María Eugenia Frutos), de Eva Cantarella y Luciana Jacobelli.

El catálogo del museo británico es estupendo (Paul Roberts, Life and death in Pompeii and Herculaneum. Londres, British Museum, 2013), aunque no ha sido traducido al castellano. Sí hay una edición española reciente del ensayo de Pascal Quignard, El sexo y el espanto (Barcelona, Minúscula, 2005. Traducción de Ana Becciú), y existen varias ediciones del clásico de Edward Bulwer-Lytton, Los últimos días de Pompeya (Madrid, Anaya, 2003. Traducción de Jorge Ferrer Vidal). La Universidad de Salamanca editó en 1989 un ensayo de Félix Fernández Murga sobre el nacimiento de las excavaciones bajo los Borbones: Carlos III y el descubrimiento de Herculano, Pompeya y Estabia. El libro de Barry Hobson, Latrinae et foricae. Toilets in the roman World (Londres, Duckworth, 2009), pero pese a lo exótico del tema, merece la pena.
Además de los documentales de Mary Beard para la BBC —Meet the romans y Pompeii: Life and death of a roman town—, cualquier pretexto es bueno para volver a ver Te querré siempre (Il viaggio in Italia, Roberto Rossellini, 1954).


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Ruinas de la antigua ciudad romana Pompeya, Italia



Enlaces interesantes sobre Pompeya

La verdadera historia de Pompeya. Por Jacinto Antón
La trágica historia de Pompeya
Life and death in Pompeii and Herculaneum
Ver vídeo de Pompeya y el Vesubio
Recorre Pompeya en imágenes


Exposiciones sobre Pompeya

- Vida y muerte de Pompeya y Herculano. Museo Británico (Londres). Del 28 de marzo al 26 de septiembre.
- Pompeya. Catástrofe bajo el Vesubio. Centro de Arte Canal[/b] (Madrid), hasta el 5 de mayo.
- Los últimos días de Pompeya[/b]: decadencia, apocalipsis y resurrección. Museo de arte de Cleveland. Hasta el 7 de julio de 2013.


Fuente: cultura.elpais.com
 




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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
Revelan los secretos de la salud de las momias egipcias


El Museo Británico de Londres realizó una serie de análisis con escáner a ocho momias que revelan por primera vez su edad, lo que comieron, las enfermedades que sufrieron y cómo murieron



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El Museo Británico de Londres realizó una serie de análisis con escáner a ocho momias del antiguo Egipto que revelaron de una forma inédita detalles sobre la salud de estas personas.

Nunca antes se había visto el cabello de una momia, los músculos y los huesos con una resolución tan alta.

Esto les permitió a los científicos determinar por primera vez la edad de las momias, lo que comieron, las enfermedades que sufrieron y cómo murieron.


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Cada ejemplar fue colocado en un escáner de alta tecnología. Los investigadores exploraron capa por capa para después construir una imagen en 3D de cada individuo.

Así, después de un proceso de digitalización, el personal del Museo Británico pudo "pelar" capa por capa en una computadora y ver detalles como la cara de la persona debajo de las vendas.


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John Taylor, encargado del área del museo dedicada al antiguo Egipto y Sudán, dijo que se quedó "anonadado" con lo que vio.

"Es como si encendieran la luz en una habitación oscura y las cosas aparecieran con una claridad que te permite descubrir las verdaderas experiencias de vida de estas personas", le contó a a la BBC.


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Los investigadores pudieron ver músculos. Y notaron que algunas arterias parecían obstruidas con depósitos grasos, lo que sugiere que estas personas comieron alimentos altos en grasas y quizás sufrieron de enfermedades coronarias y posiblemente murieron a causa de ellas.

Al eliminar la capa de los músculos, los especialistas pudieron ver los esqueletos con un detalle sin precedentes. Esto les permitió estimar la edad de los individuos a partir de la pelvis y la estructura dental.

Muchos tenían una mala dentadura, con signos de graves abscesos que debieron ser dolorosos.

Un escáner mostró una espátula -en verde- dejada dentro del cráneo de un individuo.


