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VAN GOGH
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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
¿Y si Van Gogh no se suicidó?


Steven Naifeh y Gregory White Smith sugieren que murió por un disparo accidental

Los estudiosos son autores de la última y monumental biografía del maestro holandés



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Autorretrato con oreja vendada y pipa, de Vincent Van Gogh. / Getty images / The Bridgeman Art L

Una de las escenas más desgarradoras de la historia del arte, hasta hace poco incuestionada, señala el 27 de julio de 1890, como la culminación de la vida atormentada de Vincent van Gogh. Con solo 37 años se disparó un tiro en el pecho mientras paseaba por la mismas tierras que acababa de pintar en Campo de trigo con cuervos (julio de 1890), una obra considerada premonitoria del drama que se cernía sobre el artista. Pero la escena, inspiradora de incontables homenajes, podría no ser exactamente así: hubo un disparo, pero no hubo suicidio. Las balas que acabaron con su vida procedían de la escopeta de unos jóvenes cazadores. Al menos eso es lo que mantienen dos historiadores y expertos norteamericanos, Steven Naifeh y Gregory White Smith en la monumental biografía Van Gogh. La vida (Taurus) que se acaba de poner a la venta en España y en la que en 830 páginas traducidas por Sandra Chaparro se desvelan muchos misterios aún hoy siguen envolviendo a uno de los artistas más admirados –y cotizados- de la historia.

Steven Naifeh y Gregory White Smith, ganadores de un Pulitzer por una biografía de Jackson Pollock, publicaron su investigación sobre Vincent van Gogh hace un año. No solo aportan una versión sobre los últimos momentos del artista, sino que, gracias a documentos inéditos enriquecen la visión que hasta ahora se tenía sobre su visión sobre el arte, el peso de la religión, su azarosa vida sentimental y sus insoportables depresiones. Naifeh y White Smith explican sus investigaciones en esta entrevista realizada por correo electrónico.


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Cabeza de campesina con cofia blanca, de Vincent Van Gogh

En contra de lo que suele ocurrir con las certezas universalmente extendidas, esta nueva interpretación de la historia ha sido con escasas reticencias por parte de la comunidad científica. Los dos autores advierten que su estudio no descarta radicalmente ninguna opción. “Nunca decimos categóricamente que Van Gogh no se suicidó. Lo que decimos es que, dado el peso de la evidencia, un disparo accidental es mucho más probable. En la comunidad científica, este descubrimiento lo han recibido muy bien. Algunos psiquiatras nos han dicho que creen que la nueva explicación de la muerte de Van Gogh tiene mucho más sentido dado el estado mental de Van Gogh”.

Naifeh y White creen que su tesis ha sido bien acogida porque es más acorde con el carácter de Van Gogh y más halagador hacia él como persona que la versión tradicional de suicidio. “Uno de los aspectos más fuertes de la personalidad de Van Gogh era su extraordinaria voluntad de seguir viviendo y trabajando a pesar de una vida calamitosa. De hecho, en algunas de sus cartas decía que el suicidio era un acto de cobardía.”


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La iglesia de Auvers sur Oise, de Vincent Van Gogh

Lejos de los manuales de arte convencionales, el libro de Naifeh y White se lee como una pieza literaria cuyo protagonista es uno de los artistas más venerados por el público. Además, todo el contenido ha sido minuciosamente investigado a lo largo de una década durante la que los autores han podido trabajar con un material de primer orden. Además del tema de la muerte, el libro está lleno de nuevas revelaciones obtenidas entre los cientos de documentos que dejaron Van Gogh y sus familiares.” Dejaron tal archivo que su vida se puede reconstruir al detalle. Hemos podido recrear con todo detalle su conciencia artística como si hubiéramos podido estar dentro de su cabeza . Muchos lectores nos han comentado que se han sentido emocionados compartiendo las incertidumbres del artista”.

Las nuevas tecnologías han sido esenciales para reconstruir la vida del artista. Una aplicación de software creada especialmente para ellos, les permitió digitalizar el archivo entero. No solo las cartas de Van Gogh y otras fuentes primarias, también todas las fuentes secundarias y toda la literatura que leyó Van Gogh. Él era un lector prolífico para quien la literatura era una fuente casi tan importante para sus dibujos y pinturas como la obra de los muchos artistas que admiraba.

Después de este amplísimo y detallado estudio, solo hay un periodo que no ha podido ser detalladamente estudiado. Son los años que vive con su hermano Theo en París, entre 1886 y 188. Es un tiempo sin apenas cartas a la familia y, por supuesto, al hermano. En la biografía se reconstruye este periodo crítico en su vida con material de otros expertos en el artista, no

¿Qué hubiera sido de Vincent sin Theo? Steven Naifeh y Gregory White Smith no tienen dudas. “Sin Theo, no habría habido ningún Vincent. Theo le proporcionaba a Vincent su único soporte financiero y emocional. Vincent jamás habría sobrevivido, mucho menos creado su magnífico cuerpo de trabajo, si Theo no lo había apoyado tan generosamente”.


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El jardín de Daubigny, de Vincent Van Gogh

Tampoco tienen dudas sobre la perplejidad con la que el artista hubiera contemplado su éxito. “ Habría sido incomprensible para él. A lo largo de su vida solo vendió una pintura, y esa fue a la hermana de un conocido. Durante el último año de su vida, un joven escritor simbolista llamado Albert Aurier escribió un artículo en el que le llamaba “genio desconocido”. Van Gogh estaba inmensamente sorprendido con el artículo y lo mostró a su familia y a todos sus conocidos. Estaba convencido de que el éxito no procuraba felicidad y ese primer artículo laudatorio le dio un poco de susto porque podía significar que su vida podía ser aún más pobre y miserable de lo que era. Pocos meses después estaba muerto”.


elpais.com
 




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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
Gracias por compartir esta noticias, hace unos meses tambien lei algo sobre el asunto de que el artista pudo morir de una muerte accidental, siempre me ha parecido muy raro que un suicidio pudiera salir tan mal y tardara tanto en morir, supongo que fue una de las muchas cosas que le salieron mal a Van Gogh. Lo que si es verdad es que al final de su vida el artista estaba empezando a tener reconocimiento, sobre todo de artistas jovenes.
 



 
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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
La persona Vincent y el personaje Van Gogh



Las virtudes de la nueva biografía del holandés van más allá de aclarar que el pintor no se suicidó

En su monumental obra, Steven Naifeh y Gregory White Smith documentan minuciosamente la trayectoria de un gran solitario




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'L' Allée des Alyscamps' (1888), óleo de Vincent Van Gogh. / EFE

Lo mejor de esta biografía de casi mil páginas es un “apéndice” de apenas veinte, en el que se nos habla de “la herida mortal de Vincent”. Solo por ellas sería ya el libro importante, que sin duda quedará gracias a la plausible hipótesis expuesta en él. Conocer lo sucedido el 27 de julio de 1890 no es un asunto baladí en la vida de Van Gogh, desde luego: ese fue el día en el que presuntamente el pintor se disparó con un revólver para quitarse la vida. Tal fue la romántica versión oficial de la modernidad. Que lo que causó su muerte fuese un acto premeditado suyo, un accidente o algo ajeno a su voluntad es importante: depende de ello no solo la verdad de los hechos, sino el entendimiento cabal de una de las obras más fascinantes y conmovedoras que quepa imaginar, toda vez que el propio Van Gogh había condenado el suicidio de modo reiterado a lo largo de su corta y atribulada existencia: no solo como un acto de cobardía sino como algo más grave, un falso testimonio sobre la vida. Claro que también él mismo dejó escrito que “no buscaría expresamente la muerte…, pero no intentaría eludirla si me encontrara con ella”.

    Diríamos, sin embargo, que esa bala le cayó del cielo al pobre Van Gogh, y así la aceptó él, como una inmolación

La idea de que Van Gogh no se suicidó no es ni siquiera original, tal y como Steven Naifeh y Gregory White Smith nos recuerdan ahora, solo que ellos se han tomado la molestia de examinar como dos detectives minuciosos las pruebas y abundantes contradicciones del caso, así como las razones por las que “convino” desde el principio que se tratara de un suicidio y no de un accidente, empezando por el propio Vincent, quien encubriría así a los verdaderos autores. Serían estos un par de adolescentes amigos suyos, quienes por juego, broma pesada o accidente dispararían el arma de su propiedad. Diríamos, sin embargo, que esa bala le cayó del cielo al pobre Van Gogh, y así la aceptó él, como una inmolación. Pocas razones tenía ya entonces para seguir viviendo. “Morir es duro, pero vivir lo es más”, le había escrito a su hermano Theo a propósito de la muerte de su padre con palabras casi idénticas a otras de Emily Dickinson, pero también le dijo minutos antes de expirar: “Quiero morir así”, aceptando que su viaje había llegado al final, con parada incluida en un manicomio, y que ya estaba en paz; como si dijera: “Así he querido vivir”.


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Autorretrato con oreja vendada y pipa, de Vincent Van Gogh.

La presente biografía documenta este viaje de un modo microscópico. Cierto que todo biógrafo de Van Gogh cuenta con una fuente inestimable: el conjunto de cartas que escribió a los miembros de su familia, a algunos amigos y principalmente a su hermano Theo, no solo un monumento universal de la literatura epistolar sino de la gestación y cumplimiento de alguien que podía haber encarnado la figura del superhombre nietzscheano. Los autores de esta biografía sin embargo no consideran “que las cartas de Vincent sean un registro directo y fiable de los sucesos que marcaron su vida o sus ideas en un momento dado”, por lo que las orillan a menudo. “Las mareantes cartas”, llegan a decir de ellas, comprometidos acaso más con el personaje Van Gogh que con la persona Vincent.

