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CARAVAGGIO (Michelangelo Merisi Da Caravaggio)
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Mensaje Re: CARAVAGGIO (Michelangelo Merisi Da Caravaggio) 
 
El tempestuoso realismo de Caravaggio

El Museo Thyssen recrea la maestría del pintor barroco y su influencia sobre los artistas del Norte de Europa en una extraordinaria exposición compuesta por 53 cuadros


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El Museo Thyssen dedica una gran exposición a la obra del genial Michelangelo Merisi, 'Caravaggio' y su influencia en otros artistas. De las obras que se exponen del maestro del Barroco destaca 'El sacrificio de Isaac', de 1603.

Se consagró en la historia del arte por su uso del claroscuro, el dramático realismo psicológico de sus personajes y por utilizar a prostitutas y vagabundos como modelos de sus obras religiosas. Michelangelo Merisi Caravaggio (Milán, 1571-Porto Ercole, 1610) fue el artista más original e influyente del siglo XVII, una importancia acrecentada por su temprana muerte y por toda una vida pendenciera, en la que no faltaron episodios como el asesinato de un hombre en una discusión por un partido de pelota. Dramas aparte, la obra de Caravaggio tuvo tal impacto en la pintura europea de su tiempo que, aunque no tuvo escuela, sus seguidores formaron una legión. Entre sus muchos admiradores se encontraban Rembrandt, Rubens o Velázquez, y son muchas las exposiciones dedicadas a quienes han intentado mirarse en su espejo, pero son pocas en las que se han conseguido reunir tantas obras como la que el Museo Thyssen-Bornemisza dedica a Caravaggio y los pintores del Norte desde el 21 de junio hasta el 18 de septiembre. Nada menos que una docena de cuadros de Caravaggio junto a 41 de artistas que difundieron su esencia por Francia, Holanda y Flandes.


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'Santa Catalina de Alejandría' (c. 1598-1599), otra excepcional pieza de Caravaggio. Gert Jan van der Sman, profesor de la Universidad de Leiden, es el comisario de la exposición.

Gert Jan van der Sman, profesor de la Universidad de Leiden y comisario de la exposición, cuenta que entre 1600 y 1630 se establecieron en Roma más de 2.000 artistas. Una tercera parte eran extranjeros. Ellos, al igual que los italianos, querían seguir el estilo de Caravaggio por varias razones, pero la más importante consistía en poder trabajar del natural, a partir de la pura observación de los modelos, una tradición muy arraigada entonces en Alemania o en Holanda y que les liberaba de todo corsé académico.


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Otro gran maestro como Rubens se suma a la muestra, que puede visitarse hasta el 18 de septiembre, con 'Cabeza de un joven', 1601-1602.

Gert Jan van der Sman relata, casi emocionado ante El sacrificio de Isaac (1603), su obra favorita, que debía de ser muy difícil sustraerse al poder de unos personajes tan cargados de vida. Señala las manos, los ojos o el cuchillo de Isaac como elementos cegadores que surgen cargados de fuerza desde un escenario negro en el que al fondo se ve un paisaje veneciano. “Todo lo que aquí vemos es una imitación de la naturaleza, lo que más le importaba. Despreciaba a sus contemporáneos romanos por la costumbre de hacer primero bonitos dibujos y luego llenarlos de pintura. Él presumía de no hacer ni una línea ajena a la naturaleza”, apuntó.


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'Alegre compañía' (1622), de Gerard van Honthorst. De los 53 cuadros que muestra el Thyssen, 12 son del artista milanés. En España solo hay cuatro.

Estructurada en seis apartados, la exposición arranca con obras realizadas por Caravaggio en Roma entre 1592 y 1606. Predominan las escenas de género y bodegones de frutas y flores clásicos de su Lombardía natal como Muchacho mordido por un lagarto (1593-1595). Se incluyen cuadros con los que se ganó la etiqueta de pintor gay (ya en tiempos contemporáneos), como San Juan Bautista en el desierto (1602), pura sensualidad. Después se exhiben lienzos de sus dos primeros admiradores, Adam Elsheimer y Peter Paul Rubens, que introducen chicos de cabellos rizados y el claroscuro para iluminar las escenas.


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'San Francisco en meditación' (1606), un ejemplo más de la maestría de Caravaggio en el uso del claroscuro.

La parte central está ocupada por maestros flamencos, como Gerard van Honthorst (Utrecht, 1592- 1656), David de Haen (Róterdam, 1597(?)-Roma, 1622), Nicolas Régnier (Maubeuge, c.1588-Venecia, 1667) y Dirck van Baburen (Wijk bij Duurstede c.1594 - Utrecht, 1624). En el grupo de los franceses destaca Valentin de Boulugne (Coulommiers, 1531-Roma, 1632) con una obra, David con la cabeza de Goliat, en la que se recrea a la perfección el gusto por los detalles sangrientos de las obras más impactantes de Caravaggio; aunque nada que ver con el óleo de Caravaggio El sacamuelas (hacia 1608-1610) donde varios rostros contemplan espantados como uno de los presentes se dispone a introducir unos alicates en la boca de un pobre hombre. Esta terrorífica escena corresponde al único cuadro sobre el que se plantearon dudas de su autoría. El comisario descarta de plano su cuestionamiento. “Aunque no fuera de él, sería una obra extraordinaria. Pero ya no se albergan dudas sobre su atribución”.


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Nicolas Regnier: 'Autorretrato ante el caballete o retrato doble de Nicolas Régnier y vicenzo Giustiniani' (c. 1623-1625).

La exposición concluye con la última obra pintada por Caravaggio, El martirio de Santa Úrsula (1610), una composición en la que lo oscuro ha ganado a la claridad y los personajes apenas se distinguen del fondo negro. La luz enfoca el pecho blanquísimo de la santa atravesado por la flecha que le ha disparado el rey de los hunos.


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El martirio de santa Úrsula' (1610), de Caravaggio. Entre los admiradores de este artista muerto prematuramente se encontraban Rubens, Velázquez y Rembrandt, entre otros.


