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ZURBARÁN (Francisco De Zurbarán) Enviado  Lunes, 19 Febrero 2007, 00:00 Por j.luis
Arte
Continuando con la presentación de mis pintores favoritos... Este trabajo recopilatorio está dedicado a Francisco de Zurbarán, otro grande de la pintura española, qué como los grandes maestros, marcó estilo. Un estilo muy rígido y tenebrista de luces y sombras, siempre empleando en sus obras un gran realismo. Era muy austero como los monjes para los que trabajaba.


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Probable autorretrato de Zurbarán (detalle de su obra San Lucas como pintor, ante Cristo en la Cruz).


Biografía según la enciclopedia del Museo del Prado

Francisco de Zurbarán (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598-Madrid, 1664). Pintor español, hijo de un acomodado negociante vasco establecido en Extremadura desde 1582. Entre los años 1614 y 1617 aprendió la pintura en Sevilla con el poco conocido pintor Pedro Díaz de Villanueva. En este periodo tendría ocasión de conocer a Pacheco y Herrera, maestros famosos, y de establecer contactos con sus coetáneos Velázquez y Cano, aprendices como él en la Sevilla de la época. Al cabo de unos años de aprendizaje, seguramente más fecundos en diversas enseñanzas de lo que se ha venido considerando, Zurbarán volvió a su provincia natal sin someterse al examen gremial sevillano. Este último hecho le será reprochado posteriormente. Se estableció en Llerena durante once años (1617-1628), donde se casó dos veces y fue padre muy joven. Zurbarán recibía encargos de la ciudad de Llerena y de diversos conventos e iglesias de Extremadura.

Desgraciadamente se han perdido casi todas las obras de su primera etapa, pero la existencia de un taller en Llerena demuestra una actividad ya considerable. En 1626 los dominicos sevillanos de San Pablo contrataron a Zurbarán para pintar una serie importante de cuadros pero mal remunerada. Poco después, los mercedarios calzados de la Casa Grande de Sevilla le propusieron un sueldo tres veces superior para un encargo de ­semejante magnitud. Del conjunto de San Pablo se conservan el espléndido Crucificado (Art Institute of ­Chicago), primera obra fechada en 1627, y tres magníficas figuras completas de los padres de la Iglesia (Museo de Bellas Artes de Sevilla). En dos escenas de la Vida de santo Domingo (iglesia de la Magdalena, Sevilla), como en varios cuadros del importante ciclo de la Merced Calzada, se advierte la participación de diversos asistentes. Sin embargo, el portentoso San Serapio (1628, Wadsworth Atheneum, Hartford), indudablemente autógrafo, revela las cualidades propias del joven maestro: sorprendente plasticidad de las formas, armonía de las tonalidades y sabia distribución de las luces. El Museo del Prado conserva dos de las más bellas escenas de la vida de san Pedro Nolasco, mientras que el resto se halla disperso en museos y colecciones del mundo entero.

En 1629, por insólita proposición del Consejo Municipal, Zurbarán se instala definitivamente en Sevilla. En dicha fecha pinta cuatro lienzos importantes para el colegio franciscano de San Buenaventura (Musée du Louvre, París, y Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde). Empieza entonces para el pintor extremeño el decenio más prestigioso de su carrera. La fuerza expresiva de su pincelada, añadida a su obediencia a la hora de satisfacer los deseos de sus comitentes, lo convierten en el mejor intérprete de la Reforma católica del siglo de oro español. Recibe encargos de todas las órdenes religiosas presentes en Andalucía y Extremadura. Pinta para los jesuitas (Visión del beato Alonso Rodríguez, 1630, Real Academia de San Fernando, Madrid), para los dominicos (Apoteosis de santo Tomás de Aquino, 1631, Museo de Bellas Artes de Sevilla) y también para los conventos sevillanos de los carmelitas, los trinitarios y los mercedarios descalzos. El éxito de Zurbarán culminó en 1634 con una invitación de la corte, quizá sugerida por Velázquez, para participar en la decoración del salón grande del Buen Retiro. Allí pintó Zurbarán los diez «Trabajos de Hércules» para las sobreventanas y dos grandes lienzos de batallas. Once de dichas pin­turas se conservan en el Museo del Prado. De retorno a Sevilla, el maestro extremeño siguió trabajando para sus comitentes monásticos. Casi todas las pinturas de dos impresionantes series, probablemente las mejores de su producción, se han conservado. El conjunto de la cartuja de Jerez de la Frontera se halla disperso entre varios museos (Metro­politan Museum of Art, Nueva York; Museo Nacional de Poznan, Polonia; Museo de Cádiz). Los cuatro grandes lienzos del retablo mayor (Anunciación, Adoración de los pastores, 1638, Circuncisión, 1639, y Ado­ración de los Reyes, todos en el ­Musée de Peinture et de Sculpture, Grenoble) son de una solemnidad casi litúrgica. El cromatismo resplandeciente de la indumentaria y la perfección técnica de estos lienzos pertenecen a lo mejor de su obra. De la misma calidad es la serie del monasterio de Guadalupe, único encargo importante del pintor conservado in situ.

Los ocho grandes cuadros de la sacristía, pintados en Sevilla en las mismas fechas (1638-1639), representan episodios poco conocidos de la vida de los monjes jerónimos, Misa del padre Cabañuelas, Aparición del Cristo al padre Salmerón, Fray Gonzalo de Illescas escribiendo, etc. En la capilla adyacente, tres episodios de la vida de san Jerónimo están pintados hacia 1645, con un estilo tenebrista que revela la fuerte influencia de Ribera. A partir de 1640, los grandes encargos van ­disminuyendo mientras que se desarrolla el mercado americano. En 1644, Zurbarán pinta, con colaboración de su obrador, un retablo para la colegiata de Zafra, y en 1655, los tres célebres lienzos apaisados de la sacristía de la cartuja sevillana de Santa María de las Cuevas (Museo de Bellas Artes de Sevilla).