    Se han tomado la molestia de examinar como dos detectives minuciosos las pruebas y abundantes contradicciones del caso

¿Y cómo es el personaje? Naifeh y White, dos profesionales que han escrito también una biografía de Pollock y que dedicaron diez años de sus vidas a esta, procuran proceder con distancia, y subrayan un Van Gogh lunático y “retórico”, caprichoso y egoísta, frente a otro más humanamente próximo y sentimental, insistiendo con rudimentos freudianos en la tragedia del hijo expulsado de la casa del padre y condenado a vagar desde los dieciséis años hasta su muerte, veintiuno después, sumando fracasos en su intento de formar una familia propia y dando tumbos por el mundo: primero para trabajar de dependiente en una galería de arte que lo empleó en La Haya, París y Londres; luego como pastor protestante entre los mineros del mísero Borinage, en Bélgica, y por fin y a partir de los 28 años, cuando decidió hacerse pintor, viviendo en un montón de ciudades y pueblos holandeses, y a lo último en París, Arles, Saint Rémy y Auvers, sostenido únicamente por las mesadas que recibía de su hermano Theo, mitad caridad fraterna, mitad inversión mercantil, y por sus propias pinturas y cartas, única compañía mientras aprendía por su cuenta el oficio de pintor, para el que muchos otros estaban mejor dotados que él. Y así hasta su muerte, nueve años después, en medio casi siempre de una soledad radical. “Soy un viajero, me dirijo a alguna parte, tengo un destino… solo que ni ese lugar ni mi destino existen”, escribió en un momento de abatimiento, abandonado del “instinto y el sentimiento”, pilares para él del arte y de la vida. Pocas tan difíciles y trágicas como la suya y pocas llevadas con tanto estoicismo: “Si no te quejas, se pasa antes”. De ahí que su constante invocación a la alegría la encontremos ejemplar, sobre todo cuando, dejado ya de la mano de Dios y frente a la superchería de la religión y del arte exclama como contemporáneo de Nietzsche que es: “El único Dios es el Dios de lo posible”. “Las artes, como todo lo demás, son solo sueños, uno mismo no es nada en absoluto”, escribió también para añadir esta confesión dolorosa a Theo, un año antes de morir: “Como pintor nunca llegaré a nada. Estoy absolutamente seguro de ello”.


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Ventana del estudio (1889), dibujo de Vincent Van Gogh

Por suerte para los lectores españoles existe una edición completa de esas cartas que enriquecerán la investigación de Naifeh y White, acercándoles a la persona Vincent, un ser indefenso, tan decidido y heroico como vulnerable y voltario: “Hay cosas en el fondo de nuestras almas que nos harían pedazos si las conociéramos”, había dicho quien alguna vez se vio, al igual que al resto de los pintores modernos, como “un cántaro roto”.

    Diríamos, sin embargo, que esa bala le cayó del cielo al pobre Van Gogh, y así la aceptó él, como una inmolación

Acaso porque para entonces ya había decidido conocer con una fe inquebrantable el fondo de su alma o los pedazos que de ella quedaban; y a pesar de que dijo que “los que tienen fe no tienen prisa”, se diría que corrió desalado a reunirse con la bala que el 27 de julio de 1890 acabó con su vida. Dejaba casi un millar de cuadros, miles de dibujos y más de dos mil cartas, conjunto portentoso y en su mayor parte realizado durante los últimos cinco años de su vida. Y un hermano que lo sostuvo con no menos tesón y que le siguió a la tumba unos pocos meses después. Y nos dejó sobre todo su ejemplo y el más elocuente testimonio de que “vivir, trabajar y amar son una misma cosa, a fin de cuentas”.


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Van Gogh. La vida. Steven Naifeh y Gregory White Smith. Traducción de Sandra Chaparro Martínez. Taurus. Madrid, 2012. 968 páginas. 32 euros (electrónico: 12,99)


elpais.com / todoebook.com
 




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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
La cita anual de Maaastricht abre mañana sus puertas. Considerada la feria más relevante del mercado de antigüedades, ofrerecerá un Vélázquez valorado en 14 millones de dólares y un Brueghel el Viejo, oculto durante cuatro siglos, además de una exposición de dibujos y pinturas sobre Van Gogh.



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Autoretratos de París, Vincent van Gogh. La Feria de Maaastricht presenta una interesante selección de 15 dibujos de Van Gogh poco conocidos que muestran la evolución del genial pintor impresionista.

El ojo de halcón es símbolo de agudeza y precisión, pero sobre todo de caza, el instrumento perfecto para seleccionar y acosar a la presa. No es gratuito que la feria de antigüedades más consolidada del mundo, TEFAF , que se lleva celebrando en Maastricht desde hace veintiséis años, haya renovado el halcón que utiliza como logo, una modernización que mantiene, sin embargo, la misma esencia, encontrar, seleccionar y exhibir las mejores piezas de arte de todas las épocas para los ávidos coleccionistas que vayan un año más a buscar nuevas presas.


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"Retrato de un caballero de busto, con una túnica negra y una golilla blanca", Diego de Velázquez

Entre los lienzos más destacados se exhibirá un fascinante retrato de Velázquez (1599-1660), titulado Retrato de un caballero -de busto, con una túnica negra y una golilla blanca, que estará a la venta en la feria por un precio de 14 millones de dólares, ofrecido por  el marchante neoyorkino Otto Naumann, Ltd y La Crucifixión, de Jan Brueghel el Viejo, una obra maestra que sale al mercado de la mano de De Jonckheere por primera vez en cuatro siglos, ya que ha sido propiedad de una familia de la nobleza italiana desde que el holandés lo terminara en 1594.


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La Crucifixión, de Jan Brueghel el Viejo

TEFAF selecciona a las mejores galerías agrupadas en nueve secciones: Antigüedades, Clásica, Moderna, Pintura, Alta Joyería, Manuscritos, Diseño, Fotografía y Dibujos y Nuevas Galerías, y examina la piezas con minuciosa precisión, vuelve un año más con el atractivo añadido de una selección de 15 dibujos de Van Gogh poco conocidos que muestran la evolución del genial pintor impresionista.

Situada en la sección de Fotografía y Dibujos, la obra de Van Gogh, cedida por el Museo de Ámsterdam, incluye trabajos de todas sus épocas y será presentada cronológicamente: desde sus ambiciosas recreaciones del Hague, cuando su interés se centraba en paisajes y figuras; los trazos más impresionistas de su etapa en Nuenen; sus acuarelas de la época de París; los dibujos a lápiz rojo de Arlés y a todo color de los jardines del hospital Saint Paul en Saint-Rémy, hasta sus últimos paisajes de Auvers, muy similares ya a su estilo pictórico impresionista.

Además de Velázquez y Brueghel el Viejo brillarán también una excepcional pintura de Egon Schiele (1890-1918) titulada Mother and Child I (The Burnt–Out Mother) 1909-1911, que se presenta por primera vez en el mercado desde 1953 y  una obra de Roy Lichtenstein (1923-1997), The Den.

En escultura, una obra de 2010-2012 de Jeff Koons (nacido en 1955) de acero inoxidable, pulido espejo, con un revestimiento azul transparente y plantas vivas en flor, mientras que la Robert Bowman Gallery de Londres ofrecerá una selección de piezas de Auguste Rodin y Ossip Zadkine. Entre algunas de las joyas y curiosidades artísticas que saldrán este año llama la atención también una pieza de Fabergé que encierra en sus entrañas la historia de un intento de asesinato contra el zar Nicolás II de Rusia que pondrá a la venta la galería Wartski de Londres por una suma, que, de momento, solo se sabe, que alcanzará las seis cifras.

Según las crónicas, durante un acto ceremonial en 1906, la artillería rusa disparó unas salvas que supuestamente contenían pólvora para la detonación, pero no metralla, excepto uno de los cañones que disparó la carga a los pies del Zar. El gran duque Nicolás Nicholáievitch, que estaba a su lado, recogió los restos, y encargó a Carl Fabergé en San Petersburgo que fabricase un sello de oro con parte de la metralla para regalársela al Zar como recuerdo de lo que se consideró un accidente y que pudo ser un atentado. La feria se celebrara en un renovado espacio creado para la ocasión en el MEEC (Centro de Exposiciones y Congresos de Maastricht) del 15 al 24 de marzo.

Julio MARTÍN ALARCÓN / elmundo.es
 




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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
tiene una buena pinta esa feria. Hubiera preferido que la pintura fuera de peter brueghel el viejo y no de jan que para mi es de peor calidad, pero no se puede tener todo

Gracias por compartir
 



 
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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
El museo Van Gogh reabre sus puertas con un viaje al taller del genio


El centro muestra la evolución del pintor a través de 200 obras, objetos y telas de otros artistas

El laboratorio de la multinacional Shell ha colaborado en el estudio de los pigmentos




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Ver vídeo

El 40 aniversario de la apertura del Museo Van Gogh, en Ámsterdam, ha servido para aclarar el mayor de los equívocos que rodea al pintor: “no fue el genio instantáneo que creíamos sino que trabajó muy duro para entender la técnica y el uso del color de su arte”. Lo dice Rik van Koetsveld, director gerente del centro, que se despide de su cargo con una muestra desmitificadora. Titulada Van Gogh en su taller (Van Gogh at work) sigue la evolución del artista a través de 200 obras y objetos propios, así como telas de sus contemporáneos, entre ellos Gauguin y Toulouse Lautrec. Como el promedio de edad del visitante del centro es de 32 años, la exposición combina salas clásicas de cuadros colgados en la pared, con presentaciones listas para que participar en el proceso creativo.