Solo cuatro obras en España

Debido a su prematura muerte, la obra de Caravaggio en museos y colecciones particulares es muy escasa. No más de 60, según el comisario de la exposición. En España, que se sepa públicamente, solo hay cuatro lienzos: David vencedor de Goliat, en el Museo del Prado; Santa Catalina de Alejandría, en el Museo Thyssen; Salomé con la cabeza del Bautista, en el Palacio Real y San Juan Bautista en Toledo. Las dos primeras forman parte de la muestra. El resto son préstamos del Metropolitan de Nueva York, la Galleria degli Uffizi, de Florencia, el Museo del Ermitage de San Petersburgo, el Rijksmuseum de Ámsterdam, la iglesia de San Pietro in Montorio en Roma y de colecciones particulares.
Guillermo Solana, director artístico del Thyssen, explica que las negociaciones han sido más largas de lo habitual. El préstamo de La buenaventura se ha logrado después de tres años. Los cambios en la dirección de los museos italianos también han sido un obstáculo. Al final, todos están satisfechos y el comisario, Gert Jan van der Sman, ha completado su discurso expositivo. Cuando a este se le pregunta si después del supuesto Caravaggio de Toulouse aparecerán más, sonríe más que escéptico. “Solo lo he podido ver por fotografía, pero puedo asegurar que esa pintura no es auténtica”.


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'Los músicos' (c. 1596-1597), una de las obras maestras de Caravaggio que pueden verse en esta muestra.


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Entre los pintores que acompañan a Caravaggio en la exposición por la influencia que el italiano ejerció sobre ellos, destaca Mathias Stom, del que se exhibe esta 'Flagelación de Cristo', c. 1640.



Fuente: elpais.com
 




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Mensaje Re: CARAVAGGIO (Michelangelo Merisi Da Caravaggio) 
 
Exposición en el Thyssen


El tenebroso legado de Caravaggio



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Imagen de 'Juan Bautista', obra de Caravaggio, en la exposición del Museo Thyssen-Bornemisza, en Madrid.

Sus críticas tenían más peso que su obra. Su personalidad era más comentada que sus pinturas. Michelangelo Merisi da Caravaggio llegó a Roma sabiéndose distinto, sabiendo que la realidad era la única inspiración posible y haciendo de su carácter el mejor reflejo de sus penumbras. La primera vez que su trabajo cobró el mismo protagonismo que su autismo provocado fue en 1603, cuando el lombardo ya llevaba una década en Roma.

Fue el pintor y poeta Karel van Mander, que moriría tres años después, el que en una publicación sobre la historia, la práctica y la teoría del arte pictórico mencionó a un tal Caravaggio, asegurando que hacía "cosas maravillosas en Roma". También describió su personalidad, encumbrado aún más sus grandes dotes para incomodar. "Dice [Caravaggio] que todas las cosas no son más que nimiedades, sin importar quien las haya pintado, si no están pintadas y hechas del natural, y que no hay nada mejor que imitar la naturaleza. Y, por consiguiente, no traza nunca una sola línea que no se aproxime a la naturaleza, copiándola y pintándola", escribió.

A las críticas constantes que lanzaba hacia los pintores romanos por basarse en dibujos se unía su propensión al conflicto. A la riña, a la disputa, a una soledad que sólo calmaba con un criado que le acompañaba por la calles de la ciudad italiana. Pese a esto, pese a no saber cómo acercarse a él, su obra empezó a ser hipnótica. Los pintores norteños dejaron de observar a Michelangelo para admirar a Caravaggio e hicieron de su reflejo de la realidad la mejor de las influencias.

Ahora, el Museo Thyssen-Bornemisza recoge aquellas obras fruto de esa admiración. Pinturas de Rubens, de Nicolas Régnier, de Giusto Flamingo o de Gerard van Honthorst y las contextualizan con otras doce del artista en Caravaggio y los pintores del norte, que abre hoy sus puertas hasta el 18 de septiembre. "Se puede decir que, de todos ellos, con el único que entabló una relación de amistad fue con Louis Finson, pintor belga que se trasladó a Italia a principios del XVII", asegura el comisario Gert Jan van der Sman, cuya intención ha sido poner de relieve el legado y la diversidad de las reacciones motivadas por su obra.

"La muestra abarca toda la carrera de Caravaggio, desde su estancia en Roma hasta la oscuridad de sus últimos años, junto a una selección de obras de sus más destacados seguidores en Holanda, Flandes y Francia", añade. Así, aparecen obras de sus primeros admiradores en Roma, como Adam Elsheimer y su propia Judith y Holofernes o Nicolas Régnier y su versión de San Juan Bautista. De ahí a la Escuela de Utrech con Hendrick ter Brugghen, a los pintores franceses en Roma con Claude Vignon o Valentin de Boulogne y a Nápoles y el sur de Italia con su amigo Louis Finson y Los cuatro elementos o Matthias Storm y La cena de Emaús.

Fue durante la etapa que pasó en Roma cuando creó David con la cabeza de Goliat y San Juan Bautista, dejando atrás las convenciones, haciendo nuevos los temas viejos y generando sus primeros admiradores.

Todos ellos buscaron en Caravaggio la falta de protagonismo del estilo clásico y el uso de la luz, del trabajo del natural dejando atrás los talleres y las academias de dibujo. "En las primeras décadas del XVII llegaron a Roma más de dos mil artistas extranjeros que pretendían influenciarse del lombardo", asegura van der Sman.

Y fueron ellos los que al volver a sus países se llevaron en la mochila a Merisi. Se fueron con sus temas y fórmulas estilísticas adoptando sus composiciones a una amplia gama de colores. "En El flautista de Hendrick ter Brugghen, que fue el primero en volver a su Utrecht natal con la influencia caravaggista, se ve perfectamente cómo mantuvo la temática, los claroscuros tan impactantes y esas espaldas semidesnudas pero que le dio tonalidades inexistentes en la pintura del maestro", comenta el comisario.

En él y en Gerard van Honthorst y Dirck van Baburen, entre los que surgió una rivalidad amistosa por superarse en cada cuadro, siempre con la misma influencia, con sus músicos, con sus figuras de medio cuerpo. Fue Honthorst el que le dio al estilo de Caravaggio las tonalidades más brillantes y coloridas, como se puede ver en su obra Alegre compañía.

"Ocurrió lo mismo con los franceses, en especial con Simon Vouet, que crea su propio 'David vencedor de Goliat' en 1621, más de dos décadas después del de Caravaggio". Vouet fue el que propició en otro francés la misma admiración: generó en Claude Vignon la esencia de su Martirio de San Mateo, una obra que es imposible no relacionar con el que ellos consideraban su maestro.