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clic La herramienta se usó durante el proceso de momificación para extraer el cerebro a través de las fosas nasales, pero quedó adentro junto a una buena parte del encéfalo (en azul en la imagen).

Quizás evidencia de un desliz en el trabajo de los embalsamadores.

Las momias seleccionadas para este proyecto forman parte de la colección del museo y cubren un período de 4.000 años, desde 3.500 a.C. hasta el 700 d.C.


Fuente: cort.as/9tRb BBC Mundo



    Impresionante  
 




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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
Escáneres de última generación para momias del Antiguo Egipto


El Museo Británico expone el resultado de las exploraciones practicadas con nuevas tecnologías a ocho de los ejemplares más valiosos de su colección


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´“¿Dónde están las momias?”, es la pregunta recurrente que el personal del Museo Británico debe atender cada uno de los días del año, porque la fascinación del público ante esos cuerpos embalsamados en el Antiguo Egipto no tiene parangón con ninguna de las otras y extraordinarias joyas atesoradas en su sede londinense. Descubrir que bajo los vendajes y sarcófagos yacen, por ejemplo, los restos de una niña cantante que fuera estrella de su tiempo es uno de los nuevos incentivos que la institución presenta desde esta semana, gracias a las herramientas tecnológicas de última generación que han permitido recuperar biografías con varios milenios a sus espaldas.

Desde la veneración hacia esa chiquilla que integraba uno de los coros del templo de Tebas, hasta el atroz dolor de muelas que sufría un egipcio de clase privilegiada, pasando por el tatuaje cristiano de una sudanesa de la ribera del Nilo, las identidades de esos personajes que se esconden tras las piezas de egiptología del Museo Británico acaban de ser desveladas por los avances de la tomografía computarizada. En otras palabras, al igual que los escáneres médicos radiografían nuestras dolencias y el interior de nuestros cuerpos, ocho de las 120 momias que conforman una de las grandes colecciones del mundo han sido examinadas hasta el mínimo detalle en hospitales de la red pública sanitaria británica, en una suerte de “excavación electrónica” de la historia.

Han sido examinadas en hospitales de la red pública sanitaria británica

Las holgadas dimensiones del sarcófago que protege los restos de una mujer embalsamada en el año 800 antes de Cristo hizo creer hasta hoy a los expertos que se trataba de una adulta. Tjayasetimu tenía en realidad unos siete años, tal como muestran las imágenes de su estructura ósea, de la piel, de algunos órganos internos preservados e incluso de una larga mata de pelo, y que han sido obtenidas con un sofisticado software ideado por los ingenieros de la Fórmula 1. La riqueza de los jeroglíficos y ornamentación de su sarcófago indican la importancia de esa niña que cantó ante los faraones en el templo de Amon (antigua Tebas) y a quien, una vez muerta, se reservó el mismo complejo proceso de momificación que a los miembros de la realeza o familias nobles.


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Una mujer observa una de las momias escaneadas. / WILL OLIVER

El resultado de estas investigaciones se exhibirá hasta el 30 de noviembre en imágenes tridimensionales que acompañan a las momias —protegidas en urnas de cristal— en la muestra Vidas antiguas, nuevos descubrimientos. La exposición consigue desvelar algunos de los secretos de ocho personajes que vivieron en Egipto y Sudán entre el año 3.500 antes de Cristo y el 700 sin necesidad de desenvolver los vendajes de esos cuerpos embalsamados y extremadamente frágiles, que por ello permanecen intactos desde que la colección empezara a recalar en el museo a mediados del siglo XVIII. Las primeras indagaciones con rayos X datan de la década de los sesenta, pero sólo la tecnología de los escáneres, que empezó a desarrollarse 30 años más tarde, han permitido una visualización tan precisa del interior de los sarcófagos.