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Van Gogh Museum, Amsterdam

Hay un microscopio para llegar a las entrañas del lienzo, moldes transparentes superpuestos para ver los diferentes motivos pintados bajo la pintura definitiva, y retales de lienzo en sus diversos estados de preparación. El objeto más entrañable, de todos modos, es su caja de ovillos de lana de colores. El pintor los usaba para guiarse cuando mezclaba tonos. El problema es que trabajaba sin descanso, y la falta de dinero le llevó a utilizar a veces pinturas de baja calidad que no han resistido bien el paso del tiempo. El mejor ejemplo es la serie de cerezos en flor. En los tres originales, las flores eran rosas. El tiempo las ha dejado blancas y chocan junto a una obra similar, esta sí en rosa fuerte, firmada en 1888 —como los del holandés— por el danés Christian Mourier Petersen.


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Visitantes en el Van Gogh Museum, Amsterdam.

Lo que hoy llamaríamos reciclado de materiales no termina ahí. Cuando Van Gogh no tenía lienzos, aprovechaba trapos de cocina. Y cuando estaba desesperado, daba la vuelta a un lienzo ya utilizado y pintaba otra cosa por detrás. El museo presenta tres de estos ejemplos en sendas vitrinas. El resultado es fascinante. El motivo pintado no siempre corresponde a la misma época, así que por un lado aparecen, por ejemplo, unas patatas de su época holandesa, oscuras y con mucho empaste. Del otro, un autorretrato de azules luminosos más próximos a la etapa francesa. Su ritmo febril de trabajo acaba arrancando la sonrisa del espectador. Olvidaba el viento al pintar una marina al aire libre, como aprendió de los impresionistas, y la arena se pegaba en la tela para siempre. Envolvía la tela en papel de periódico para su transporte, y quedaba marcada la huella de la tinta. Ambos extremos han sido analizados a fondo para la muestra con ayuda del laboratorio científico de la multinacional Shell.


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Van Gogh Museum, Amsterdam. Vista de una sala

El museo ha conseguido que la National Gallery, de Londres, ceda la primera versión de Los girasoles. Muy satisfecho, la presenta junto a una posterior, de su colección. Es la joya de la corona dada su fama y porque ilustra la evolución de un mismo motivo. Hay cinco girasoles de Van Gogh en el mundo y todos son distintos. El dormitorio en Arles, cedido por el Instituto de arte de Chicago, y el retrato de Père Tanguy, prestado por el museo Rodin, de París, cumplen la misma función educativa. Sin embargo, las joyas de coleccionista son los cuadernos de esbozos y dibujos y acuarelas de Van Gogh. Poco expuestos dada su fragilidad, ilustran su minucioso de su enfoque artístico, lo mucho que analizaba cada cuadro, y como pasa de dibujar mal a pintar con maestría, para acabar casi en la abstracción. Como en la tela Raíces de árboles, de 1890. La última de su vida. La muestra estará abierta hasta el 12 de enero y solo podrá verse en Ámsterdam.



Van Gogh vuelve a su casa


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'Autorretrato pintando, 1887-1888'. Vincent van Gogh Foundation. Van Gogh Museum, Amsterdam


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'La casa amarilla' ('The street'), 1888. Vincent van Gogh Foundation. Van Gogh Museum, Amsterdam


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La obra de Paul Gauguin 'Van Gogh pintando girasoles', de 1888. Vincent van Gogh Foundation. Van Gogh Museum, Amsterdam


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Estudio para 'Los comedores de patatas', de 1885. Este cuadro tiene dos caras, ya que en el otro lado Van Gogh pintó en 1887 un autorretrato. Vincent van Gogh Foundation. Van Gogh Museum, Amsterdam


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Y este es el autorretrato que se encuentra en la otra cara del estudio para 'Los comedores de patatas'. Vincent van Gogh Foundation. Van Gogh Museum, Amsterdam


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'La cosecha', de 1888. Vincent van Gogh Foundation. Van Gogh Museum, Amsterdam


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Y otra versión de la obra, también de 1888. Colección privada. Museo Van Gogh


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'Girasoles', de 1889. Vincent van Gogh Foundation. Van Gogh Museum, Amsterdam


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La versión original de 'Los girasoles', pintada un año antes, en 1888. National Gallery de Londres


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'El dormitorio en Arles', de 1888. Vincent van Gogh Foundation. Van Gogh Museum, Amsterdam


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Otra versión del artista de 'El dormitorio de Arles', de 1889.  Instituto de arte de Chicago. Colección Helen Birch Bartlett


Fuentes: elpais.com / Vincent van Gogh Foundation. Van Gogh Museum, Amsterdam / Instituto de arte de Chicago. Colección Helen Birch Bartlett / National Gallery de Londres / Colección privada. Museo Van Gogh




 

Los secretos de la pintura del holandés Vincent van Gogh (1853-1890) se ponen al descubierto en una exposición con la que el museo que lleva el nombre del artista ha reabierto tras una renovación que ha durado seis meses y coincidiendo con el 160 aniversario del nacimiento del autor de 'Los Girasoles'. Una visita inexcusable para los turistas que visiten Amsterdam y que gusten del arte. Yo lo visité en 2007 y quedé impresionado, y eso que fue una visita rápida.
 




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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
Tres detenidos por intento de estafa en la compra de un Van Gogh

La dueña de la obra recibió un pagaré sin fondos como anticipo de la venta por 300.000 euros


Agentes de la Policía Nacional han detenido en Valencia a dos hombres de 34 y 62 años como presuntos autores de los delitos de falsedad documental y estafa en grado de tentativa, ya que según se desprende de las investigaciones, intentaron comprar un cuadro del pintor Vincent Van Gogh por 300.000 euros por medio de un pagaré bancario sin fondos. Por los mismos hechos ha sido arrestado otro hombre de 29 años, al que se le imputa un delito de estafa en grado de tentativa.

La investigación arrancó después de que a una mujer residente en Murcia se le endosara un pagará sin fondos por la venta de un cuadro de Vincent Van Gogh. La propietaria de la obra llegó a un acuerdo con un supuesto representante de una empresa de construcción valenciana para adquirir el cuadro por un precio de 300.000 euros. A la hora de formalizar el contrato, éste le entregó un pagaré por 40.000 euros en concepto de señal, emitido a nombre de la empresa. Cuando fue a hacer efectivo el pagaré, la mujer se encontró con que carecía de fondos.

El pagaré pertenecía a una serie que había sido robada del interior de una furgoneta de la empresa de construcción. Los administradores de la firma, según las pesquisas, en principio no sabían nada acerca de la compra del cuadro, aunque posteriormente la Policía comprobó que un empleado de la constructora estaba implicado.

La Policía identificó y localizó en Valencia al hombre que entregó el pagaré y a un colaborador. Ambos fueron detenidos como presuntos autores de un delito de falsedad documental y otro de estafa en grado de tentativa.

Los agentes averiguaron luego que los arrestados habían recibido el pagaré de uno de los administradores de la empresa de construcción, el cual se lo habría facilitado de forma voluntaria para realizar el pago fraudulento, por lo que fue detenido como presunto autor de un delito de estafa en grado de tentativa.

Los detenidos, dos de ellos con antecedentes policiales, fueron puestos en libertad una vez se les tomó declaración.


elpais.com
 




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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
Provenza, el gran circo del arte


Dos exposiciones reactualizan la eterna imagen del soleado sur de Francia como meca creativa

Van Gogh, Picasso y Matisse son sus símbolos principales




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Terraza de café por la noche, Place du Forum, Arlés (Terrasse du café le soir, Place du forum, Arles) Vincent van Gogh, 1888
Pintura al óleo, 81 cm × 65.5 cm. Museo Kröller-Müller, Otterlo, Flag of the Netherlands.svg Países Bajos

Sucedió durante el largo invierno de 1888. Insatisfecho con su existencia en París y con graves problemas de inspiración, Vincent van Gogh decidió subirse a un tren con destino a Marsella. Nadie sabe exactamente qué le impulsó a apearse en Arlés, pero puede que aquel transbordo cambiara para siempre la historia del arte.

Van Gogh quedó fascinado por un clima de una suavidad insólita y por una luz que hacía vibrar los colores y acentuaba el contraste de formas y siluetas. “Gozamos de un calor maravilloso y poderoso, sin ningún viento. De un sol y de una luz que, a falta de mejor apelación, solo puedo cualificar de amarilla. De un amarillo azufre pálido, de un amarillo limón pálido”, escribió a su sufrido hermano Theo, mientras inmortalizaba los campos de trigo camargueses y luego experimentaba con verdes ácidos y naranjas fluorescentes en una serie de obras mayores en su trayectoria. Van Gogh tuvo una idea brillante: invitar a sus correligionarios a instalarse en la región para fundar “un gran atelier del Midi”. Es decir, una comunidad artística instalada en la Provenza y constituida por los grandes nombres de la época. “El futuro del arte moderno está aquí”, les advirtió. Ese gran taller nunca llegó a buen puerto, pero a Van Gogh no le faltaba razón. Su viaje sería emulado por decenas de artistas que, a lo largo de casi un siglo, colonizaron la costa francesa para reinventar su pintura.

Una doble exposición en Marsella y Aix-en-Provence celebra hasta el 13 de octubre el papel de la región provenzal como tierra de acogida de artistas. Lo hace a través de una espectacular selección de 200 obras, firmadas entre 1880 y 1960 por artistas como Cézanne, Gauguin, Matisse, Renoir, Bonnard, Signac o Picasso. La muestra es uno de los platos fuertes de la capitalidad europea de la cultura (que Marsella comparte, simulando ser buena hermana, con su histórica archirrival Aix e incluso con el resto de la región) e indaga en la relación entre la creación artística y la geografía que la hospedó, atribuyendo a la costa norte del Mediterráneo un papel fundamental en la experimentación de colores y formas que precedió a las vanguardias.