A mediados del siglo, Sevilla sufrió una profunda depresión económica. Una gran epidemia de peste golpeó la ciudad en 1649, reduciendo considerablemente su población. Su hijo y colaborador, Juan, muere de este «mal de contagio». Francisco de Zurbarán aumentó entonces la producción de su obrador con series de fundadores de órdenes, de santas vírgenes o de césares para el Nuevo Mundo. En 1658, probablemente movido por las dificultades del mercado sevillano, se trasladó a Madrid donde pronto vinieron a instalarse su mujer y la única hija sobreviviente de este tercer matrimonio.

En su última época hallamos varias obras aisladas, a menudo firmadas, que no pertenecen a ningún conjunto. Se trata de lienzos de devoción privada de pequeño tamaño y ejecución refinada. Se advierte entonces una evolución de su estilo, de modelado más suave y aterciopelado. El viejo pintor tuvo al parecer una buena clientela privada pero su salud decayó pronto (su última obra firmada es de 1662), y falleció en 1664 después de una larga enfermedad que empobreció a su familia. Sin embargo, no llegó a vivir en la miseria como se ha repetido demasiadas veces. En su testamento no se encuentra deuda alguna y deja unos muebles lujosos, aunque el resto de sus posesiones en Madrid sean más bien modestas. Zurbarán es, por supuesto, el gran pintor de la vida monástica que él expresa con un realismo candoroso, y una extrema sencillez. Nadie como él ha sabido traducir con tanta precisión y exactitud los diversos hábitos conventuales. Sus retratos de monjes son de una veracidad impresionante y con escasos elementos sabe expresar los más intensos éxtasis místicos. Excluye toda grandilocuencia y toda teatralidad, incluso podemos hallar algo de torpeza en el momento de resolver los problemas técnicos de la perspectiva geométrica. Tampoco le interesan los escorzos ni la sugerencia de espacios ilusionistas a la italiana. Sus composiciones severas, rigurosamente ordenadas, alcanzan un nivel excepcional de emoción piadosa.

Con respecto al tenebrismo, Zurbarán lo practicó sobre todo en su primera época sevillana, no solo en sus conocidas series monásticas sino también en obras de devoción privada. Nadie le supera en la manera de expresar la ternura y el candor de los niños santos: virgencitas en éxtasis, inmaculadas muy jovencitas, niños de la espina o santas adolescentes, son otros aspectos encantadores de su talento. Su técnica excepcional para representar los valores táctiles de las telas y de los objetos hace de él un bodegonista de muy alto nivel. Bajo su pincel, los objetos sencillos alcanzan una trascendencia poética sublime (Bodegón, 1633, Norton Simon Foundation, Pasadena). Su sobriedad, la fuerza expresiva y la plasticidad de sus figuras, añadidas a sus evidentes dotes de colorista, lo sitúan en la cumbre de los maestros españoles del siglo de oro. Quizás es de todos ellos el que más conmueve nuestra sensibilidad moderna.

Obras de Zurbarán en el Museo del Prado

- Defensa de Cádiz frente a los ingleses, óleo sobre lienzo, 302 x 323 cm, 1634 [P656].
- Visión de san Pedro Nolasco, óleo sobre lienzo, 179 x 223 cm, firmado, 1629 [P1236].
- Aparición del apóstol san Pedro a san Pedro Nolasco, óleo sobre lienzo, 179 x 223 cm, firmado, 1629 [P1237].
- San Francisco yacente, óleo sobre lienzo, 80 x 190 cm (en dep. en el Museo de Cáceres) [P1238]. Atribución dudosa.
- Santa Isabel de Portugal, óleo sobre lienzo, 184 x 98 cm, 1635 [P1239].
- Hércules separa los montes Calpe y Abyla, óleo sobre lienzo, 136 x 167 cm, 1634 [P1241].
- Hércules vence a Gerión, óleo sobre lienzo, 136 x 167 cm, 1634 [P1242].
- Lucha de Hércules con el león de Nemea, óleo sobre lienzo, 151 x 166 cm, 1634 [P1243].
- Lucha de Hércules con el jabalí de Erimanto, óleo sobre lienzo, 132 x 153 cm, 1634 [P1244].
- Hércules y el toro de Creta, óleo sobre lienzo, 133 x 152 cm, 1634 [P1245].
- Lucha de Hércules con Anteo, óleo sobre lienzo, 136 x 153 cm, 1634 [P1246].
- Hércules y el cancerbero, óleo sobre lienzo, 132 x 151 cm, 1634 [P1247].
- Hércules detiene el curso del río Alfeo, óleo sobre lienzo, 133 x 153 cm, 1634 [P1248].
- Lucha de Hércules con la hidra de Lerna, óleo sobre lienzo, 133 x 167 cm, 1634 [P1249].
- Hércules abrasado por la túnica del centauro Neso, óleo sobre lienzo, 136 x 167 cm, 1634 [P1250].
- San Diego de Alcalá, óleo sobre lienzo, 93 x 99 cm, h. 1655 [P2442].
- San Jacobo de la Marca, óleo sobre lienzo, 291 x 165 cm, firmado, h. 1659-1660 [P2472].
- San Lucas como pintor, ante Cristo en la cruz, óleo sobre lienzo, 105 x 84 cm, h. 1630-1635 [P2594].
- Bodegón, óleo sobre lienzo, 46 x 84 cm, h. 1658-1664 [P2803].
- La Inmaculada Concepción, óleo sobre lienzo, 128 x 89 cm, 1630-1635 [P2992].
- Retrato de fray Diego de Deza y Tavera, arzobispo de Sevilla, óleo sobre lienzo, 211 x 161 cm, h. 1631 [P3009].
- San Antonio de Padua con el Niño Jesús, óleo sobre lienzo, 148 x 108 cm, 1635-1650 [P3010].
- Santa Eufemia, óleo sobre lienzo, 83 x 73 cm, h. 1635-1640 [P3148].
- San Buenaventura, óleo sobre lienzo, 291 x 165 cm (en dep. en la iglesia de San Francisco el Grande, Madrid) [P3468].
- El Salvador bendiciendo, óleo sobre lienzo, 100 x 72 cm, firmado, 1638 [P6074].
- Agnus Dei, óleo sobre lienzo, 38 x 62 cm, h. 1635-1640 [P7293].
- Martirio de Santiago, óleo sobre lienzo, 252 x 186 cm, firmado, h. 1639 [P7421].
- Cristo crucificado con donante, óleo sobre lienzo, 246 x 167 cm, firmado, 1640 [P7707].
- Alegoría de la Caridad, óleo sobre lienzo, 206 x 140 cm [P7776].