Preservar el cuerpo, embalsamarlo para que sobreviviera a la muerte, era parte esencial de la práctica funeraria del antiguo Egipto. En ese proceso por el que se extraía el cerebro a través de las fosas nasales también se producían errores, como revela el instrumento médico en forma de espátula que un médico olvidó entre las vendas con las que recubrió los restos después de aplicarles resina. De ese hombre momificado en una necrópolis de Tebas, miembro de las clases opulentas, sabemos ahora que padeció tremendos dolores en vida, como revelan los abscesos dentales identificados por el escáner y que probablemente acabaron resultando en una infección mortal.

La labor ha permitido identificar a una niña cantante que fue una estrella

En ese ritual con el que aquellos egipcios respondían a la muerte cobraban especial importancia los objetos y amuletos que se colocaban bajo los vendajes, a los que se atribuía poderes mágicos para proteger a los difuntos y ayudarles a alcanzar la inmortalidad. Piezas exquisitas como las escaneadas en el sarcófago de Tamut, otra cantante del templo de Tebas que tendría entre 30 y 50 años cuando murió a causa de un problema de calcificación de las arterias.

La naturaleza también puede intervenir en el proceso de momificación sin que intervenga la mano del hombre. La arena caliente del desierto ha conseguido preservar hasta nuestros días el cuerpo de un adulto que vivió hace casi 4.000 años en un Egipto todavía no unificado bajo un solo rey. Sin otra protección que la urna que lo exhibe a la entrada de la muestra se distingue perfectamente su estructura ósea, restos de los músculos, de la piel y de algunos órganos internos como el cerebro y los intestinos. Enterrada de forma sencilla en un hoyo cubierto con losas de piedra, también los restos de una mujer cubiertos con vendajes, pero sin inscripciones u objetos que sugieran su identidad fueron preservados por el clima árido del norte de Sudán. Pero el tatuaje del arcángel Miguel que presenta en lo que fue el muslo interno ha permitido imaginar su vida en una comunidad cristiana medieval en torno al año 700.

La reproducción de las imágenes en 3D y en algunos casos interactivas del interior de esa tumba y, sobre todo, del de los sarcófagos que siguen siendo la principal atracción del museo británico desde tiempos victorianos, conforma el relato de otro tiempo, lejano y fascinante. De quiénes fueron sus protagonistas, cómo vivieron y también cómo murieron.


elpais.com
 




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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
El imperio Ming contraataca


La gran apuesta de la temporada en el British propone admirar las joyas de la dinastía china

    

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Retrato de Yang Hong (1381-1451), de la dinastía Ming. Tinta y color sobre seda. 228x127,5 centímetros.

Las exquisitas vasijas blancas con decoraciones en azul que han convertido el sello Ming en el sinónimo más sublime del arte de la porcelana, tan sólido como para garantizar la supervivencia intacta 600 años después de su creación, nos hablan de una era dorada en la historia de China. Esas famosas y hoy cotizadísimas piezas ejercen de gancho, aunque no de protagonistas, en la exposición que el British Museum estrena este jueves para explorar un periodo crucial en la dinastía de emperadores que en la primera mitad del siglo XV aparecía abierta al mundo y a sus influencias para acabar produciendo una de las más bellas colecciones de objetos y pinturas que existen.

Ming: Los 50 años que cambiaron China es el título de una muestra que a través del despliegue de cerámicas, joyas, mobiliario, pinturas, esculturas o suntuosos textiles pretende repasar el pulso político, social y artístico en los primeros y transformadores tiempos de una dinastía que gobernó el gigante asiático durante casi tres siglos (1368-1644). La reunión de ese impresionante catálogo en Londres ha sido posible gracias a los préstamos de una veintena de instituciones internacionales, a los propios fondos del British Museum y sobre todo a las piezas aportadas por 10 museos chinos que se verán por primera vez fuera de aquel país. Y en algunos casos quizá también sea la última, porque lo delicado de esos tesoros aconseja restringir su salida al mundo. La exposición a la luz que puede dañar, por ejemplo, las pinturas de los eunucos de la corte, o los retratos de los cuatro emperadores que gobernaron entre 1400 y 1450 —periodo que abarca la exhibición— obligará a mantenerlas almacenadas durante varios años tras su regreso a China como medida de protección.