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Una mujer observa el cuadro 'El sacrificio de Isaac', de Caravaggio en el Museo Thyssen-Bornemisza.

"Entre los procedentes de Francia también se encontraba Valentin de Boulogne, con un estilo de vida bastante similar al de Caravaggio. Le costó mucho encontrar un mecenas y establecerse y, como Merisi, realizaba composiciones grandes a base de pinceladas directamente sobre el lienzo", asegura el comisario delante del tercer David de la muestra, el de Boulogne, del que se desconoce que hiciese dibujos preliminares pese a su dificultad.

Y llegamos a Nápoles y al único que, se cree, conoció al pintor, Louis Finson: "Algunos dicen que cuando Caravaggio se fue a Malta le confió Judith y Holofernes y La Madonna del Rosario. Es el autor de Los cuatro elementos, una de las obras más llamativas de la muestra, un lienzo en el que cuatro cuerpos se entrelazan con una tensión que se palpa en cada uno de los músculos que Finson representó.

"La exposición cierra con la que se considera la última obra de Michelangelo Merisi da Caravaggio, El martirio de santa Úrsula, que data de 1610. Se dice que pudo terminarla una semana antes de morir", explica van der Sman. "Es una de las más oscuras, la angustia ante la muerte. Detrás de santa Úrsula está Caravaggio, en un autorretrato, y se puede apreciar cómo dialoga a través de sus ojos con otro de los personajes, el que está matando a la mujer".

Entre todos, juntan más de 50 obras que demuestran la enajenación ante la fuerza violenta de Caravaggio, ante sus rostros compungidos, dolientes, asustados o cobardes. El impacto que provoca la vida sobre un fondo negro.


elmundo.es
 




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Mensaje Re: CARAVAGGIO (Michelangelo Merisi Da Caravaggio) 
 
Los espejos en los que la literatura se mira y duplica el mundo

De Narciso a Blancanieves, de Valle Inclán a Borges, el objeto que devuelve la imagen ha sido esencial en la escritura. Andrés Ibáñez refleja en una antología esa obsesión



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'Narciso', de Caravaggio (1597-99), conservado en Roma.

La literatura está plagada de miles y miles de objetos, necesarios para recrear los mundos que proponen los escritores. Ninguna lista de los más habituales o relevantes, si tal cosa existiese, podría omitir el espejo. En el fondo, representa más que un simple objeto: es otro mundo. Su presencia, a lo largo de miles de obras, ejerce un gran poder de atracción, y emana un extraordinario misterio. Reflejan, ocultan, mienten, deforman, confiesan… “Espejos: jamás, a sabiendas, todavía se ha dicho / lo que en vuestra esencia sois”, escribe Rilke en los Los sonetos a Orfeo, como recuerda el crítico y escritor Andrés Ibáñez, que desde su juventud persigue espejos a lo largo de cuentos, poemas, novelas u obras históricas de toda época.

El resultado de esa obsesión tan particular es la publicación de A través del espejo (Atalanta), una antología de textos que tratan el tema del espejo, de por sí inagotable. Marcel Schwob, H.P. Lovecraft, Virginia Woolf, Isaac B. Singer, G. K. Chesterton, Goran Petrovic, Borges, Allan Poe, Walter de la Mare, Angela Carter, Bioy Casares o Giovanni Papini son algunos de los autores en cuyos textos el espejo ejerce una poderosa influencia.


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La Malvada Reina de Blancanieves ante el espejo.  

En un extenso prólogo por el que también desfilan los reflejos de San Juan de la Cruz, La Fontaine, Bulgákov, Lewis Carroll, Alfred Tennyson, Charles Perrault o Roberto Bolaño, el autor se remonta a las mitologías de la antigüedad, y cómo el significado del espejo, y cuanto muestra, fue cambiando a medida que avanzaban los siglos. El material reunido es riquísimo, inabarcable. De hecho, Ibáñez se vio obligado a dejar la poesía fuera de su selección para que “el laberinto de espejos no creciera en exceso”. Apenas se salva el libro tercero de Las metamorfosis de Ovidio, donde el poeta romano recrea el mito de Narciso, que se asoma a un estanque, y enfrentado a un espejo de agua, se enamora de su propia imagen. Por otra parte con fatales consecuencias, pues cae y se ahoga, como siglos más tarde le ocurre a la protagonista de El espejo de Lida Sal, un relato de Miguel Ángel Asturias en el que una muchacha, en busca de un espejo para contemplarse con su traje de boda, se asoma a un risco sobre el mar, cae a las olas y se ahoga en su propio reflejo.

El reflejo, a veces, habla, como en Blancanieves, donde la mujer que el rey toma por esposa, fascinada por su belleza, posee un espejo mágico al que de vez en cuando pregunta “¿Quién de este reino es la más hermosa?”. El romanticismo, en el que se integra el cuento de los hermanos Jacob y Wilhelm Grimm, fue fértil en espejos. En parte, “por la importancia que adquiere el tema del doble”, cuyo introductor, Jean Paul Richter, no sólo acuñó el concepto doppelgänger para referirse a ese segundo yo, sino que creó una galería de personajes que sufrían “un terror enfermizo a contemplar su propia imagen”. Su literatura sirve de introducción a dos clásicos de la época, E.T. A. Hoffmann y Edgar Allan Poe, de quien Ibáñez recupera William Wilson, un relato en el que su protagonista conoce en su juventud a otro William Wilson parecido a él, incluso nacido en la misma fecha, y que desaparece y reaparece a lo largo de su vida, hasta que un día, durante una fiesta de disfraces, lo ataca y un espejo le devuelve su propio “semblante pálido y manchado de sangre”.


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Arquímedes diseñó espejos para concentrar rayos de sol y quemar las velas de los barcos.  