La muestra doble en el museo Granet de Aix y en el Palacio Longchamp de Marsella permite a los amantes del comparatismo recorrer los lugares que esos artistas, protagonistas de un surtido anecdotario, frecuentaron o plasmaron sobre el lienzo. También sirve para explorar el poderoso mito de la Provenza, que sigue siendo percibida como reducto de un modo de vida pintoresco en vías de extinción, gracias en gran parte a los paisajes idealizados de los propios pintores, por los que decenas de oficinas de turismo siguen dando gracias a los dioses.


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Ambiente veraniego en el superviviente Café Van Gogh de Arlés. / J. P. Degas

Sin ir más lejos, resulta curioso que una ciudad como Arlés saque tanto partido a los quince meses que Van Gogh pasó allí hace más de un siglo, teniendo en cuenta que casi lo echaron a patadas. El pintor logró convencer a Gauguin para que se uniera a su causa, pero la sana emulación existente entre ambos terminó convertida en un odio en estado puro. La convivencia acabó durando tres meses y terminó con la más célebre de las leyendas. Después de una pelea entre ambos, Van Gogh tuvo la ocurrencia de cortarse una oreja y regalarla a una de las prostitutas que frecuentaba.

Si Gauguin no era capaz de aguantarle, sus vecinos todavía menos. En 1889 circuló por la ciudad una petición que exigía que fuera expulsado de su perímetro. El artista holandés terminó recluido a pocos kilómetros, en el sanatorio de Saint-Rémy. Atrás dejaba 185 cuadros y un centenar largo de dibujos pintados en menos de año y medio. “Ese pobre holandés”, diría más tarde Gauguin. “Estaba todo ardiente y entusiasta. Se había metido en la cabeza que el Midi iba a ser algo extraordinario”. Pese a todo, antes de abandonar Arlés, el desencantado Gauguin dejó pintado un buen puñado de paisajes camargueses (por ejemplo, Les Alyscamps, reflejo de un oscuro hipnotismo de la necrópolis romana de la ciudad), que demuestran que el influjo provenzal tampoco le dejó del todo indiferente.

“Si todos esos artistas abandonaron París para instalarse aquí, fue porque sintieron la necesidad de renovarse”, comenta el comisario de la muestra en Aix, Bruno Ély. “La aventura impresionista había acabado y tenían que cambiar de paisaje para enfrentarse a nuevos retos sobre el lienzo. La Provenza supuso una nueva paleta de colores e incluso una nueva forma de mirar. Fue casi como volver a empezar de cero”. Como dejó dicho el pintor Maurice de Vlaminck, “el secreto de la pintura consiste en olvidar y volverse puro”.

Puede que esta repentina pasión por el sur sea menos súbita de lo que intenta hacer creer la muestra, y que se trate más bien de una variante actualizada del tour que todo artista debía hacer casi obligatoriamente por las grandes ciudades italianas a partir del siglo XVII. O bien un reflejo semejante al que llevaría a los románticos a abrazar el helenismo o el españolismo, dirigiéndose a tierras situadas en los confines con el exotismo. Lo mismo sucedía con Marsella, calificada por el pintor Pierre Puvis de Chavannes en 1868 como “colonia griega y puerta de Oriente”, pese a que ya no fuera ni una cosa ni la otra. Igual que otros se habían marchado a Roma y a Pompeya, los artistas de entresiglos se subieron a la línea de tren, recién inaugurada, que unía París con Marsella y luego recorría la Costa Azul hasta llegar a la frontera italiana.

Ya hacía más de un siglo que la Provenza se había convertido en territorio venerado por su luz, su clima y su belleza. Pero fue durante la década de 1880 cuando el éxodo se volvió casi generalizado. Lo protagonizaron artistas que aspiraban a trabajar con esa célebre luz mediterránea, pero también a conducir una vida en comunión con la naturaleza, lejos del mundanal ruido de la ciudad y ajena a la industrialización incipiente.

El Midi francés se erigió en paraíso terrenal donde el sueño hedonista se volvía posible. Para algunos no fue un exilio, sino un retorno. Único provenzal de su generación, Cézanne decidió volver a su tierra y se instaló en L’Estaque, antes de regresar a su Aix-en-Provence natal, donde estudió junto a Émile Zola. Allí retrató hasta 80 veces la mítica montaña de Sainte-Victoire, que conocía desde su más tierna infancia. En general, desde lo alto de su estudio de los Lauves o en el Jas de Bouffan, una mansión de tres pisos comprada por su padre, aprendiz de sombrerero reconvertido en adinerado banquero, con quien el pintor mantuvo relaciones execrables, ya que la pintura le parecía cosa de pobres y desgraciados. Si se pide educadamente y con cierta antelación, es posible visitar la casa y su jardín, donde Cézanne pintó algunas de sus obras, lejos de los círculos parisienses en los que nunca logró integrarse. Modesto y arisco, Cézanne alcanzaría la gloria ya mayor, al regresar a Aix cuando pintores jóvenes y consagrados emprendían largos viajes para visitar su hogar, como quien va a consultar a un oráculo.


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Una de las salas de la exposición que el museo Granet de Aix-en-Provence dedica a los artistas que se afincaron en la Provenza. / SAM MERTENS

Por ejemplo, Monet y Renoir recorrieron la costa hasta Ventimiglia e hicieron escala en L’Estaque para visitar al maestro en este puerto cercano a Marsella, con vistas espectaculares sobre su bahía. Aunque siempre prefirió Giverny, Monet escogió Antibes como base temporal de operaciones y pintó tres decenas de cuadros en poco más de tres meses, que le ayudaron a perfeccionar su trabajo sobre el reflejo de la luz —“tuve que llegar a las manos con el sol”, reconoció el pintor—, mientras que Renoir se instalaba en Cagnes, pueblo costero descubierto en 1898 y en el que terminaría sus días. Veinte años atrás, durante un viaje a Argelia, el pintor había quedado fascinado por la luz mediterránea y las costumbres de los autóctonos, que dijo reencontrar en la costa francesa.

Bonnard quedaría vinculado para siempre a Le Cannet, mientras que Signac se convertía en un asiduo del Saint-Tropez mucho antes de su reconversión en capital del pijerío turístico. Tras haber frecuentado Collioure en compañía de Derain durante la breve pero intensa aventura del fauvismo, Matisse decidió asentarse durante casi tres décadas en Niza, ciudad que le rinde homenaje durante este verano con una extensa retrospectiva en el museo que lleva su nombre.


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Matisse, en su estudio del hotel Régina de Niza, delante de sus célebres gouaches sobre papel. / AFP

En la localidad vecina de Saint-Paul de Vence, el anciano Matisse, incapaz de caminar y enfermo de una bronquitis que había venido a curarse, deambuló bajo los naranjos y tomó el té de las cinco en su propio coche, al tiempo que Cary Grant visitaba las galerías de arte y Simone Signoret vivía su romance con Yves Montand, que solía jugar a la petanca frente al Café de la Place.

Otro mediterráneo de adopción fue Picasso, que no solo pasó temporadas en Ceret, Antibes, Cannes, Vallauris, Arlés, Avignon, Menerbes, Saint-Juan-les-Pins y Mougins. Obsesionado por Cézanne, a quien consideraba “algo así como un padre” pese a no haberle frecuentado, compró el castillo de Vauvenargues para poder tener vistas directas sobre la montaña de Sainte-Victoire, donde sería enterrado junto a su última esposa, Jacqueline.

Entre todos ellos lograron configurar un territorio prácticamente mitológico, a partir de una representación embellecedora de la realidad imitada, marcada por el hechizo provenzal de quienes sostenían paleta y pincel. En ella quedaron proscritas las referencias a la modernidad, las chimeneas de la industrialización incipiente (a excepción de Braque y Duffy, que les cedieron un espacio, discreto pero visible, en un par de cuadros) y también las primeras oleadas de inmigración, si exceptuamos las roulottes arlesianas de Van Gogh y algún que otro retrato de gitanas, aunque respondieran más a la identificación del artista con los pueblos nómadas —ambos eran, al fin y al cabo, bohemios— que a una voluntad de denunciar la vida en los márgenes.


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Pablo Picasso, caracterizado de payaso en su finca La Californie, en la localidad de Vauvenargues, en la Provenza. 1957. / David Douglas Duncan

“El éxtasis experimentado también provocó cierta ceguera. A estos pintores no les gustaba ver las fábricas, sino las mimosas y los almendros”, argumenta la otra comisaria de la muestra, Marie-Paul Vial, directora de l’Orangerie de París. “Al huir de la ciudad en dirección al sur, los pintores persiguen un paisaje idealizado y preservan una imagen del Mediterráneo como cuna de la civilización grecorromana. Se trata de una especie de Arcadia reencontrada, donde todo lo que no responde a ese ideal queda desestimado, con muy pocas excepciones”, añade Vial. Por ejemplo, Renoir nunca quiso pintar su mansión en Cagnes, porque le parecía “demasiado moderna”. Y Bonnard se quejaba, en los años cuarenta, de lo feas que le parecían todas las fábricas levantadas en las afueras de Cannes. Hasta el punto de resultar algo reaccionarios: preferían pintar la vegetación de sus minúsculos jardines que los cambios a los que asistía el mundo. Los temas clásicos, el bucolismo virgiliano y los reflejos apolíneos, también aparecen en cuadros que describen una tierra rural a salvo del progreso industrial y bañada por una luz purificadora. Sin embargo, como sostiene la muestra, puede que sin la luz provenzal el paso a la abstracción no hubiera llegado a la misma velocidad. La intensidad luminosa diluía las formas y permitía una experiencia subjetiva del color, lo que conducirá a los pintores a negar el academicismo y, a la larga, la figuración. Al regresar de una escapada en la Riviera, Monet se dijo incluso asustado por el azul omnipresente del cielo y el mar, fundidos en un punto invisible del horizonte, que le obligaban a descodificar el espacio de una manera nueva. “Nadamos en un aire azul. Es sobrecogedor”, dijo a sus amigos Duret y Geffroy. Nicolas de Staël aseguraba que fue en la Provenza donde logró ver pintado el mar, por primera vez, de color burdeos.