Una espada de hierro con laboriosos adornos en oro, plata y piedras semipreciosas se exhibe como la encarnación del poder detentado por el emperador Yongle entre 1402 y 1424 tras derrocar a su sobrino como culminación de la guerra civil. En el esfuerzo de reafirmarse trasladó la capital desde Nanjing a Pekín, ciudad del norte estratégica para defender al imperio de la constante amenaza de los mongoles, y allí construyó la Ciudad Prohibida que albergaría el palacio imperial a lo largo de medio milenio. Todavía hoy, el perfil de la fabulosa arquitectura en madera del complejo es un emblema nacional que aparece en las monedas, los billetes y los uniformes militares.

Los primeros emperadores de aquella casta, al frente de la ya entonces superpotencia con un tamaño similar al de Europa, financiaron las exploraciones marítimas en el sudeste de Asia, Oriente Medio y África que tuvieron en Zheng He a su pionero. Uno de los objetos estelares de la exposición es la campana en bronce con decoraciones de nubes y del oleaje que acecharía a sus barcos, forjada para conmemorar la séptima expedición de Zheng. China vivía entonces un periodo de contactos globales sin precedentes, desde Tokio hasta Mogadiscio, a través del comercio y las contiendas militares (de las que se exhibe su revolucionario armamento), también de los intercambios culturales y religiosos, plasmados en las figuras de Buda, de los dioses del daodismo o en un magnífico ejemplar del Corán. Las interacciones con Egipto, Siria, Irán y otros países fomentaron en la corte la moda de las formas exóticas cuyos originales de metal o vidrio eran adaptados a la porcelana china.

Yongle el guerrero, y la figura que dejó mayor impronta en aquel periodo, era también un amante de las artes y sentía especial predilección por la caligrafía de Shen Du, uno de los protagonistas de las pinturas sobre tela de seda que se muestra junto a las de los burócratas y militares que integraban la red de cortes regionales controladas por el emperador. Le sucedieron Hongxi, de quien se expone un edicto de su puño y letra escrito sobre papel decorado con orquídeas doradas, Xuande el asceta y Zhengtong, retratado de niño junto a los funcionarios que dirigían entonces la regencia.

Hacia el final de aquel periodo —que el Museo Británico recorre con todo el esplendor de su arte, de los trajes de sus príncipes o de refinados objetos y mobiliario de uso común— la porcelana Ming se convirtió en objeto muy codiciado en Europa. Su manufactura en China se había estandarizado siguiendo las instrucciones de diseño de la corte y una técnica novedosa cuyo resultado rozaría la perfección. Esas preciosas vasijas son desde esta semana la carta de presentación de una exposición única.


Medio siglo que cambió China


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La gran muralla era más porosa de lo que parecía. Durante cincuenta años de los casi trescientos que reinó la dinastía familiar Ming, China se abrió a la influencia del mundo exterior. Como resultado, sus artistas se empaparon de influencias ajenas y crearon obras maestras en joyería, ropajes, cerámica o pinturas. Este apogeo puede ahora disfrutarse en 'Ming: 50 years that changed China' ('Ming: Los 50 años que cambiaron China') del British Museum que estará abierta desde el próximo jueves 18 de septiembre hasta el 5 de enero de 2015. En la imagen, una vasija de esmalte cloisoné con dragones (1426-1435).


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Detalle de los 'Entretenimientos del palacio imperial de Xuande', que muestran al emperador jugando con arco y flecha.


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Sable y vaina con inscripciones. Oro, plata, acero, madera y cuero. De la era Yongle, sobre 1420.


 93relieve_en_madera_con_lacado_en_rojo_con_el_sello_del_emperador_yongle_1403_1424

Relieve en madera con lacado en rojo, con el sello del emperador Yongle (1403-1424).


 94ornamento_para_la_cabeza_de_oro_entre_1400_1450

Ornamento para la cabeza de oro. Entre 1400-1450.


 96botella_de_porcelana_con_adornos_de_engobe_en_azul_cobalto_de_la_era_yongle_1403_1424

Botella de porcelana con adornos de engobe en azul cobalto. De la era Yongle (1403-1424).