Borges se encontraba a menudo en sus relatos también con otros Borges. “Bien conocida es su obsesión con los espejos", que en el fondo está relacionada, subraya Ibáñez, con la obsesión por la noche y la ceguera, “pero también con otro tema central en su obra: la obsesión por ver el propio rostro”. En El Aleph, el narrador ve “todos los espejos del planeta” y ninguno le reflejó, dice. Tlön, Uqbar, Orbis Tertius arranca también de modo revelador: “Debo a la conjunción de un espejo y de una enciclopedia el descubrimiento de Uqbar. El espejo inquietaba el fondo de un corredor…”. Ibáñez selecciona El espejo de tinta y El espejo y la máscara, donde los espejos se proyectan con una presencia también inquietante. La que, por otra parte, tuvieron en la vida de Borges, que en uno de los poemas de El hacedor reconoce: “Hoy, al cabo de tantos y perplejos/ años de errar bajo la varia luna,/ me pregunto qué azar de la fortuna/ hizo que yo temiera los espejos”.

De Oriente a Occidente, de la antigüedad a la modernidad, la literatura recrea espejos capaces de desencadenar los acontecimientos más inesperados. Quizá por eso Ibáñez deja para el final el texto de Jurgis Baltrušaitis sobre los espejos ardientes de Arquímedes, y que funciona como un “pequeño tratado de ciencia ficción antigua”. ¿Existieron en verdad esos espejos? La leyenda aparece recogida por primera vez en el siglo XII, en las Crónicas de Joannes Zonaras, que relata cómo Arquímedes hizo colgar de las murallas de Siracusa espejos de metal que, golpeados por los rayos del sol, quemaban los barcos romanos. En el siglo XVII la literatura científica de Descartes y Mersenne demolió “metódicamente la leyenda”, pero cien años después, el conde de Buffon, Georges Louis Leclerc, realizó experimentos que demostraban que se podía quemar madera a una distancia de 400 pies.

elpais.com
 




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Mensaje Re: CARAVAGGIO (Michelangelo Merisi Da Caravaggio) 
 
La mafia troceó y vendió en el extranjero una obra maestra de Caravaggio

Un arrepentido desvela que 'Natividad con San Francisco y San Lorenzo' no fue destruida sino que Costa Nostra la sacó de Italia en varios fragmentos



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'Natividad con San Francisco y San Lorenzo', de Caravaggio.

Dos sicarios de la mafia siciliana entraron en el Oratorio de Palermo una noche lluviosa de octubre de 1969 y cuando salieron, de la Natividad con San Francisco y San Lorenzo de Caravaggio, una obra valorada en 20 millones de dólares, solo quedaba el marco. Habían arrancado la tela con una cuchilla de afeitar. Poco después hicieron creer al mundo que la famosa pintura se la habían comido los ratones en un escondite cualquiera de la organización. La fechoría se convirtió así en la metáfora de los secretos mejor guardados por la Cosa Nostra y fue uno de los robos de arte más célebres de la historia. Aún hoy, el FBI lo mantiene en su Top Ten de delitos artísticos sin resolver y pide información sobre las circunstancias del crimen a quien pueda tenerla. La policía había estado buscando todo este tiempo, pero cincuenta años de investigaciones y rastreos no habían dado ningún resultado. Hasta que un arrepentido del mismo clan, Gaetano Grado, se ha atrevido a desvelar que en realidad dieron otro final a la tela del célebre genio del claroscuro. Según lo que ha contado ante la Comisión parlamentaria antimafia, la cúpula mafiosa al completo primero se reunió en torno a la pintura, en un ademán de ostentar el prestigio y el poder de los que era capaz, y después la llevó al extranjero, fragmentada en partes para venderlas en el mercado negro.

Grado cuenta en una larga declaración ante la comisión, que adelanta el diario La Repubblica, que el gran capo de la mafia siciliana, Gaetano Badalamenti, ideador de la conocida como Pizza connection, para vender droga a través de pizzerías en Estados Unidos y que murió allí en la cárcel, condenado a 45 años de reclusión, fue el encargado de sacar el cuadro de Italia y llevarlo probablemente a Suiza. “Después del pago de una gran suma de francos”, puntualiza en su declaración. Don Tano Badalamenti, como se le conocía y que años después de aquel suceso ordenó el asesinato del activista Peppino Impastato, contó al ahora arrepentido Grado que había troceado la tela, de 2,68 metros por 1,97, en seis u ocho partes para darle salida en el mercado clandestino, según su versión.

El mafioso, que no ha ahorrado detalles en su declaración, mantiene que un anticuario suizo, al que ha reconocido en una fotografía, llegó a Palermo aquellos días posteriores al robo para ocuparse del traslado y venta ilegal de Natividad con San Francisco y San Lorenzo, una de las pinturas más representativas del gran maestro del barroco y pintada con óleo sobre lienzo a comienzos del siglo XVII. Aunque el mediador ya ha muerto, confirmar su implicación puede arrojar nuevas pistas útiles y un hilo importante del que tirar para intentar dar con el paradero del Caravaggio perdido.

Dada la celebridad e importancia de la obra robada, en 2015, el Oratorio de San Lorenzo devolvió a sus paredes la pintura a través de una réplica digitalizada para que los visitantes pudieran admirarla, al menos de este modo, en la capital siciliana. “Es una reproducción digital tan fiel que permite sentir la emoción que suscitaba la obra", dijo entonces el presidente de la República, Sergio Mattarella, palermitano de nacimiento. También lo definió como “ un gesto de legalidad contra las iniciativas criminales de robar obras de arte”.

El robo y tráfico de obras de arte ha sido uno de los mayores delitos impunes de las diferentes organizaciones criminales durante mucho tiempo y una gran demostración de hasta dónde llegan los tentáculos mafiosos radicados en Italia. En 2016, se recuperaron dos obras de Van Gogh -Salida de la iglesia de Nuenen (1884) y La playa de Scheveningen al desatarse la tormenta (1882)- que la mafia napolitana había robado en 2002 del Museo Van Gogh de Ámsterdam
A través de las declaraciones de viejos mafiosos que acaban por arrepentirse y las utilizan para negociar mejores condiciones carcelarias habitualmente se descubren nuevos giros en historias abiertas que nunca terminaron de cerrarse o incluso realidades completamente diversas a lo que hasta el momento era la verdad oficial. No todo el mundo es partidario de dar plena credibilidad a estos testimonios de delincuentes que normalmente llevan décadas en prisión y que pueden estar desvirtuados o contener grandes dosis de imaginación. Aunque a través de este tipo de confesiones se han revelado graves crímenes como la contaminación de grandes terrenos en la región de Campania con material tóxico que la mafia enterraba allí.

elpais.com
 




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Mensaje Re: CARAVAGGIO (Michelangelo Merisi Da Caravaggio) 
 
La gran escapada que contagió el virus de Caravaggio por América

Un turbio asesinato expulsó de Roma al maestro del barroco y su influencia se propagó hasta la Nueva España. El MUNAL de Ciudad de México presenta una muestra de su impacto



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La buenaventura de Caravaggio en el museo MUNAL de Ciudad de México ALICIA FERNÁNDEZ

Hay dos versiones de la leyenda. Una dice que lo mató en medio de una trifulca por un partido de tenis. La otra, que ambos se estaban peleando por una prostituta, y que la espada le cazó la femoral cuando lo que intentaba de verdad era rebanarle los testículos. El hecho es que el 28 de mayo de 1606, Michelangelo Merisi Caravaggio acabó con la vida otro pintor, Ranuccio Tomassoni, y que ahí comienza su gran escapada de Roma.