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Estatua del pintor Francisco de Zurbarán en LLerena (Badajoz).


Otras obras relevantes de Zurbarán en otros centros

- San Hugo en el refectorio de los Cartujos, 1630-1635 (262 x 307 cm.), Museo de Bellas Artes Sevilla
- La Virgen de las Cuevas, 1655 (267 x 320 cm.), Museo de Bellas Artes de Sevilla
- Apoteosis de Santo Tomás de Aquino, 1631. Óleo sobre lienzo, 475 × 375 cm. Museo de Bellas Artes de Sevilla
- Inmaculada, 1632. Óleo sobre lienzo, 252 × 168. Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona
- Santa Margarita, 1631 (149 x 112 cm.), Nacional Gallery Londres
- Santa Águeda, 1630-1633, (127 x 60 cm.), Museo Fabre, Montpellier (Francia)
- Santo Domingo en Soriano. Iglesia del antiguo convento de San Pablo el Real (Sevilla)
- San Jerónimo flagelado por los ángeles, 1639 (235 x 290 cm.), Claustro de los Jerónimos Guadalupe (Cáceres)
- La tentación de San Jerónimo, 1639 (235 x 290 cm.), Claustro de los Jerónimos Guadalupe (Cáceres)
- La Anunciación, 1638, (161 x 175 cm.) Museo de Grenoble (Francia)
- San Francisco arrodillado con una calavera en las manos, 1658 (84 x 53 cm.), Alte Pinakothek, Múnich
- Exposición del cuerpo de San Buenaventura, 1629 (250 x 225 cm.), Museo del Louvre, París
- Santa Apolonia. 1636 (113 × 66 cm.), Museo del Louvre, París
- San Serapio, 1628 (120 x 103 cm.) Wadsworth Athenaeum, Connecticut. USA
- Cristo en la Cruz, 1627 (290 x 168 cm), Art Institute, Chicago. USA
- Plato con limones, cesta con naranjas y taza con una rosa, 1633 (60 x 107 cm.), Museo Norton Simon, Los Ángeles. USA
- La Inmaculada Concepción, 1661 (136 x 102 cm.), Szépmüvészeti Múzeum, Budapest (Hungría)
- San Andrés 1630-1632, (146 x 60 cm.), Magyar Szépmüvészeti Múzeum, Budapest (Hungría)
- Circuncisión, 1639 (261 × 175 cm.), Museo de Grenoble (Francia)
- Adoración de los Magos, 1639 (261 x 175 cm.), Museo de Grenoble (Francia)
- Adoración de los pastores, 1638 (261 x 175 cm.), Museo de Grenoble (Francia)
- María niña, 1660 (73,5 × 53,5 cm.), Museo del Hermitage (San Petersburgo)
- Serie de cuadros de los 12 apóstoles (Convento de San Francisco, Lima, Perú)
- Cuatro tablas pintadas por él, en la parroquia de San Martín de Tours, Bollullos de la Mitación
- San Pedro (Museu Nacional de Arte Antiga, Lisboa, Portugal)
- San Francisco de rodillas con una calavera (Colección Plácido Domingo, Madrid)
- El entierro de Santa Catalina (Colección del Conde de Ibarra, Sevilla)
- La Rendición de Sevilla (Colección del Duque de Westminster, Londres, Reino Unido)
...

Espero que esta recopilación de Francisco de Zurbarán os resulte imteresante.
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MURILLO (Bartolomé Esteban Murillo) Enviado  Domingo, 18 Febrero 2007, 19:24 Por j.luis
Arte
Continuando con la presentación de mis pintores favoritos... Este trabajo recopilatorio está dedicado a Bartolomé Esteban Murillo, para mí uno de los más grandes de la pintura española, qué como los grandes maestros, marcó un estilo muy personal pintando sus figuras con mucha dulzura y un colorido suave y particular, debido a su profunda espiritualidad, especialmente a la Virgen.

Se ha dicho de Murillo que es el pintor de la Inmaculada Concepción, misterio por el que los contemporáneos del artista sintieron especial devoción. Sólo en el Museo del Prado hay cuatro. Y hasta en San Petersburgo (Rusia) se encuentra otra de ellas.

Sus obras más numerosas e importantes son las religiosas, y, entre las de género y retrato destacan las de los niños y ángeles, tiernas, dulces y casi irreales. Se calcula el número de sus pinturas autenticas en más de cuatrocientas cincuenta obras.


24bartolom_esteban_murillo_autorretrato Bartolomé Esteban Murillo. Sevilla. España. (1618-1682)

Nacido el 31 de diciembre de 1617 en Sevilla, cultivador de una temática preferentemente religiosa. A partir de sus primeras obras, representaciones de la Virgen María o la Sagrada Familia, evolucionó hacia un tratamiento de los temas en un tono más humano y sencillo, dentro de interiores cotidianos, en los que introduce pequeños detalles y escenas de la vida doméstica.

Ejecutó lienzos de altar para conventos e iglesias de diversas órdenes monásticas en Sevilla. Sus personajes se caracterizan por una gran dulzura, acentuada por una pincelada suave y fácil y una luz dorada que los envuelve. Como pintor de escenas de género, plasmó con gran maestría y emotividad el mundo de la novela picaresca de la época.


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Medallón dedicado al pintor Bartolomé Esteban Murillo en la fachada del Museo del Prado. Madrid

La caída de Murillo: estaba pintando el retablo de los Capuchinos de Cádiz, obra de grandes dimensiones para la cual requería de un andamio para ejecutar las partes superiores. Estando el pintor subido a dicho andamio, tropezó y cayó, lo que provocó que se le saliesen los intestinos como consecuencia de una hernia anterior que padecía. Esto, al parecer, le llevó a la muerte, pero no en el acto, ya que Murillo, aunque maltrecho, sobrevivió unos meses más.


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Retablo Mayor del convento de los Capuchinos, Sevilla. Museo de Bellas Artes de Sevilla. Todas las pinturas son de Murillo.