 97dinero_en_papel_tinta_sobre_papel_fechado_en_torno_a_1375

Dinero en papel. Tinta sobre papel. Fechado en torno a 1375.


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Corona de cuero y tejido de bambú, lacada y con piedras semipreciosas (1380). Hallada en la tumba de Zhu Tan (1370-1389), el príncipe Huang de Lu en Yanzhou, la provincia de Shandong.


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Las 'ropas del dragón', de seda, sobre el 1389. Halladas en la tumba de Zhu Tan (1370-1389).


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Obra anónima: 'Girafa para tributo con su cuidador'. Colgaduras de pergamino, tinta y colores sobre seda. Datada en 1414.


elpais.com / British Museum
 




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Mensaje Re: British Museum (Museo Británico, Londres) 
 
Grecia se indigna por el préstamo a Rusia de una escultura del Partenón


El Museo Británico ha cedido en calidad de préstamo una figura del dios Ilissos al Museo Hermitage en San Petersburgo



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Visitantes del Museo Hermitage San Petersburgo observan la escultura del dios fluvial Ilissos este 5 de diciembre. / O. Maltseva. (AFP)

Grecia está indignada porque el Museo Británico quiere entregar, en calidad de préstamo, al Museo Hermitage en San Petersburgo una escultura de mármol del Partenón. Se trata de una pieza sin cabeza del dios fluvial Ilissos encontrada hace 2500 años en la Acrópolis y que hace parte de la colección conocida como los Mármoles de Elgin que adquirió el aristócrata escocés Thomas Bruce, séptimo conde de Elgin, cuando era embajador ante la corte otomana en Estambul y vendida después al Reino Unido.

El país helénico reclama las piezas desde hace varios años e incluso remodeló en 2009 el Museo de la Acrópolis para albergar las valiosas piezas arqueológicas que Elgin había retirado del Partenón. La colección del escocés esta compuesta por 17 figuras de la parte frontal del templo, así como 15 de las 92 metopas de la pared sur, varios paneles de mármol que representan la batalla de los lapistas y los centauros, más 75 metros del friso jónico, decoración exterior del lugar.

El primer ministro griego, Antonis Samarás, considera que la manera como las figuras acabaron en el Reino Unido ha sido un "saqueo" y ha subrayado que los mármoles, de valor incalculable y que identifican la historia y la civilización de los griegos, "no pueden ser desmembrados, prestados, ni cedidos".

Ante esto, el director del Museo Británico, Neil McGregor, ha respondido que la cesión de las piezas es una buena forma de celebrar el 250 aniversario del Hermitage y demuestra que el British es "un museo del mundo y para el mundo".

"Nuestros colegas del Hermitage nos pidieron si podríamos hacer un importante préstamo para celebrar su 250 aniversario y el consejo respondió inmediatamente que sí. Y ninguna cesión podría remarcar más adecuadamente la larga amistad entre ambas casas que una escultura del Partenón", agregó el McGregor.

Este viernes, el diario británico The Times ha revelado que empleados del museo empaquetaron la escultura, de unos 1.200 kilos, y la trasladaron al aeropuerto, donde partió hacia San Petersburgo en las bodegas de un avión de pasajeros el pasado 20 de noviembre.

Por su parte el responsable del Museo de la Acrópolis, Dimitris Pandermalis, se unió a la polémica para lamentar que Grecia ha reclamado en el pasado el préstamo de esos mismos mármoles pero se ha encontrado con la negativa de Londres.

El pasado agosto, Grecia inició la campaña "Return, Restore, Restart" ("Devolver, restaurar, empezar de nuevo"), que impulsó la griega Marianna Vardinoyannis, embajadora de buena voluntad de la Unesco, con el objetivo de devolver los mármoles a su lugar de origen.

Así mismo, el pasado octubre, el primer ministro Samarás se reunió con un equipo de abogados británico que le recomendó recurrir a los tribunales si no se alcanza un acuerdo amistoso, si bien Grecia prefiere explorar la vía del diálogo antes de poner el caso en manos de la justicia.


elpais.com
 




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