Con apenas 35 años, ya había cambiado para siempre la Historia del Arte, rompiendo con los caprichos manieristas del Renacimiento e inaugurando las turbulencias del Barroco. Sus contactos con la élite romana y el naturalismo extremo de sus obras le convirtieron en el favorito de la propaganda de la Contrarreforma: la violencia de la carne al servicio de la fe. Velázquez, Rubens y los flamencos acuden a la ciudad pera aprender del anti Miguel Ángel lombardo. El virus del caravaggismo se extendía por Europa.

Y más allá. En su huida de Roma, seguirá trabajado durante los últimos cuatro años de su vida en Nápoles, Malta y Sicilia, todos dominios de la Corona española. Las rutas comerciales lo pondrán de moda también en el puerto de Sevilla y de ahí a la Nueva España. “Su rastro está presente en las obras públicas y privadas de las colecciones mexicanas, tanto por su herencia técnica como por su enseñanza academicista, donde se convertirá en un modelo hasta el siglo XIX”, explica Abraham Villavicencio, una de los curadores de la exposición Caravaggio, una obra, un legado, que se inaugura este jueves en el Museo Nacional de Arte (MUNAL) de Ciudad de México.

La buenaventura, de 1596, cedida por los Museos Capitolinos de Roma, es la guinda de la muestra, sobre la que gravitan otras 16 obras de autores mexicanos, españoles, franceses e italianos. “Se trata de una obra temprana –añade el curador– que anticipa los primeros juegos de luces y sombras que más tarde culminarán con el surgimiento del tenebrismo. Aquí está ya el germen de esa forma de pintar que sumada al naturalismo produce una característica versión teatral y cruda de la realidad material”.


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Sala audiovisual de la muestra de Caravaggio en el MUNAL Alicia Fernández

Un señorito con capa y camisa de seda, tocado con un sombrero con pluma, extiende el brazo. Una joven gitana, con turbante y manto de algodón, le toma la mano para leerle el futuro, y con la excusa, le birla suavemente el anillo. Las manos de ella son ásperas, tiene las uñas ennegrecidas. Es una escena de seducción y engaño. Las mejillas de los dos muchachos están rojas. Es por el sol y por el rubor. La luz y la emoción.

“Es innovador no sólo por la técnica, si no por la representación de temas y personajes”, apunta el curador. Son escenas de la calle, no de la corte. Sus modelos eran mendigos, ladrones y pillos con los que se emborrachaba el pintor por las noches en las tabernas. En una época, 1590, en que el Papa había expulsado a los gitanos, prohibido los duelos, los tahúres, cualquier algarabía callejera. La buenaventura, junto a Los jugadores de cartas, fue comprada por cardenal Del Monte, uno de su mecenas y protectores, la llave para que entraran en las iglesias sus nuevas y feroces imágenes religiosas.

  Su rastro está presente en las obras públicas y privadas de las colecciones mexicanas

Un retrato San Bartolomé, de mediados del siglo XIX, ilustra el embrujo de Caravaggio en la representación sacra de la Nueva España. Sobre un fondo negro que contrasta con la claridad luminosa de su torso desnudo, el santo desollado aparece mirando un cuchillo. Los brazos son un surco fibroso de venas y las uñas que sujetan el arma también están sucias. El autor, Felipe Santiago Gutiérrez, era conocido como El Españoleto mexicano.

El Españoleto original, José de Ribera, nacido en Valencia pero que explotó como genio barroco en Roma y Nápoles, fue “uno de los principales artistas que interpretaron y difundieron el caravaggismo con sus obras y las de los miembros de su taller”, señala el curador. Más allá de sus santos deformes y torturados, la muestra recoge La vista, 1616, exponente de sus primeros años italianos, donde el rayo de luz ya marcaba las sombras desde la ventana.

El mismo fogonazo, en la misma esquina prolonga la mano de Cristo en el sótano de un cobrador de impuestos mientras cuenta monedas en la memorable La vocación de San Mateó. La misma iluminación lateral que estalla en el rostro de un ciego y de un tullido en el Santo Tomás de Villanueva, del mexicano Antonio Rodríguez. La violencia de la carne al servicio de la fe.


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Mensaje Re: CARAVAGGIO (Michelangelo Merisi Da Caravaggio) 
 
La leyenda sin fin del ‘caravaggio’ de la Mafia

Nuevas pistas siguen alimentando la célebre historia del cuadro robado por Cosa Nostra en 1969, pero al menos esta vez son esperanzadoras: aún existiría, aunque en partes



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'Natividad con San Francisco y San Lorenzo' (1609), de Caravaggio, robada por la Mafia en 1969 del Oratorio de San Lorenzo de Palermo.

De las muchas historias novelescas de mafia, hay una que está entre las favoritas de cualquiera, la del cuadro de Caravaggio robado en 1969 en una iglesia de Palermo y que, casi cuarenta años después, nunca ha aparecido. La principal virtud de esta historia es que mejora con el tiempo, porque periódicamente la leyenda se enriquece con nuevas hipótesis, a cual más increíble. Pero lo que distingue a la última pista, y la hace especial, es que por primera vez al menos apunta a un final esperanzador: el lienzo, Natività con i santi Lorenzo e Francesco d'Assisi, seguiría existiendo, no se habría perdido, aunque no intacto, porque lo habrían cortado en partes para venderlo. La mafia no tiene escrúpulos para trocear cosas, mucho menos un cuadro.