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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
Un ‘van gogh’ (en 3D) por 25.000 euros


El museo del artista en Ámsterdam y Fujifilm presentan las primeras copias tridimensionales de obras del holandés



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'Los girasoles' (1889), uno de los cuadros de Van Gogh que se reproducen en 3D. / MUSEO VAN GOGH

La textura de los cuadros de Van Gogh, plenos de rugosidades y capas de pintura, son una de las señas de identidad del pintor holandés. La otra es la fascinación creada por su atormentada vida y trágica muerte en 1890, a los 37 años, en la localidad francesa de Auvers-sur Oise. Trasladados al mercado del arte, ambos rasgos le han convertido en uno de los artistas más conocidos y cotizados del mundo. Para los que quieran, pero sobre todo puedan, acercarse aún más a su obra, el museo de su nombre en Ámsterdam ofrece ahora réplicas de sus cuadros en 3D. Denominadas Relievo, sus precios oscilan entre los 15.000 y los 25.000 euros, y para obtenerlas, el centro ha firmado un contrato exclusivo con la firma Fujifilm. Juntos han desarrollado la Reliefografía, una técnica de reproducción que combina el escáner tridimensional con una impresión de alta resolución. Lanzada en Hong Kong en julio, y a la venta ya en Holanda, esta nueva colección de van goghs incluye cinco cuadros: Los girasoles (1889), Almendro en flor (1890), La cosecha (1888), Bulevar de Clichy (1887) y Trigal bajo la tormenta(1890). Con el tiempo, el catálogo se ampliará.

“No vendemos las copias en la tienda del museo porque no podemos manejar sumas tan abultadas aquí. Las copias en 3D sí pueden obtenerse en las oficinas, situadas a un paso de la sala. Y ya ha habido llamadas interesándose por ellas”, aseguran en el centro de la capital holandesa, que acaba de renovar sus instalaciones. Para evitar fraudes, las réplicas vienen avaladas por un conservador y cuentan con un sello irrompible que certifica su procedencia. Pero tal vez la mayor sorpresa sea su aspecto final. Un Relievo es un cuadro completo, por delante y por detrás, con las marcas dejadas por el tiempo en la madera y la tela. La pintura reproduce el color y brillo del óleo original. Pero hasta el marco, en el caso de Los girasoles, parece auténtico, con su decoración dorada ya oscurecida. De momento, la edición de cada cuadro se limitará a 260 copias.

“Esperamos que el mercado acoja con entusiasmo este producto único”, ha señalado Richard Tackx, director de ventas de Fujifilm Belgium, propietaria de la técnica y fabricante de las reproducciones. “El museo es una empresa cultural en busca de nuevos mercados y quiere estar a la cabeza de los últimos avances tecnológicos”, añade la propia sala. Adelantándose a los posibles críticos de un recuerdo pensado para ricos, su director, Axel Rüger, aborda las reproducciones como un paso lógico. “Vistas las posibilidades de la impresión en 3D, aplicarla al arte supone el siguiente paso obvio. Con los Relievo, las piezas artísticas son más accesibles. Y la misión de un museo es llegar a la mayor cantidad posible de gente”, ha dicho.

De todos modos, el lanzamiento del nuevo producto en Hong Kong denota el cuidadoso estudio de mercado previo realizado. Van Gogh es uno de los artistas occidentales más estimado en Asia, y el puerto chino es la lanzadera ideal para alcanzar lugares como Pekín, Singapur o Tokio.

El pintor holandés llegó a coleccionar hasta 500 láminas de artistas japoneses hoy consideradas un tesoro por su guardián, el museo de Ámsterdam. No en vano, el pintor llegó a escribir en 1888 a su hermano, Theo, en los siguientes términos: “En cierto modo, todas mis obras están basadas en algo del arte japonés”. Van Gogh no parecía creer en ese momento en el futuro del arte moderno, y las estampas decorativas niponas, centradas en el ciclo de las estaciones del año y la naturaleza, le marcaron. Dado a las emociones extremas, aseguraba incluso: “Me siento en Japón con estas imágenes junto a mí todo el tiempo”. Si bien otras colegas impresionistas expresaron también su admiración por las imágenes japonesas, ninguno conserva hoy su tirón entre los turistas de Japón.

El museo holandés no habla de cifras, pero sí admite “el gran interés mostrado por el público” en la presentación de Hong Kong. Parte del dinero obtenido se destinará a financiar el nuevo ala y la nueva entrada del museo en Ámsterdam. Otra partida será para educación en las escuelas.

Hace un año escaso, el propio museo holandés lanzó una muestra con animaciones en 3D que presagiaban, o tal vez preparaban ya el terreno, para los Relievo. Titulada Van Gogh, mi exposición soñada, incluía siete vídeos tridimensionales en los que el motivo elegido por el artista parecía moverse. Así, las ramas de Almendro en flor se mecían al viento, y el vuelo de los negros cuervos de Trigal bajo la tormenta resultaba casi amenazador. “Es el trabajo que vio el pintor mismo”, señalaba el catálogo entonces. Unos pocos podrán incluso tocarlo a partir de ahora.


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Un detalle de la parte trasera del Relievo de 'Los girasoles'. / MUSEO VAN GOGH



Repaso al negocio


El Museo Van Gogh presenta las copias en 3D, los Relievo, como el producto más avanzado del mercado del arte.

Las reproducciones son un cuadro entero certificado por un conservador oficial para evitar ventas fraudulentas.

Los girasoles (1889), Almendro en flor (1890), La cosecha(1888), Bulevar de Clichy(1887) y Trigal bajo la tormenta (1890) son los primeros Relievo. Según responda el mercado, en próximo años se copiarán otros cuadros del holandés.

Coleccionistas rusos, estadounidenses, chinos y japoneses pueden ser los compradores iniciales.

Van Gogh coleccionó hasta 500 estampas japonesas. El japonismo influyó a los impresionistas, pero su representante más admirado hoy en Japón es el pintor holandés.

De cada cuadro se realizarán hasta 260 copias, y los precios fluctuarán entre 15.000 y 25.000 euros.


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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
Gracias por compartir la noticia, es curiosa. El pobre Vincent que casi no ganó ni un chavo en vida con su pintura, y mira ahora sacan dinero de sus obras a espuertas. Supongo que es normal que apliquen este tipo de impresion 3d a obras artisticas que tienen tanta textura, pero un original siempre es un original
 



 
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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
Descubierto un Van Gogh de su serie floral


El museo Van Gogh de Ámsterdam ha descubierto un nuevo cuadro del artista, tras dos años de investigaciones. Lo pintó en Arlés, en 1888, y pertenece a su serie floral.



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'Puesta de sol en Montmajour', el nuevo cuadro descubierto de Van Gogh.

El museo Van Gogh de Ámsterdam ha descubierto un nuevo cuadro del artista holandés. Titulado Puesta de sol en Montmajour, se trata de un paisaje lleno de vegetación, pintado en 1888, durante su estancia en la ciudad francesa de Arlés. La tela ha sido investigada durante dos años y este lunes ha sido presentada en la sala. Perteneciente a una colección particular, cuyo dueño prefiere seguir en el anonimato, la obra mide 93,3x73,3 centímetros.

“Un descubrimiento de este calibre no había ocurrido hasta ahora en la historia del museo”, ha dicho Axel Rüger, su director, al exhibir la pieza. Dos de sus expertos han estudiado la pintura a fondo para asegurarse de que puede atribuirse a Van Gogh. El artista trabajaba solo, sin taller ni alumnos, y hablaba siempre de sus proyectos. Los análisis se han centrado en el estilo, técnica, pintura y el material escrito dejado. Van Gogh mantuvo una correspondencia fluida y abundante con su hermano, Theo, marchante de arte, al que explicaba y dibujaba sus ideas.Puesta de sol en Montmajour figura en dos de las cartas.

“Se parece a las otras obras ejecutadas por Van Gogh durante el verano de 1888 en Francia”, según los investigadores., Louis van Tilborgh y Teio Meedendorp. En 1890, el cuadro perteneció a la colección que Theo formó con las obras fraternas. En 1901 fue vendido (van Gogh murió en 1890 sin haber vendido un solo cuadro). A partir del próximo 24 de septiembre será exhibida al público.


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Momento en que se dio a conocer Puesta de sol en Mont Majour', el nuevo cuadro descubierto de Van Gogh. / afp


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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
Tras la quiebra, Detroit sopesa vender sus tesoros artísticos


La ciudad podría desprenderse de las pinturas y esculturas del Instituto de Artes de Detroit



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Autorretrato de Van Gogh. Este valioso autorretrato de Van Gogh seria una de las emblemáticas obras de arte que cuenta el Instituto de Artes de Detroit para tratar de salvarse de la bancarrota.

De las múltiples, decididamente trágicas y muy variadas derivaciones de la quiebra de Detroit hay incluso una de índole artística. Cuando el juez Rhodes sentenció el martes que la ciudad puede acogerse al artículo nueve del Código de Bancarrota de EE UU, el lugar de pasado industrioso se convirtió en la mayor ciudad de la historia del país en suspender pagos, ahogada en una deuda de más de 18.000 millones de dólares (13.000 millones de euros). Ahora, sus ciudadanos debaten si para salir del apuro (¡la cuna del motor no puede ni pagar la luz!) conviene vender los tesoros artísticos propiedad de la ciudad.

En concreto, las pinturas y esculturas de la colección del Instituto de Artes de Detroit (DIA). La venta podría generar cientos de millones, “pero que no habría evitado que Detroit entrara en quiebra”. “Insto a la ciudad a que tenga cuidado cuando decida qué vender”, ha pedido el juez Rhodes, autor del dictamen judicial que permitió a Detroit acogerse a las ventajas del arruinado por completo.