El 3 de abril de 1682 Bartolomé Esteban Murillo dijo adiós a la vida, de la que se despedía ya muy falto de fuerzas. Su última voluntad fue que se le enterrase en su parroquia de Santa Cruz y que se le dijeran misas en dicha iglesia y en la del Convento de la Merced. A penas terminar de dictar su testamento le faltaron fuerzas para seguir hablando y murió breves instantes después.

Al día siguiente, el 4 de abril, fue enterrado tal y como él había pedido. Esta iglesia, la de Santa Cruz, desapareció durante la ocupación francesa en Sevilla, y su solar lo ocupa actualmente la plaza de Santa Cruz, en cuyo subsuelo y en lugar ignorado reposan los restos del gran pintor sevillano, uno de los grandes maestros que la pintura ha dado a nuestro país.


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Catedral de Sevilla, Sala capitular, con la Inmaculada y cuatro de los ocho representaciones de santos, obras de Murillo.

Espero que éste trabajo que he realizado con mucho entusiasmo, dedicado a uno de mis pintores favoritos, sea apreciado por los amantes del arte que frecuentan esta sección del foro de xerbar.
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EL GRECO Enviado  Jueves, 15 Febrero 2007, 16:34 Por j.luis
Arte
Continuando con la presentación de mis pintores favoritos... Este trabajo recopilatorio está dedicado a El Greco, otro grande de la pintura española, -aunque nació en Grecia, su obra la desarrolló principalmente en España-, qué como los grandes maestros, marcó un estilo muy personal; con el alargamiento de las figuras, dotandolas de una profunda espiritualidad que parecía que sus pinceles le otorgaban la santidad. En algunas de sus obras refleja la influencia de Miguel Ángel, Tiziano y Tintoretto de su estancia italiana.

El Greco tuvo que huir por problemas políticos de su isla de Creta (Grecia) era bastante joven, pero ya con gran fama de reputado pintor. Su destino fue Venecia donde trabajó en el estudio del gran Tiziano ya anciano, en esa época era el máximo exponente de la pintura veneciana y contaba con un gran estudio con varios ayudantes de renombre, allí conoció a otros pintores y las modas de la bella ciudad de los canales.

En Venecia se cruzó con un joven sacerdote español, llamado "Niño de Guevara" el cual le convenció para que trabajase en España para el nuevo Palacio de "El Escorial" y su ciudad en Toledo. Este personaje tuvo mucha influencia en su vida pues estuvo enfrentado, debido que "El niño de Guevara" se convirtió en el gran inquisidor que mandó a la hoguera a centenares de personas y a punto -según sus biógrafos- estuvo también el mismo "Greco" de pagar las consecuencias de sus enfrentamientos.

El Greco - Creta (1540-1614). Domenikos Theotokopoulos, su verdadero nombre, nació en algún lugar de Creta, posiblemente en Candía, quizá un uno de octubre, fiesta de san Domenikos en el santoral griego.

En 1566 deja definitivamente su patria para instalarse en la república de Venecia, allí asimila el colorido de Tiziano, además de la composición de las figuras y la utilización de espacios amplios y de gran profundidad, características de Tintoretto.

El estudio de la arquitectura romana reforzó el equilibrio de sus composiciones, que con frecuencia incluyen vistas de edificios renacentistas. A fines de 1570 viaja a Roma, recomendado al cardenal Farnesio por el miniaturista Clovio, al parecer, el cardenal se convirtió en su primer cliente. Admira en secreto y disiente en público del gran Buonarroti, coincidiendo, aunque sólo por motivos pictóricos, con el parecer de Pio V, que manda cubrir las desnúdeles de la Sixtina.

El Greco se sabe mejor pintor que Miguel Angel y lo dice, atrayendo sobre sí las iras de los fanáticos. Como miembro de la Academia de San Lucas conoce a prelados españoles que le hablan, sin duda de Toledo y del posible mecenazgo de Felipe II, el rey que busca artistas para decorar El Escorial de sus retiros. En 1577 llegó a Toledo donde rápidamente le hicieron encargos.


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Retablo mayor de Santo Domingo el Antiguo. El primer gran encargo que recibió El Greco en Toledo en 1577


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Retablo mayor de Santo Domingo el Antiguo (1577) y su lienzo principal de la Asunción de la Virgen.

La labor de El Greco como retratista fue muy significativa. Uno de los máximos exponentes de esa labor es el famoso cuadro "El caballero de la mano en el pecho" En 1586 pintó una de sus obras maestras, "El entierro del conde de Orgaz", para la iglesia de Santo Tomé de Toledo. En El entierro se evidencian el alargamiento de figuras y el horror vacui (pavor a los espacios vacíos), rasgos típicos de El Greco, que habrán de acentuarse en años posteriores. Tales características pueden asociarse con el manierismo que se sigue manteniendo en la pintura del Greco aún después de desaparecer en el arte europeo.

Su visión intensamente personal se asentaba en su profunda espiritualidad, de hecho, sus lienzos evidencian una atmósfera mística similar a la que evocan las obras literarias de los místicos españoles contemporáneos, como santa Teresa de Ávila y san Juan de la Cruz.

En las obras que realizó desde la década de 1590 hasta su muerte puede apreciarse una intensidad casi febril. Los temas de la mitología clásica atestiguan la erudición humanista de El Greco y cuán brillante e innovador era el enfoque que daba a los temas tradicionales.

Falleció en Toledo el 7 de abril de 1614 y fue enterrado en la iglesia de Santo Domingo el Antiguo.

Espero que éste trabajo recopilatorio que he realizado con mucho esmero, sea apreciado por los amantes del arte y visitantes de esta sección del foro de xerbar.
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CARAVAGGIO (Michelangelo Merisi Da Caravaggio) Enviado  Jueves, 15 Febrero 2007, 10:52 Por j.luis
Arte
[i][b][color=#0000ff]Continuando con laa presentaciones de mis pintores favoritos... Este trabajo recopilatorio, está dedicado al pintor barroco italiano Michelangelo Merisi, llamado Caravaggio, sin duda fue un pintor excepcional, máximo exponente de la escuela naturalista surgida en Italia como oposición a la corriente manierista del siglo XVI.