Esta tesis se ha puesto en pie desde febrero en la comisión antimafia del Parlamento italiano, y los últimos detalles han trascendido esta semana en un convenio celebrado en Palermo, de título irónico: “El caravaggio robado por la mafia, una historia simple”. En realidad es un guiño a la novelita que escribió Leonardo Sciascia, con ese título, inspirada en el suceso. Esta comisión es fija en cada legislatura en Italia desde 1963, cuando se creó como primer gesto para reconocer oficialmente que la mafia existía y no era un mito. Estudia el crimen organizado, hace un informe final generalmente demoledor y a veces revuelve viejos asuntos. En ocasiones encuentra alguna pepita de oro, como en este caso: las revelaciones de un arrepentido de alto nivel, Gaetano Grado, básico por ejemplo en la información sobre las relaciones de Silvio Berlusconi con la mafia.

La nueva versión del robo tiene visos de verosimilitud y la Fiscalía de Palermo ya la estudia. Gaetano Badalamenti, capo entonces muy potente en Cosa Nostra, se hizo con la tela en 1970 y mandó llamar a un marchante de arte de Suiza, país con el que tenía fluidas relaciones financieras. El informe de la comisión cuenta que este señor, ya fallecido y que habría sido identificado, se conmovió cuando tuvo el cuadro delante y se puso a llorar. “Este es tonto”, dijo Badalamenti. Don Tano era un animal y el experto, en todo caso, superó la conmoción: aconsejó cortar la obra en partes para poder venderla. Trasladaron la tela a Suiza en un camión frigorífico y luego la partieron en trozos. Cuatro, seis u ocho, no se sabe bien. Hoy estarían en colecciones privadas de todo el mundo. Se multiplica el misterio en forma de puzzle.

Que la historia se complique no es una novedad. A todos los pentiti a quienes han ido preguntando durante cuarenta años han contado algo, todos han oído cosas. Es una historia célebre en Cosa Nostra, un cotilleo de mafiosos que se comentaría en sobremesas porque no es problemático, sin muertos por medio, y les hace regodearse en su poder. Un arrepentido, Salvatore Cancemi, afirmó incluso en 2001 que la tela presidía las reuniones de la Commisione, la cúpula donde se sientan las familias de Sicilia, como símbolo de prestigio. Es un testimonio un poco peliculero, pero por eso mismo creíble: las películas sobre ellos mismos son el patrón mafioso de referencia. Este dato hacía pensar que el lienzo no salió de la isla, al menos hasta finales de los setenta, porque la Commisione en 1969 estaba disuelta y no se reunió hasta 1975.

El inconveniente, por esta fama de la historia, es que casi ninguno de los que habían hablado hasta ahora tenía información de primera mano. Eso ha propiciado múltiples versiones.La primera fue que tras varios intentos infructuosos de venta, la mafia decidió meter la tela en una caja de hierro y enterrarla con cinco kilos de cocaína, a la espera de mejor momento. Los Carabinieri fueron al lugar que indicó un arrepentido, pero no apareció.

Aún mejor es el relato del historiador británico Peter Watson. Aseguró que en 1980 contactó en un pueblecito de la Campania profunda con alguien que le ofreció la obra. Quedaron el 23 de noviembre pero, casualidad de las casualidades, aquel fue justo el día del terrible terremoto de Irpinia que devastó esa zona. Luego, nunca más se supo.

Uno de los arrepentidos más fiables, Francesco Marino Mannoia, le contó al juez Giovanni Falcone en los noventa que participó en el robo, pero que al arrancar la tela se les rompió y la quemaron. Sin embargo más tarde los Carabinieri aseguraron que se equivocaba con otro robo de esas fechas en una iglesia cercana, la de Santi Quaranta Martiri alla Guilla, y era una obra renacentista de Vincenzo da Pavia.

Otros grandes arrepentidos, que han aportado datos decisivos en otros misterios, hablaron sobre la Natività. Por ejemplo, Giovanni Brusca, que apretó el botón de la bomba que asesinó a Falcone en 1992, dijo que había sido ofrecida al Estado, sin éxito, a cambio de una mejora de las condiciones carcelarias para los mafiosos. Esa hipótesis al menos indicaba que la pintura seguía existiendo en los noventa. Sin embargo la pista más reciente conocida hasta ahora volvía a ser desesperanzadora: Gaspare Spatuzza dijo en 2009 que la tela fue escondida en un establo y acabó devorada por cerdos y ratones.

La diferencia esencial ahora, que da esperanzas, es que Gaetano Grado es cercano a los hechos. Era un hombre de Badalamenti y la iglesia del caravaggio quedaba en su territorio. Cuando se supo la noticia del robo era su deber saber antes que nadie qué había pasado. Por supuesto antes que la Policía, que de todos modos tampoco hizo demasiado, lo habitual en aquellos años en Palermo. El robo fue obra de delincuentes comunes, pero obviamente cuando Cosa Nostra se interesó por el asunto no tardó mucho en hacerse con el cuadro. El detalle, típico de las historias de mafiosos, es por qué Grado no había hablado antes: pues porque no se lo habían preguntado. Lo característico es que haya tantas verdades y ninguna aún del todo cierta. El objetivo ahora es encontrar al menos un fragmento, de verdad y del cuadro.


Aquella primera idea de secuestrar una reliquia

El robo del cuadro de Caravaggio habría sido obra de simples ladrones, aunque luego cayó en manos de la mafia. En 1969, a los capos no se les había ocurrido aún servirse de obras de arte para sus fines. Sería en los noventa, en la guerra contra el Estado, cuando atentaron contra iglesias de Roma y el museo de los Uffizi en Florencia, como forma de presión. Según un arrepentido, también entonces negociaron entregar el lienzo. Hasta pensaron derribar de un bombazo la torre de Pisa para que el Gobierno cediera.

El primer experimento de chantaje artístico, que les habría dado la idea, fue un curioso episodio del crimen organizado veneciano, la Mala de Brenta. En 1991 el capo Felice Maniero, alias Faccia d´Ángelo, Cara de Ángel, tuvo la inspiración de robar la reliquia de la lengua de San Antonio en la catedral de Padua, muy venerada, para pedir la liberación de su primo Giuliano, que había sido arrestado. Sus hombres se equivocaron y se llevaron la mandíbula, pensando que la lengua estaría dentro, pero a pesar de la chapuza la idea funcionó: el Estado cedió. La reliquia apareció 71 días después. Maniero luego se arrepintió y hasta acabó contando los detalles del sonado robo en una entrevista en la revista Il Messaggero di San Antonio, editada por los frailes de Padua.