De aquellas palabras muchos interpretaron que lo que el magistrado estaba haciendo era preservar la colección. Pero ya han surgido las voces en contra de esa idea.

En julio, Kevin Orr, gestor de la bancarrota, pidió una auditoría de las obras del DIA. Ante la resolución del juez, Orr anunció que “la venta de obras sigue siendo una opción”. El museo es considerado una de las joyas de la nación. Fue el primero de EE UU en poseer un van gogh y su colección de arte grecorromano es una de las más valoradas del mundo.

Christie’s calculó ayer que un 5% de las obras del DIA —2.781 piezas— alcanzaría un valor de entre 452 y 870 millones de dólares (de 332 a 640 millones de euros). Un monto que no serviría para cubrir del todo la deuda, ni mucho menos. La casa de subastas publicó el dato como parte de la auditoría pedida por Orr. El gestor añadió que “la venta de varias de las obras más preciadas del museo podría alcanzar los 2.000 millones de dólares”, según la prensa local. “Los responsables del museo deben encontrar la manera de contribuir a dar un respiro a Detroit”.

“El DIA también está decepcionado con la quiebra. Creemos que las autoridades actuarán de la mejor manera para proteger al museo y a la ciudad. Seguimos con el compromiso de preservar la cultura que hemos heredado durante casi un siglo”, explicó la dirección de la pinacoteca. “Nos oponemos a la propuesta de permitir a varios acreedores crear un comité que haga una valoración económica de las obras”. Ningún museo de EE UU se había enfrentado a una situación similar, que podría significar “una liquidación controlada del museo”, según fuentes del DIA.


Más info

Christie's revela el precio de la colección del DIA


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última edición por j.luis el Jueves, 19 Diciembre 2013, 20:26; editado 1 vez 
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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
Gracias por compartir la noticia. Yo creo que es un error vender el arte de ese museo, porque si con la venta no consiguen cubrir toda la deuda, pues ya es una inutilidad, además es patrimonio que pierden y no creo que haya dinero que pueda pagar esa perdida.
 



 
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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
Hola Hyperborea. Yo creo que ni vendiendo todas las obras del museo cubren la deuda astronómica que tiene Detroit. Una ciudad en otros tiempos rica por las grandes factorías de automoción, hoy como es sabido en decadencia y en bancarrota.



 

Saludos.
 




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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
Sino he leido mal, con la venta de las obras de arte no cubririan toda la deuda, por tanto, no llega ni a parche. Y lo que habría que preguntarse ¿cómo una ciudad rica como Detroit, no creó un fondo para tiempos malos?, no se entiende la falta de previsición. De todas formas, como he dicho, vender patrimonio publico es siempre una perdida irreparable.
 



 
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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
Van Gogh vuelve a casa


El museo Noorbrabants de Brabante salda cuentas con uno de sus hijos predilectos al dedicarle un espacio



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'Autorretrato con pipa' de Vincent Van Gogh.

Brabante, la provincia del sur de Holanda que linda con Bélgica, tiene dos hijos predilectos que fueron pintores: Vincent van Gogh (1853-1890) y Jerónimo Bosch, también llamado El Bosco (1450-1516). Del primero, el museo regional, Noordbrabants, solo poseía un pequeño lienzo de una campesina fechado en 1885. De El Bosco, ampliamente representado en Europa y Estados Unidos, sobre todo en el Prado, no tiene nada. El centro holandés acaba de saldar ahora la deuda con el primero. Ha reunido 11 cuadros de los inicios de Van Gogh, de paleta muy oscura, aprovechando una gran renovación interna que ha ganado una sala de 850 metros cuadrados. Allí, el pintor entronca con seis siglos de la historia del lugar donde nació y abordó temas de contenido social. Dos telas han sido cedidas por el empresario mexicano Carlos Slim. Para El Bosco, se prepara una antológica con motivo del quinto centenario de su muerte, en 2016.

“El Van Gogh de Brabante es un imán por su relación con el entorno”, asegura Fiona Zachariassen, jefa de colecciones del Noordbrabants Museum. “La mayoría de sus composiciones está en Ámsterdam, sin duda. Pero para entenderle hay que venir a la región donde empieza su aventura artística”. El Van Gogh retratista de la vida campesina de su tierra natal era un autodidacta que aplicó su compromiso social —y la decepción de no haber podido ser teólogo por desconocer el latín y el griego— a unos lienzos intensos y algo faltos de oficio. Son escenas cuyos protagonistas, agricultores o tejedores, acusan en el rostro las duras condiciones de vida en el campo. Una obra crítica que combina las denuncias de la literatura realista y naturalista, de autores como Zola o Dickens, leídos a fondo, con su esfuerzo por dominar el pincel.

La época está marcada también por la oscuridad de las composiciones, que sobrepasa las brumas y cielos plomizos de su país. Tanto, que cuando por fin se traslada a Amberes en 1885 a petición de su hermano Theo, le sorprende lo sombrío de sus telas. “Es extraño que mis estudios parezcan más oscuros aquí de lo que yo hubiera pensado en el campo. ¿Será porque la luz resulta menos clara en cualquier parte de esta ciudad?”, pregunta, en una de sus cartas.

Luego admite que se trata de lo contrario: los negros y marrones de su primera producción holandesa contrastan con el colorido del movimiento impresionista, que lo llena todo.


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‘Campesina cavando’ (1885), lienzo de la primera época de Van Gogh.

Para la apertura de su nuevo espacio, el Noordbrabants ha colgado su propio van gogh junto a los ocho cuadros cedidos a largo plazo por sus colegas del museo del artista en Ámsterdam, el Rijksmuseum, la Agencia del Patrimonio Cultural y un coleccionista particular. Algunos títulos hablan por sí solos, como Campesina sentada con una cofia de diario (1885), Cesta de patatas (1885) o Aspas del molino de agua de Genneper (1884). La Rectoría de Nuenen (1885), donde residió dos años, es especialmente lúgubre. Y su Autorretrato con pipa (1886), ejecutado a los 33 años, parece mirar al espectador en busca de respuestas.

Los dos últimos en sumarse al conjunto llegaron el pasado jueves al centro, abierto en la localidad de Den Bosch. Se trata de Pastor (1884) y Granja con campesino (1885). Aportados por la fundación del empresario mexicano Carlos Slim, proceden de su colección del Museo Soumaya, en Ciudad de México. Permanecerán en Holanda seis meses sobre el mismo fondo de pared amarillo que arropa al resto. La tonalidad elegida para el pabellón dedicado a Van Gogh tal vez sea más propia del trabajo posterior, pero refuerza el efecto psicológico del estallido de luz de su aventura francesa. Sirve, además, para subrayar el lazo irrompible entre sus paisanos campesinos y las labores artesanas y el mundo agrario recogido luego en Francia.

El esfuerzo del Noordbrabants se suma al realizado por las cuatro ciudades de la provincia íntimamente ligadas al artista. En Zundert está su casa natal; en Tilburg, el aula de arte de su escuela; en Nuenen, la iglesia protestante donde predicó su padre; en Etten-Leur, un centro de información general. Juntos forman una especie de museo al aire libre de las tierras donde produjo una cuarta parte de sus cuadros y dibujos, incluido el famoso Los comedores de patatas.

De los 11 cuadros, dos están cedidos por el empresario Carlos Slim

“Este es el momento de Van Gogh, sus paisajes agrícolas y las familias campesinas. El museo fue un colegio de jesuitas y luego residencia del gobernador de la provincia. Ahora que han concluido las obras, valoradas en 350 millones de euros, nos centraremos en El Bosco. Esperamos traer muchos cuadros, para la exposición que le dedicaremos en 2016, aunque el más famoso, El Jardín de las Delicias, del Prado, no vendrá. Aún así, contamos con llegar a 60 títulos capaces de retratar al pintor. El Prado acogerá después la exposición, eso sí”, asegura Charles de Mooij, director del Noordbrabants, que gestiona uno de los buques insignia de las renovadas salas de arte provinciales holandesas.


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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
Doble ración de ‘girasoles’ en la National Gallery de Londres


Dos de los siete famosísimos lienzos que Van Gogh pintó en Provenza se juntan por primera vez en 65 años


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Ella (izquierda) y Eva, gemelas idénticas, posan entre las dos versiones de 'Los girasoles', de Vincent Van Gogh, expuestas en la National Gallery. / LEON NEAL (AFP)

El óleo Los girasoles que expone la National Gallery, una de las siete versiones ejecutadas por Vicent van Gogh durante su estancia en la Provenza (1888-1889), es especialmente popular entre los visitantes del museo público londinense. Famosa y reconocible, la imagen que reproduce la pintura en postales y carteles viene encabezando además la lista de ventas en la tienda de la galería. Desde el pasado fin de semana, la obra del artista holandés comparece acompañada de otro cuadro de la famosa serie floral, gracias a un préstamo del Museo Van Gogh de Amsterdam que permite comparar sus respectivos matices y también conocer un poco más sobre su proceso de elaboración. Un dúo estelar reunido en Gran Bretaña por primera vez en 65 años.

“Estoy pintando con el mismo entusiasmo que un marsellés cuando degusta una bullabesa, lo que no te sorprenderá cuando sepas que mi objeto son los girasoles”, escribía Van Gogh a su hermano Theo desde una casa de verano que alquiló en Arles, cautivado por el brillo del amanecer en el sur de Francia. Había invitado al artista francés Paul Gauguin a reunirse con él, y dos de las obras de aquella “sinfonía en azul y amarillo” que describía en la carta estaban destinadas a decorar la habitación de su mentor y amigo a modo de bienvenida. Una de ellas integra hoy los fondos de la National Gallery y la segunda, de la Neue Pinakothek de Múnich.