Su carrera fue corta y tumultuosa, viéndose continuamente envuelto en riñas, desafíos y reclamaciones judiciales, provocados por su temperamento rebelde, violento y pendenciero... Estos son sólo algunos de los adjetivos que Caravaggio se fue ganando poco a poco con sus actos. Implicado en numerosas peleas callejeras en Roma, retó a duelo a pintores que intentaban hacerle competencia, pegó palizas a críticos de arte, e incluso llegó a matar.

Sin duda Caravaggio fue un pintor muy especial, a pesar de su mal caracter, para algunos genial, enigmático, fascinante e individualista, gran maestro del barroco que no tuvo discípulos conocidos, pero que aportó un estilo naturalista, que creó una escuela que después siguieron muchos ilustres pintores.

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VAN GOGH Enviado  Martes, 13 Febrero 2007, 00:25 Por j.luis
Arte
Continuando con la exposición de mis pintores favoritos... Este tabajo está dedicado a Vicent van Gogh, otro genio de la pintura que marcó su propio estilo impresionista, que han seguido muchos..., para mí será siempre uno de los dos o tres más grandes de la nueva escuela vanguardista, que surgió a principios del siglo XIX en Francia. Su vida fue muy dramática, cuenta con una extensa obra y en la actualidad sus cuadros son de los más apreciados en las subastas. Sin duda fue un artista grandioso y muy brillante... por su originalidad, su trazo ondulado y especial colorido, der su obra me gusta casi todo, especialmente los paisajes y sus autorretratos.

00_1416227760_515456Vincent van Gogh. Holanda. (1835-1890) Nació en Groot-Zunder, en el Brabante holandés, el 30 de marzo de 1853, pero vivió la mayor parte de su vida en Francia. En un principio su obra está influenciada por los impresionistas y por la obra de los grabadores japoneses Hiroshige y Hokusai, pero mas tarde adopta los brillantes matices pictóricos de artistas franceses como Pissarro y Seurat.

En 1888 se trasladó al sur de Francia con la idea de fundar con sus amigos el "Taller del Mediodía", allí en la Provenza se dedicó a pintar escenas rurales, cipreses, campesinos y variadas escenas de la vida cotidiana de la región, fué en esa época cuando empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos, es ese año cuando Gauguin, a instancias de Theo, hermano de Vincent, decide vivir con él. Este, alegre, pinta sus girasoles para decorar la habitación del huesped. Pero poco a poco, las diferencias entre ambos creadores van surgiendo hasta que al fin estalla la crisis.

Vicent quiere agredir a Gauguin con un cuchillo y éste escapa. Esa noche de Navidad de 1888 una prostituta recibió de manos de Vicent el más horrible de los regalos: una oreja cortada. Vicent se autorretratará con el oído vendado en una casa de salud que proteje su locura.

El 17 de mayo, salido del manicomio de Saint-Remy, llega a París y prosigue camino hacia Auvers, donde le atiende el doctor Gachet, amigo de Cézanne y admirador de Vincent. Los cipreses, los cielos, los caminos, las iglesias y trigales tiemblan. Van Gogh descubre la energía total que unifica el universo. Pero los cielos, sobre los trigales de oro, se van ennegreciendo, la muerte se convierte en un segador que sonríe a Van Gogh. Y en medio de esos trigales, el 27 de julio, en un gesto de impaciencia y de dolor se dispara un tiro en el pecho.

Falleció el 29 de julio a la una y media de la madrugada en brazos de su hermano Theo.

Espero que éste trabajo recopilatorio que he realizado con mucho esmero, sea apreciado por los compañer@s del foro de xerbar y aficionados al arte.
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RUBENS (Pedro Pablo Rubens) Enviado  Sábado, 10 Febrero 2007, 00:18 Por j.luis
Arte
Continuando con la exposición de mis pintores favoritos... Este trabajo recopilatorio está dedicado a Pedro Pablo Rubens (1577–1640), seguramente fue el más importante de todos los pintores flamencos, así como un genuino representante del movimiento barroco, que marcó un estilo propio “con movimientos irresistibles, marcados por diagonales o espirales” que han seguido muchos predecesores, para mí será siempre uno de los grandes de Barroco, su obra es muy prolífca, destacar el efecto que consigue con el colorido luminoso de la escuela veneciana a la que admiraba.


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Pedro Pablo Rubens - Autorretrato, 1623. Royal Collection.

Fue el pintor más admirado de su época en Europa. Sus méritos son incontestables: muy pocos artistas han conseguido transmitir una versión exaltada de la vida de forma tan persuasiva o nos ayudan tanto a acercarnos a un ideal de excelencia humano. Los valores que encontramos en la pintura de Rubens tienen mucho en común con los valores de los poetas antiguos (a menudo ha sido comparado con Homero): su arte es un recuerdo constante de lo que la vida tiene de heroico y de dramático, y nos ayuda a ensanchar el mapa de nuestros sentimientos, y a profundizar en ellos.

El vehículo principal que utilizó Rubens para transmitir sus ideas son los mitos que resumen la sabiduría de los antiguos sobre el comportamiento y las emociones de los seres humanos. Apoyado en su fe en el poder de las formas pintadas para influir en el ánimo de los espectadores, y en una enfática retórica gestual, Rubens recreó estos mitos con un extraordinario poder de convicción: contemplando su arte a menudo tenemos la impresión de que las grandes cuestiones de la vida se dirimieron con él de testigo presencial.

Rubens es autor de una obra muy abundante (se conservan en torno a mil quinientos cuadros suyos), que realizó con la ayuda de su taller, instalado en Amberes, y que vendió gracias a su sagaz espíritu comercial. Pintó para las principales monarquías europeas, y para la aristocracia, la Iglesia y las élites culturales y comerciales de todo el continente. Fue también un fabuloso dibujante, y diseñó tapices, esculturas, obras de arquitectura, y conjuntos decorativos para ceremonias públicas. Al margen de su trabajo artístico, trabajó como diplomático al servicio de la Monarquía Española, y fue un apasionado conocedor de la cultura clásica, lo cual nos da una 300 medida de la grandeza del personaje. Fue también un importante coleccionista de cuadros, esculturas y libros, entre otros objetos, y un verdadero cosmopolita que viajó extensamente y que se expresaba en varios idiomas. Por todo ello, fue considerado un modelo profesional y social por sus colegas.