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Mensaje Re: CARAVAGGIO (Michelangelo Merisi Da Caravaggio) 
 
Hallada la causa de la muerte de Caravaggio cuatro siglos después

El pintor italiano murió por una infección de estafilococo, según el estudio de un centro de investigación francés



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Retrato de Caravaggio dibujado por Ottavio Leoni.

Caravaggio, el pintor italiano que pasó a la historia como el genio que revolucionó el arte del siglo XVII con su técnica del tenebrismo, falleció en 1610 por una infección causada por un estafilococo dorado, según ha revelado este martes un centro de investigación francés. El Instituto IHU Méditerranée Infection de Marsella, en el sur de Francia, llegó a esa conclusión tras analizar la pulpa de sus dientes, rica en vasos sanguíneos.

"El asesino ha sido identificado: un estafilococo dorado", ha indicado el IHU en un comunicado recogido por el diario local La Provence, que precisa que el instituto colaboró con antropólogos italianos y con el microbiólogo Giuseppe Cornaglia. El hallazgo se publicará completo este otoño en la revista Lancet Infectious Diseases, pero el avance difundido este martes apunta a que el genio milanés contrajo esa infección tras una herida provocada por una pelea, un dato que arrojaría información concreta sobre su fallecimiento, envuelto hasta ahora en especulaciones.

En 2010 se hallaron unos huesos en el antiguo cementerio de San Sebastián, en la localidad toscana de Porto Ercole, que podían corresponder al artista con un 85% de fiabilidad, según los expertos que analizaron los restos. Entonces apuntaron a que la causa de la muerte era una neurosífilis.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), más conocido como Caravaggio, fue un hombre difícil y temperamental, que se caracterizó por el uso melodramático de fuertes contrastes de luz y sombra. El pintor pasó los últimos cuatro años de su vida por Nápoles, Malta y Sicilia, después de haber tenido que huir de Roma bajo la amenaza de ser apresado y condenado a la pena capital por asesinato. El autor de La flagelación de Cristo o de La vocación de San Mateo había asesinado en la capital italiana el 28 de mayo de 1606 al proxeneta y mercenario Ranuccio Tomassoni, con quien se batió en duelo tras una discusión por un partido de pallacorda, una especie de tenis de la época.


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Mensaje Re: CARAVAGGIO (Michelangelo Merisi Da Caravaggio) 
 
Caravaggio, el impulso del arte en los cines

Un documental sobre el pintor barroco incide en la tendencia de las salas cinematográficas en abrirse al teatro, la pintura, la ópera y el ballet



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Imagen del documental, en el que se ve 'La decapitación de San Juan Bautista' (1608) en la Concatedral de San Juan de La Valeta (Malta).

Ha habido pocos pintores como Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 1571 - Porto Ércole, 1610) en la historia de la Humanidad. Por su capital importancia, que impulsó todo un arte -la pintura- a una nueva era, el Barroco, con su radical aproximación a las luces y, sobre todo, a las sombras; y porque influyó a sus contemporáneos como pocos otros artistas en otros siglos; y todo ello falleciendo con tan solo 38 años y dejando tras de sí apenas medio centenar de obras, la mayor parte de motivos religiosos. Caravaggio aún oculta suficientes enigmas: por ejemplo, el motivo de su muerte se ha concretado hace poco tras un estudio que ha demostrado que el pintor italiano no murió de sífilis, como se creyó durante cuatro siglos, sino por una infección que contrajo durante una pelea en la que resultó herido con una espada.

Por eso Caravaggio. En cuerpo y alma -que en Italia ha vendido más de dos millones de entradas- es el documental que abre mañana en 95 pantallas la temporada de arte de la distribuidora A Contracorriente, que durante los próximos diez meses estrenará un largometraje por mes. En Caravaggio. En cuerpo y alma se ha rastreado a través de los países en los que vivió y en los que dejó su obra huellas de su vida, tan fogosa -de carácter iracundo- como atormentada, y consultado a expertos de Historia del Arte y estudiosos de la obra de Caravaggio.

El documental forma parte también de una gran apuesta de diversos distribuidores y exhibidores que desde hace un lustro han entendido que en las salas de cine puede no haber solo cine. Las principales cadenas de exhibición de España, de Yelmo a Cinesa, pasando por Golem o Verdi,cuentan con ofertas estables de ópera, ballet, teatro, conciertos, exposiciones o documentales sobre pintores. Las pantallas retransmiten estrenos en directo desde la Metropolitan Opera de Nueva York o a Benedict Cumberbatch dando vida a Hamlet en un teatro en Londres. Y la pintura ha encontrado un eco especial bien a través de la emisión de estos documentales bien de un paseo por exposiciones que se celebran en otros países, y que solo así pueden visitarse. En concreto estas actividades alternativas suelen realizarse en cines en versión original subtitulada, en las que esta temporada podrá verse filmes como Hitler vs. Picasso, documental narrado por Toni Servillo y que ahonda en la obsesión nazi por el arte, a pesar de que el Führer declarara su propia guerra "al arte degenerado", y que arranca con el caso Gurlitt, quien durante años escondió en su casa en Múnich un tesoro de obras expoliadas por los nazis.


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Mensaje Re: CARAVAGGIO (Michelangelo Merisi Da Caravaggio) 
 
Un ‘caravaggio’ sublime de su etapa más canalla

El Thyssen desvela los secretos de ‘Santa Catalina de Alejandría’, una de las obras cumbres del pintor realizada en Roma durante sus años más pendencieros y sangrientos



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'Santa Catalina de Alejandría' (1598-1599), de Caravaggio, antes y después de la restauración. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Fillide Melandroni era una joven y bellísima prostituta de unos 17 años cuando Caravaggio la convirtió en Santa Catalina de Alejandría (hacia 1598-1599) por encargo de su primer mecenas, el cardenal Francesco Maria del Monte, para el Palacio Barberini de Roma. Ella es también la decapitadora de Judit y Holofernes pintada por las mismas fechas. Considerada como una de las joyas más importantes de la colección Thyssen y una de las obras más relevantes de la etapa romana de Michelangelo Merisi, Santa Catalina de Alejandría supone la transición del artista al barroco, el salto del lirismo inicial a sus piezas más monumentales.