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Imagen de rayos X de Los girasoles del museo Van Gogh.

El resto de la producción de los girasoles está disperso por el mundo: otras cuatro obras que pertenecen a museos de Ámsterdam, Tokio, Filadelfia y a una colección privada de EE.UU. El séptimo cuadro desapareció en un incendio.

Muy influido por el arte japonés, el artista holandés (1853-1890) quiso replicar la simplicidad de su diseño, la luminosidad y el significado simbólico de la paleta de colores: el amarillo en especial, como alusión a la calidez y a la amistad. Van Gogh y Gauguin trabajaron juntos a lo largo del otoño de 1888, pero la relación acabó abruptamente a finales de año cuando el holandés sufrió una crisis nerviosa.

En enero de 1889 reanudó, sin embargo, su serie de los girasoles. De ese antes y después de la relación truncada con Gauguin datan respectivamente el óleo de Londres y el de Ámsterdam. Les separa cinco meses en el tiempo, como han podido determinar las investigaciones realizadas por ambos museos con ayuda de fondos de la Unión Europea. Aunque parezcan casi idénticas, las radiografías de las dos obras –que también se exponen en la National Gallery- constatan ligeras aunque reveladoras diferencias en el colorido, el grosor de la brocha y la textura.


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Imagen de rayos X de la copia de 'Los girasoles' de la National Gallery.

El cuadro que Van Gogh había pintado durante los tiempos felices de Arles fue adquirido por el museo británico directamente a su familia en 1924, y desde entonces lo exhibe de forma permanente. Su reunión con otra de las pinturas en las que el artista trabajó “cada mañana desde el amanecer, porque las flores desvanecen tan rápidamente”, ha sido recibida como un gran acontecimiento en la National Gallery. “La gente se identifica con Van Gogh como ser humano, con su personalidad, pasión y ese mundo interno que refleja en su obra”, subraya el director de la colección del museo, Askok Roy, sobre uno de sus protagonistas más reclamados y apreciados.

elpais.com



 

Curiosa presentación de los dos 'Los girasoles' de Van Gogh, eso sí faltan otros cinco, pues pintó siete versiones.
 




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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
Van Gogh, Picasso y Pissarro, baten récord en la sala de subastas Sotheby’s



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Composición con Minotauro, de Picasso

El mercado del arte no da respiro. Acumula récord tras récord. El último corresponde a Picasso. La sala de subastas Sotheby’s remató anoche en Londres Composition au Minotaure (imagen de apertura) por 10,4 millones de libras (12,5 millones de euros). El precio más alto alcanzado nunca por una obra sobre papel del genio malagueño. La pieza, una pequeña (50,2 x 65,2 cm) aguada, procede de la colección del mítico marchante Jan Krugier y el artista la concluyó el 9 de mayo de 1936. Poco antes del estallido de la Guerra Civil en España.

La obra partía con un precio inicial de 1.800.000 libras (2.171.500 euros) y la sala había estimado un tope de 2.500.000 (3.015.970 euros). Se quedó muy corta. En una frenética puja, más de media docena de compradores intentaron hacerse con el papel. Se desconoce quién se llevó el gato al agua del picasso pero, desde luego, demuestra la avidez que hay en el mercado por piezas de gran calidad.


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El dibujo Loco (Calabozo), de Francisco de Goya, se remató por 2.261.380 euros.

De este interés también puede dar cuenta Goya. La casa de pujas vendió el soberbio dibujo Loco (Calabozo) por 1.874.500 libras (2.261.380 euros), cuando su precio de salida era de 600.000 libras (723.800 euros). El papel, bastante pequeño (19,1 x 14,6 cm), no fue el único goya que remató el experimentado Henry Wyndham, presidente de Sotheby’s en Europa. También encontraron acomodo otros dos dibujos: Visiones (581.000 euros) y Joven vestida de blanco cayendo al suelo (653.863 euros).


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Dos empleados de Sotheby's sostienen el cuadro Le Boulevard Montmartre, Matinée de Printemps, que se ha convertido en la obra más cara (23,7 millones de euros) del pintor francés Camille Pissarro.

En una noche en la que Sotheby´s logró sumar las ventas más altas de su historia (197,2 millones de euros) en su sala londinense, hubo más momentos de alegría. Le Boulevard Montmartre, Matinée de Printemps se convirtió en la obra más cara vendida en subasta de Camille Pissarro. El óleo fue adjudicado en 19,7 millones de libras (23,7 millones de euros), unas cinco veces más que el anterior récord del artista.


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Una mujer contempla 'L'Homme est en mer', de Vincent van Gogh, adjudicado por 20,3 millones de euros.

También encontró unos buenos números el lienzo de Vincent  van Gogh L’Homme est en mer, que tras una intensísima puja se cerró en 16,9 millones de libras (20,3 millones de euros). Partía en seis millones.

Los días de vino y rosas del mercado del arte parecen no tener fin.


Por: Miguel Ángel García Vega | elpais.com
 




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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
Antonin Artaud & Vincent van Gogh



El genio y la locura


Una exposición en el Museo de Orsay de París reivindica la vigencia de los dos genios mediante los cuadros de uno y los textos de otro



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Autorretratos de Vincent van Gogh (izquierda) y Antonin Artaud (derecha).

¿Qué tienen en común Vincent van Gogh y Antonin Artaud? En el plano espacio temporal, poca cosa. Los dos creadores no llegaron jamás a coincidir ni conocerse personalmente puesto que, cuando el primero murió en Auvers-sur-Oise, a los 37 años, el segundo todavía llevaba pantalón corto en su Marsella natal.

Sin embargo, ambos fueron artistas dotados de un extraordinario talento y una visión diferente del mundo, cuyas personalidades inquietas y atormentadas les provocaron una febril actividad productiva, en medio de crisis depresivas y constantes visitas a sanatorios mentales. Hombres que volcaron sus vivencias en una obra insobornable, adelantada a su tiempo, henchida de lucidez y de fantasmas, que ha influido a las generaciones siguientes más de lo que ellos mismos pudieron nunca imaginar. Enemigos de los convencionalismos, exploradores de lenguajes nuevos, abanderados de la modernidad, adictos al exceso, malditos e incomprendidos, irremediablemente abocados a la autodestrucción.

Bajo el título de 'Van Gogh / Artaud: le suicidé de la société', el Museo de Orsay parisino acoge, hasta el 6 de julio, una exposición que reivindica la permanente vigencia de estos dos genios iluminados e hipersensibles, mediante los cuadros de uno y los textos de otro. ¿Se trata de una de esas muestras tan en boga últimamente que nacen del capricho de un comisario? Para nada.

El subtítulo de la expo en cuestión, 'El suicida de la sociedad', no es otro que el de un ensayo que Artaud escribió en 1947, por sugerencia del galerista Pierre Loeb, acerca de una amplia retrospectiva de Van Gogh inaugurada el 24 de enero de aquel año en el Musée de l'Orangerie de la capital francesa. Por entonces, el autor de 'El teatro de la crueldad' acababa de salir del sanatorio mental de Rodez (Aveyron), dejando atrás tres años de duro internamiento, para instalarse en la casa de salud del Doctor Delmas en Ivry-sur-Seine, bajo los cuidados de una joven internista en Psiquiatría llamada Paule Thévenin.

Tenía varios proyectos literarios entre manos y Gallimard le acababa de comunicar su intención de editar sus obras completas. Además, en julio se había comprometido con Loeb a exponer en su galería sus últimos retratos y dibujos. Así que no le hizo demasiado caso al consejo.

Pero en la 'maison de Santé' de Delmas cayó en sus manos Du démon de Van Gogh, de François-Joachim Beer, uno de los muchos libros escritos sobre el artista holandés desde una perspectiva vagamente psiquiátrica, que le exasperó profundamente. Así que, el 2 de febrero, decidió visitar la exhibición de L'Orangerie, en compañía de Thévenin, y entre el 8 de febrero y el 3 de marzo, escribió y dictó 'Van Gogh, le suicidé de la société', que sería publicado en diciembre.

"Nadie nunca ha escrito, pintado, esculpido, modelado, construido o inventado excepto para salir del infierno", dejó escrito el poeta, actor y director teatral Antonin Artaud

En aquel texto reivindicativo, el poeta, dramaturgo, director escénico y actor galo no sólo se oponía ferozmente a la manida tesis sobre la alienación de Van Gogh, sino que se empeñaba en demostrar que la extremada lucidez del pintor holandés molestaba tanto a las conciencias ordinarias que éstas, tratando de impedir que emitiera todas esas "verdades insoportables", terminaron empujándole al suicidio.

"Lo que me consuela es que empiezo a considerar la locura como una enfermedad como cualquier otra y acepto la cosa como tal", escribe el artista a su hermano Theo en una de las cartas que forman parte de la expo. Pero, más que un demente, el autor de 'La noche estrellada' es, para Artaud, alguien sin miedo a mostrar la realidad: un artista que podía "escudriñar la cara de un hombre con una fuerza tan abrumadora, diseccionando su refutable psicología como un cuchillo".

"Nadie nunca ha escrito, pintado, esculpido, modelado, construido o inventado excepto para salir del infierno", dejó escrito el literato, apenas tres meses antes de fallecer víctima de una sobredosis de hidrato de cloral. "En el momento de escribir estas líneas veo el rostro color rojo sangre del pintor venir hacia mí, en medio de una pared de girasoles reventones y una gran conflagración de polen de jacintos y brotes de lapislázuli", prosigue unas páginas más allá.

Para el actor predilecto de Gance o Dreyer, Van Gogh debe ser considerado, ante todo, como "un pintor de lo ordinario, de las pequeñas cosas y los objetos cotidianos", aunque sus pinturas "asemejan bombas atómicas cuyo ángulo de visión habría sido capaz de perturbar gravemente el conformismo larval de la burguesía del Segundo Imperio".