Al hablar de la colección de cuadros de Rubens que guarda el Museo del Prado, sucede lo mismo que al hablar del propio pintor: es difícil evitar los superlativos. Por ser natural de los Países Bajos meridionales (la actual Bélgica), Rubens tuvo una especial vinculación con la familia real española, que gobernaba la región. La infanta Isabel Clara Eugenia, hija de Felipe II, heredó de su padre el mando de los Países Bajos. Desde su corte en Bruselas, utilizó al pintor como consejero y apoyó su carrera artística y cortesana, hasta el punto de solicitar de su sobrino, el rey Felipe IV, que lo ennobleciese.

Rubens fue el pintor favorito de Felipe IV, que le encargó decenas de cuadros para decorar sus palacios madrileños, y fue también el principal comprador de las obras que el pintor dejó en su estudio tras su muerte. Él es la principal razón por la cual el Museo del Prado conserva la mayor colección que existe de obras de Rubens, con unas noventa pinturas (la cifra exacta oscila, según se acepten, o no, algunas atribuciones). Pero no es sólo cuestión de números: el hecho de que muchos de los cuadros de Rubens que conserva el Prado fuesen pintados para el rey, o para personas próximas a él, explica la gran calidad de la colección. El Museo del Prado nos ofrece una oportunidad única para adentrarnos en el universo de Rubens.


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Rubens - Autorretrato. 1638-1640. Óleo sobre lienzo. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria.

Pedro Pablo Rubens. (Siegen, actual Alemania, 28 de junio de 1577 - Amberes, actual Bélgica, 30 de mayo de 1640), fue el pintor barroco más popular de la escuela flamenca. Su destacado estilo enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad. Trató toda clase de temas pictóricos, religiosos, históricos, de mitología clásica, escenas de caza, retratos, así como ilustraciones para libros y diseños para tapicerías. Se calcula que llegó a pintar unos 3.000 cuadros gracias, en parte, a los miembros de su taller que, al parecer, trabajaban en cadena. Fueron discípulos suyos, entre otros, Jacob Jordaens, Gaspar de Crayer, Theodor van Thulden, Cornelis de Vos, y Antoon van Dyck, que trabajaron completando varios encargos para la Corte Española en Madrid. Rubens dominaba diversas lenguas y llegó a ejercer como diplomático entre distintas cortes europeas.

En el siglo XVI, Amberes, la capital de Flandes, era un gran centro de negocios gracias a su importante puerto, donde llegaban mercancías de todos los países. Aparte de niveles de vida y disfrute inmediato para algunos, también se invertía en cultura, en obras de arte y en obras de imprenta que se destinaban principalmente a la exportación.

La pintura en Amberes siguió las nuevas tendencias del Renacimiento gracias a las aportaciones llegadas de Italia, que se extendieron por todos los Países Bajos. Durero, en su viaje por estas tierras en el año 1520, conoció al pintor Quentin Metsys, a Joachim Patinir y al grabador Lucas van Leyden. El arte flamenco se fue dejando influir por el manierismo y luego por el realismo, que se fusionaron con su propia tradición. Con la llegada de Pieter Brueghel, el arte flamenco tomó un rumbo más fuerte, referencia desde la que Rubens construyó una expresión pictórica totalmente innovadora, que conduciría a la genialidad del barroco.


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Casa natal de Rubens en Siegen.

Los Países Bajos estaban bajo el dominio español, por el matrimonio de Felipe el Hermoso con Juana I de España y más tarde por sus herederos Carlos V y después de su abdicación en 1555 por Felipe II. Ni el pueblo ni parte de la aristocracia con Guillermo de Orange al frente, soportaban la dictadura de Felipe II, hecho que llevó a que el 15 de abril de 1566 presentaran a la gobernadora Margarita de Parma, hermanastra de Felipe II, una petición conocida como el "Compromiso de los Nobles", cuyo objetivo era la supresión de la Inquisición y la restauración de libertades. Los calvinistas, en particular, destruyeron iglesias, profanaron imágenes e incendiaron pueblos. La Gobernadors General, Margarita de Parma, pidió ayuda a su hermanastro el Rey Felipe II de España, que envió al Duque de Alba, Fernando Álvarez de Toledo y Pimentel, que tras unas batallas y represiones feroces, hizo volver la paz, y los calvinistas huyeron a Alemania.

10 de las 17 Provincias de Flandes, permanecieron bajo control final de la España Imperial y/o del Imperio Austriaco más tarde hasta el Tratado de Utrecht de 1713, cuando volvió a pertenecer a la rama austriaca de los Habsburgo. A causa del enfoque artístico no iconoclasta de los católicos, sus artistas trabajaron y encontraron sus mecenas entre la monarquía y la realeza española, que hizo influir en las obras que realizaron especialmente de temas religiosos y de batallas, así como de retratos. La escuela flamenca de pintura adquirió una fuerte consolidación, al sur de los Países Bajos, la iglesia católica potenció las mayores representaciones de su triunfo como religión, este triunfo tuvo su mayor intérprete en Rubens, que fue un arraigado creyente católico


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Detalle de la estatua dedicada a Rubens en Amberes.

Primeros años. Peter Paul Rubens nació en Siegen, Westfalia, (Alemania). Su padre, Jan Rubens, era un abogado calvinista de Amberes (Flandes). En 1570 tuvo que huir por motivos religiosos y se refugió en Colonia, en Renania del Norte-Westfalia (Alemania). En esta ciudad, el exconcejal Jan Rubens, casado con María Pypelynckx, fue nombrado consejero jurídico de la segunda esposa de Guillermo de Orange, Ana de Sajonia, donde, a lo que parece, Jan Rubens aprovechó para convertirse en amante de la segunda esposa del Príncipe Guillermo.