Su mirada directa al espectador, su carnalidad y su deslumbrante belleza quedan ahora desnudos a la vista del público después del proceso de restauración y limpieza realizado durante nueve meses por el equipo de especialistas del Museo Thyssen en una operación financiada por Asisa, que ha supuesto unos 150.000 euros. El óleo (173 x 133 centímetros) protagoniza una pequeña muestra titulada Descubriendo a Caravaggio en la sala 11 de la pinacoteca junto a las imágenes radiográficas y de infrarrojos que detallan cómo fue pintada por el artista, incluidos sus muchos arrepentimientos o cambios de idea sobre la marcha. El delicado montaje realizado por Juan Pablo Rodríguez Frade incluye un vídeo en el que se detalla el trabajo del equipo de restauración del museo y los descubrimientos más interesantes sobre esta pintura. La exposición se podrá ver hasta el 26 de mayo. Después la obra volverá a su emplazamiento habitual.

Guillermo Solana, director artístico del Thyssen, ha señalado este lunes que Santa Catalina, poeta y filósofa, fue una mártir muy popular a la que, por vez primera, Caravaggio coloca la aureola de santidad en toda su carrera. Sería para compensar la verdadera personalidad de la modelo, una cortesana que tuvo relaciones con Ranuccio Tomassoni, el hombre al que Caravaggio dejó sin vida después de cortarle el pene con su espada y del que algunos estudios señalan que pudo ser el proxeneta de la chica. “Más que la pintura de una santa”, opina Solana, “es el ensayo del retrato de una modelo. Es algo similar a lo que Velázquez hace con Las meninas, también un experimento de retrato de un grupo familiar”. Esta obra es para Solana un retrato de madurez de Caravaggio, una obra maestra de las más importantes de las alrededor de 40 obras que se conservan. En España solo hay cuatro caravaggios en colecciones públicas: en el Prado, en el Palacio Real, en el Museo de la Abadía de Montserrat y en el Thyssen de Madrid.

Ubaldo Serrano, director del Departamento de Conservación-Restauración del Thyssen, explica que el trabajo fundamental sobre el cuadro ha consistido en levantar las muchas capas de barniz que ocultaban importantes detalles de la pintura original. Lo primero que destaca es que se comprueba que Caravaggio no dibujaba previamente, salvo algún detalle. Temperamental como era, acometía directamente su trabajo sobre el lienzo y no tardaba demasiado en su ejecución. En este caso hay numerosos pentimenti o arrepentimientos. El más visible descubierto gracias a la alta tecnología es que el vestido de la modelo fue primero pintado en rojo. Luego, puede que por idea del cardenal Francesco Maria del Monte, pagador de la obra, el vestido se tornó en color berenjena o azul pardo adornado con ricos bordados. Las manos de la modelo y sus dedos cambian de posición varias veces hasta tomar la forma definitiva. La espada que sujeta la santa y la rueda de clavos sobre la que sería sacrificada, aparecen con diferentes cargas de humo en las reflectografías infrarrojas.
 
Exposición en París

Esta etapa romana de Caravaggio es también la protagonista de una de las exposiciones más importantes de la temporada parisina: Caravaggio en Roma: amigos y enemigos, una muestra de nueve obras que se puede ver hasta el 28 de enero en el Museo Jacquemart-André. Un montaje muy teatral sirve para confrontar la obra del pendenciero artista con otros maestros como Orazio Gentileschi, Bartolomeo Cavarozzi, Annibal Carrache o José de Ribera. En el recorrido por once habitaciones se muestran obras tan conocidas como San Juan Bautista (Joven con cordero), Judit y Holofernes, las dos Magdalenas en éxtasis cuya atribución siempre está en discusión o el Ecce homo, que firmó alrededor de 1605 y que para muchos representa sus propios tormentos personales.

En estos tiempos en los que la corrección política y las dudas sobre los comportamientos privados están teniendo repercusión en algunos ámbitos artísticos, se puede decir que la poco ejemplar vida de Caravaggio no ha afectado al interés por su obra. Guillermo Solana compara al artista milanés con los Bacon o Freud del Londres de los setenta o al Jean-Michel Basquiat del Nueva York de los ochenta. “Son artistas que vivieron la bohemia en los márgenes y no procede un enjuiciamiento a posteriori. La vida de Caravaggio estuvo envuelta en sangre, pero yo creo que en los museos no se exponen las vidas privadas, sino las obras maestras y estas no tienen por qué estar contaminadas de las actitudes personales”.
Tampoco cree Solana que las denuncias de machismo pudieran afectar a Picasso, por ejemplo. “A la vista está que no le está afectando. Si lees una biografía suya o de Gauguin, puede no parecerte bien, pero solo puedes pensar que no son un ejemplo a seguir. Como artistas no procede el cuestionamiento”.


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Carmen Cervera en la presentación de la obra de Caravaggio 'Santa Catalina de Alejandría' en el Museo Nacional Thyssen- Bornemisza. KIKE PARA


Carmen Thyssen: “Habrá acuerdo porque España se lo merece”

El próximo día 31 de diciembre se cumple el plazo dado por Carmen Thyssen al Gobierno español sobre la permanencia de su colección personal de 429 obras depositadas de manera gratuita desde 2002. Esas obras se exponen junto a las adquiridas por el Estado español al barón Heinrich Thyssen-Bornemisza en 1993, en una operación por la que se pagaron 350 millones de dólares a cambio de 775 obras maestras que datan de los siglos XIII y XIV hasta las últimas décadas del XX. El plazo dado por la baronesa se cumplió en julio pero un encuentro secreto con la vicepresidenta Carmen Calvo, el pasado 18 de junio, logró un nuevo respiro temporal que ahora se agota. Durante la presentación de la restaurada obra de Caravaggio, Cervera aseguró que no podía adelantar nada pero que habría acuerdo “porque España se lo merece”. Venta, alquiler o depósito son las tres fórmulas que se manejan. “Mis abogados negocian con el ministerio y pronto sabremos algo”, se limitó a decir. El bufete de letrados que representa sus intereses es MA Abogados, propiedad de dos antiguos ministros del gobierno de Aznar, Ángel Acebes y José María Michavila.


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