Apoyándose en esa singular visión, la conservadora jefe del Museo de Orsay, Isabelle Cahn, ha concebido una exhibición muy particular, en la que nos invita a contemplar la obra de Van Gogh a través de los ojos de Artaud, a lo largo de 40 cuadros del pintor, así como una selección de dibujos y cartas, que se completa con los citados textos del poeta, pintados en la pared, y 15 obras gráficas suyas, inequívocamente influidas por el loco del pelo rojo.

"Lo más interesante del texto de Artaud es que contradice todas las teorías existentes sobre Van Gogh y el diagnóstico de su locura", señala Cahn. "Creo que las emociones que nos transmite son humanas", prosigue. "En cuanto a la angustia del pintor, viene a explicarnos que son los artistas quienes soportan nuestra angustia, la angustia de la sociedad de su época, e incluso nos enseñan cómo superarla".

Nada más comenzar el recorrido, el visitante se da de bruces en la segunda sala con cuatro autorretratos del neerlandés, colgados juntos pero realizados en distintas etapas de su carrera, entre 1887 y septiembre de 1889, que muestran el camino que va de sus años en París a su internamiento en Saint-Rémy de Provence, así como la evolución en su manera de pintar y su actitud ante la vida.

Las telas son en su mayoría muy conocidas y proceden del Museo de Orsay, el Van Gogh Museum de Amsterdam, el Metropolitan de New York, el Kröller-Müller de Otterlo, la National Gallery de Washington o el Folkwang Museum de Essen, aunque también hay unos pocos lienzos menos famosos, cedidos por coleccionistas privados. "Pero eso no ha de suponer un problema", comenta el crítico de arte de Le Monde Philippe Dagen, "ya que, incluso vista por enésima vez, la obra de Van Gogh permanece inagotable e imprevisible. Y lo mismo se puede decir de la de Artaud".

Vincent van Gogh a su hermano Theo: "Lo que me consuela es que empiezo a considerar la locura como una enfermedad como cualquier otra y la acepto como tal"

Efectivamente, los dibujos de este último mantienen el tipo puestos al lado de los coloridos óleos del maestro post impresionista. Los que factura durante su periodo de reclusión en Rodez (1943-1947), en el cual recibió medio centenar de electroshocks, resultan tan enigmáticos como inquietantes. Con sus cabezas y otras partes del cuerpo humano taladradas por clavos o sumergidas en manchas de tinta, transmiten con una inusitada intensidad la insoportable sensación del tormento. En cuanto al trazo obsesivo y convulso de Van Gogh, su clarividente exegeta se refiere a él como "un momento de salud entre dos crisis febriles".

Todo el texto de 'Le suicidé de la société' parece un ajuste de cuentas de su autor con la psiquiatría, personalizada aquí en el Doctor Gachet, que trató a Van Gogh durante sus últimos días en Auvers-sur-Oise. "En todo psiquiatra hay un sórdido y repugnante atavismo que le hace ver en cada artista a un enemigo", denuncia Artaud, pensando acaso en Jacques Lacan, eminente teórico francés que le diagnóstico que jamás volvería a escribir y viviría 80 años.

¿Cómo podía entender tan bien a Van Gogh y sus crisis de discernimiento el padre del teatro moderno? "Probablemente, por haber experimentado angustias similares en relación con la enfermedad y su tratamiento", apunta Cahn. "Fue después de una conversación con Gachet que Van Gogh volvió a su habitación, como si nada hubiera pasado, y se suicidó", escribe Artaud, para indicar después que sabe muy bien de lo que habla. "Pasé nueve años en un manicomio y nunca tuve la obsesión de suicidio", comenta. "Pero recuerdo que cada conversación que tenía con un psiquiatra, por la mañana, en el momento de la visita, me daba ganas de ahorcarme, sintiéndome impotente por no poder estrangularle".

O sea, una historia de locos.


elmundo.es
 




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Mensaje Re: VAN GOGH 
 
Recuperan en París la tesis de Antonin Artaud de que a Vincent Van Gogh lo 'suicidó' la sociedad


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Artaud y Van Gogh A la izquierda, Antonin Artaud retratado por Man Ray en 1926. A la derecha, autorretrato de Van Gogh pintado en septiembre de 1889 (© Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Jacques Faujour © Man Ray Trust / ADAGP, Paris 2014 © Musée d'Orsay, dist. RMN-Grand Palais / Patrice Schmidt)

La historia oficial dice que Vincent Van Gogh, que tenía 37 años, se disparó un tiro de revolver en el pecho —o en el estómago, hay debate al respecto— mientras paseaba por el campo el 27 de julio de 1890. La historia alternativa sostiene, según una biografía publicada en 2011 y no aceptada por ahora por los académicos, que la bala mortal salió de la vieja pistola de un adolescente que jugaba a los cowboys con munición real. Hay una tercera teoría: a Van Gogh lo mataron todos.

En 1947, el escritor francés Antonin Artaud, que de psiquiatría sabía un rato —venía de pasar casi una década internado en sanatorios pese a que se trataba de una de las mentes más lúcidas de su generación— escribió que el pintor "no se suicidó en un ataque de insanía... Por el contrario, acababa de descubrir qué era y quién era él mismo, cuando la conciencia general de la sociedad, para castigarlo por haberse apartado de ella, lo suicidó". Incomprendido por la mojigatería artística y social Sobre esa idea —Van Gogh como un artista demasiado moderno, demasiado iluminado por la pasión, absolutamente incomprendido por la mojigatería artística y social y por su propia familia y, por tanto, suicidado en un acto libérrimo de tristeza y despecho— el Museo d'Orsay de París, el más importante del mundo por obras en propiedad del movimiento impresionista, monta la exposición Van Gogh / Artaud. Le suicidé de la société (Van Gogh/Artaud. El suicidado de la sociedad). La muestra, hasta el 6 de julio, presenta al pintor desde la mirada de Artaud, una de las voces más respetadas de quienes se negaron a entender a Van Gogh y su obra como productos de la locura. El escritor, padre del teatro de la crueldad ("aquel que apuesta por el impacto violento en el espectador") y también pintor y dibujante, es el autor del libro Van Gogh, le suicidé de la société (Van Gogh, el suicidado por la sociedad), publicado en 1947, unos días antes de la apertura de una retrospectiva del pintor en París.

Contrario a la tesis de la alienación como único agente causal, Artaud pretendió demostrar cómo la extremada lucidez de Van Gogh molestaba a las conciencias ordinarias, que deseaban impedirle emitir "verdades insoportables" y fueron aquellos a quienes incordiaba su pintura quienes le empujaron al suicidio. "Un día aparecieron los verdugos de Van Gogh, como aparecieron los de Gerard de Nerval, de Baudelaire, de Edgar Poe y de Lautréamont. Aquellos que un día le dijeron: 'Y ahora basta, Van Gogh; a la tumba; ya estamos hartos de tu genio", escribió Artaud, que moriría al año siguiente de cáncer. La psiquiatría, "reducto de gorilas" El escritor, que admiraba la pintura de Van Gogh con apasionado fervor ("después del paso de Van Gogh por la tierra, ni la naturaleza exterior, con sus mareas, sus climas y tormentas equinocciales puede conservar la misma gravitación"), arremetía en el opúsculo sin pelos en la lengua y con el vitriolo acostumbrado contra la clase médica: "Frente a la lucidez de Van Gogh en acción, la psiquiatría queda reducida a un reducto de gorilas, realmente obsesionados y perseguidos, que sólo disponen, para mitigar los más espantosos estados de angustia y opresión humana, de una ridícula terminología, digno producto de sus cerebros viciados. En efecto, no hay psiquiatra que no sea un notorio erotómano".

Artaud refutaba las teorías del libro Du démon de Van Gogh (El demonio deVan Gogh), del psiquiatra François-Joachim Beer, y acusaba a la sociedad de seguir los dictámenes de los bata blanca y estigmatizar al enfermo: "¿Qué se entiende por auténtico alienado? Es un hombre que prefiere volverse loco —en un sentido social de la palabra— antes que traicionar una idea superior del honor humano. Pues un alienado es en realidad un hombre al que la sociedad se niega a escuchar, y al que quiere impedir que exprese determinadas verdades insoportables". El recorrido por las casi 50 obras de la muestra, algunos de ellos préstamos únicos, quiere estar marcado por el debate primordial: ¿estaba Van Gogh realmente loco y decidió matarse o fue la sociedad incomprensiva —el pintor no vendió en vida casi ningún cuadro de los 900 que pintó (además de 1.600 dibujos) y malvivía casi en la indigencia— quién empujó el gatillo? Entre los lienzos más notables de la exposición está el autorretrato sobre fondo azul que pintó en 1889 en Saint-Rémy-de-Provence, del que Artaud dijo: "No conozco a ningún psiquiatra que pueda profundizar en un hombre con una fuerza tan abrumadora".



Algunas imágenes de la exposición


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Autorretrato de Van Gogh de 1887 (© RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Gérard Blot)


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Dibujo de Antonin Artaud que expresa su idea del teatro de la crueldad (© Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Jacques Faujour © ADAGP, Paris 2014)


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Óleo de 1890 de Van Gogh de la iglesia de Auvers-sur-Oise que puede verse en la exposición del Museo d'Orsay (© Musée d'Orsay, dist. RMN-Grand Palais / Patrice Schmidt)


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La noche estrellada, 1888, uno de los paisajes más conocidos de Van Gogh (© RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski)


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Autorretrato de Vincent Van Gogh pintado en 1889 (© Musée d'Orsay, dist. RMN-Grand Palais / Patrice Schmidt)


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Antonin Artaud, 1926 El escritor Antonin Artaud, retratado por Man Ray (© Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Jacques Faujour © Man Ray Trust / ADAGP, Paris 2014)

20minutos.es
 




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