Después de dos o tres años el marido descubrió el adulterio y Jan Rubens fue encarcelado en el castillo de Dillenburg, siendo puesto en libertad tras dos años de cautiverio, con el pago de una fianza y la imposición de residir en Siegen, una pequeña población a ochenta kilómetros de Colonia. Fue allí donde, tras ser perdonado por su esposa, tuvieron a su sexto hijo, Peter Paul Rubens. En 1578, ante la muerte de la princesa Ana de Sajonia, se le permitió volver a residir en Colonia, donde posiblemente, Rubens inició su formación artística.


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Retrato ecuestre del duque de Lerma, 1603, Museo del Prado, Madrid. Obra realizada durante la primera visita de Rubens a España, en 1603. Se trata de Francisco de Sandoval y Rojas (1553 - 1625), valido de Felipe III de España.

En 1584, el Príncipe Guillermo, líder de la revuelta contra la Administración Hispana, en lo que se ha llamado Guerra de los ochenta años, fue asesinado. Le sucedió en las altas instancias flamencas un príncipe católico, hijo de un primer matrimonio de Guillermo, Felipe-Guillermo de Orange-Nassau, (1554 - 1618), Príncipe de Orange-Nassau, quien había sido retenido en España durante muchos años como una especie de rehén y formado en la Universidad de Alcalá de Henares.

En 1589, dos años después de la muerte de Jan, la madre de Rubens regresó a Amberes, donde practicaron el catolicismo y él prosiguió con su formación. Estudió latín, alemán, español y francés con Rombai Verdonck, pero las penurias económicas de la familia le obligaron a abandonar los estudios y entró como paje al servicio de la condesa de Lalaing. No se sabe exactamente en qué fechas, pero se cree que tuvo dos maestros de pintura, Adam van Noort y Otho van Veen (Otto Vaenius), aunque no parece que dejaran una influencia artística relevante en su alumno.

No se sabe gran cosa sobre las primeras obras del pintor realizadas en Amberes. Se sabe que había hecho copias de pinturas de Hans Holbein, de Alberto Durero y de Tobías Stimmen. El testamento de su madre, María Pypelynckx, decía que legaba sus retratos a sus hijos pero que "todos los demás cuadros, que son bonitos, pertenecen a Peter, que los ha pintado". De sus obras de juventud, existe una de un hombre de medio cuerpo que tiene en la mano derecha una escuadra y un compás, y en la mano izquierda, sujetado por una cadena, otro instrumento sin identificar; se le conoce con varios títulos: Retrato de un joven sabio, El relojero y El hombre de veintiséis años. Es una pintura al óleo sobre una plancha de cobre de pequeño formato y que se encuentra en una colección particular de Nueva York; en su dorso lleva la inscripción "Petrus Paulus Rubens", y en la parte delantera está la fecha: "MDLXXXXVII", y la edad del modelo: "Aetatis XXVI".

Rubens obtuvo el grado de maestro en el gremio de San Lucas. Además, existe un certificado de "buenas costumbres y de buena salud" que data del 8 de mayo de 1600, que el artista pidió para poder realizar un viaje a Italia.


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La Virgen y el Niño adorados por ángeles, de Rubens, pintura central del altar mayor. Iglesia de Santa Maria in Vallicella, Roma.

Viaje a Italia. En 1600 estuvo en Venecia, Italia, donde obtuvo el cargo de pintor de la corte del Duque de Mantua, Vincenzo Gonzaga. Su cargo le obligaba a ejecutar los retratos del duque y su familia, copiar las pinturas de grandes artistas que deseara el duque y cuidar de la decoración de sus palacios. Los Gonzaga tenían la fama de ser unos grandes amantes de las artes y unos buenos mecenas, por lo que Rubens se encontró con gran cantidad de obras importantes de grandes maestros italianos como Tiziano, Paolo Veronese y Tintoretto; también algunos como Annibale Carracci y Caravaggio considerados ya del incipiente estilo barroco.

Por orden de su mecenas Rubens se trasladó a Roma para adquirir objetos antiguos y hacer copias de otros pintores, con una carta de recomendación con fecha del 18 de julio de 1601 que iba dirigida al cardenal Alejandro Montaldo con estas palabras: "a Peter Paul, flamenco, pintor de mi corte, que envío a vuestro lado para copiar y ejecutar algunas obras de pintura...". En Roma se sabe que realizó tres cuadros, encargados por el príncipe Alberto de Austria, regente de los Países Bajos, que debían ser dados en la Basílica de la Santa Cruz de Jerusalén en Roma. Estos cuadros formaban parte de un tríptico formado por: La invención de la Santa Cruz por Santa Elena, La Coronación de espinas y La Elevación de la Cruz.

El 5 de marzo de 1603 viajó a España en una misión diplomática; debía entregar unos regalos enviados por el duque de Mantua al rey Felipe III de España y a su ministro el Duque de Lerma. Durante su estancia en Madrid se le encargó la realización de varias pinturas sobre bustos de apóstoles, actualmente conservados en el Museo del Prado. Entre las obras realizadas destaca el Retrato ecuestre del Duque de Lerma, de la que también se conservan varios dibujos preparatorios. Esta obra muestra un gran equilibrio y vigor; el personaje parece contemplar al espectador, y el pintor realizó unos escorzos del caballo muy bien ejecutados.

Las pinturas del taller de Rubens se han clasificado en tres categorías: las pintadas por el mismo Rubens, aquellas en las que sólo algunas partes -principalmente, manos y rostros- se deben al maestro y, por último, aquellas que simplemente supervisó. Como todos los grandes pintores de su época, Rubens contó con un gran taller formado por aprendices y estudiantes, algunos de los cuales -como Van Dyck- se convertirían con el tiempo en artistas profesionales por méritos propios. El taller también se encargaba de la gestión de contratos de modelos, animales y naturalezas muertas que ofrecía luego a especialistas en el tema, como Frans Snyders, o a algún artista interesado, como Jacob Jordaens.


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Pórtico de la casa de Rubens en Amberes, la Rubenshuis, que el pintor representaría en algunas de sus obras, como El jardín del amor (Mueo del Prado).

Durante 200 años, la vitalidad y la elocuencia de su obra influyeron sobre artistas como Jean-Antoine Watteau, del siglo XVIII, y Eugène Delacroix y Auguste Renoir, en el siglo XIX.

Rubens fue el pintor de los Archiduques Isabel Clara Eugenia (hija de Felipe II) y Alberto de Austria. Por su larga relación con la Corte española, hoy conserva el Museo del Prado más de sesenta cuadros de su mano. Recientemebte la pinacoteca madrileña le ha dedicado una gran exposición.

Espero que éste trabajo recopilatorio que he dedicado a Rubens, con mucho esmero, sea apreciado por los amantes del arte que frecuentan esta sección de arte del foro de xerbar.
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REMBRANDT Enviado  Domingo, 04 Febrero 2007, 20:57 Por j.luis
Arte
Continuando con la exposición de mis pintores favoritos... Este trabajo recopilatorio está dedicado a Rembrandt, que marcó una técnica propia que han seguido muchos predecesores, para mí será siempre uno de los más grandes, de su obra me gusta todo, en especial el efecto tan natural que consigue en los retratos y el manejo de la luz.

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Rembrandt - (Rembrandt Harmenszoon van Rijn; Leiden, Países Bajos, 1606 - Amsterdam, 1669) Pintor holandés. Nacido en el seno de una acomodada familia de molineros, Rembrandt recibió una esmerada educación y llegó a ingresar en la Universidad de Leiden, donde estudió un curso, ya que por entonces decidió dedicarse a la pintura. De los dos maestros que tuvo, uno en Leiden y otro en Amsterdam, fue este último el que más influyó en el artista y el que le transmitió las tendencias italianizantes en boga. De hecho, sus primeras creaciones (como la Lapidación de san Esteban) manifiestan una evidente influencia del estilo de Pieter Lastman.


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El joven Rembrandt (22 años), claroscuro (cerca 1628).

En 1625, considerándose ya formado, abrió taller en Leiden junto con Jan Lievens (quien después siguió una trayectoria muy distinta), y no tardó en contar con una amplia clientela. Durante los años de Leiden, el arte de Rembrandt evolucionó desde unos inicios de colores brillantes y gestos grandilocuentes hacia una creciente afirmación del claroscuro. El sabio empleo que hizo el artista de esta nota tan típica del Barroco es lo que confiere a su obra una fuerza y una personalidad indiscutibles. Ya en época temprana, hacia 1630, el claroscuro se convierte en el más poderoso medio de expresión del pintor, tal como evidencian obras como Sansón traicionado por Dalila y La presentación de Jesús en el templo.


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Rembrandt - Autorretrato con capa y ojos muy abiertos, aguafuerte y buril, 1630.

En 1630, a raíz de la muerte de su padre, se trasladó a Amsterdam, donde se asoció con el marchante Hendrick van Uylenburgh, con cuya hija, Saskia, se casó. Comenzó entonces para él una etapa de prosperidad económica y de vida mundana, que se truncó repentinamente en 1642, año de la muerte de su esposa. Los reveses económicos se sucedieron, hasta que en 1656 se vio obligado a subastar todas sus pertenencias (casa, colecciones de arte, etc.). El consuelo le llegó de la mano de Hendrickje Stoffels, que entró a su servicio para hacerse cargo de su hijo Tito y con quien mantuvo una relación sentimental, sin llegar a casarse con ella para no perder la herencia de Saskia.


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Rembrandt - Autorretrato en 1632, en su época de mayor fama como retratista.

Las dos etapas, próspera y adversa, de la vida de Rembrandt se reflejan en sus obras, particularmente en los autorretratos, un género que el artista cultivó a lo largo de toda su carrera; mientras que los primeros son alegres, brillantes y un tanto superficiales, los de los últimos años tienen un carácter sombrío, sereno, y reflejan una profundidad muy superior. De los numerosos géneros que cultivó, el religioso y el retrato fueron los dos en que más brilló su talento de maestro del Barroco.

A Rembrandt se le recuerda, de hecho, sobre todo por sus magistrales retratos de grupo, absolutamente alejados de los convencionalismos al uso. La maestría compositiva, la perfecta caracterización de los personajes, el detallado estudio de los ademanes, la agudeza de los rostros, hacen de sus tres grandes creaciones de este género (La lección de anatomía del doctor Tulp, La ronda de noche y Los síndicos del gremio de pañeros) unas obras llenas de vida y de genio. En las creaciones de los últimos años (El hombre del yelmo de oro, Jacob bendice a los hijos de José o La novia judía), el pintor eleva todas sus conquistas al plano de la madurez, del estilo conseguido a base de años y de esfuerzo, y manifiesta un absoluto dominio de las técnicas y de los efectos.

Rembrandt fue también un gran dibujante y un grabador genial, que dejó cerca de 1.500 dibujos y alrededor de 400 grabados. Tanto los dibujos como los aguafuertes son obras plenamente barrocas, dominadas por la acción, el dramatismo y un realismo derivado de la observación del mundo circundante muy característico del arte de Flandes y de los Países Bajos. En todo ello se asemejan a las pinturas del artista, de las cuales se diferencian en la mayor importancia que en dibujos y grabados tiene la línea sobre el claroscuro.

Índice de obras principales

- 1629 – Un artista en su estudio o El pintor en su estudio (Museo de Bellas Artes de Boston, Massachusetts)
- h. 1629 - Cristo en Emaús (Museo Jacquemart-André, París)
- 1630 – La resurrección de Lázaro (LACMA, Los Ángeles)
- 1630 - Jeremías prevé la destrucción de Jerusalén (Rijksmuseum, Ámsterdam)
- 1630-35 – Turco (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
- 1631 – Retrato de Nicolaes Ruts (Colección Frick, Nueva York)
- 1632 - Jacob de Gheyn III (Dulwich Picture Gallery, Londres)
- 1631 - Andrómeda encadenada a la roca (Mauritshuis, La Haya)
- 1632 – Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (Mauritshuis, La Haya)
- 1632 – Retrato de un noble oriental (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York)
- 1633 – Cristo en la tormenta sobre el lago de Galilea (Museo Isabella Stewart Gardner, Boston; actualmente en paradero desconocido[61] )
- 1633 - El descendimiento de la cruz (Alte Pinakothek, Múnich)
- 1633 - El rapto de Europa (Museo J. Paul Getty, Los Ángeles)
- 1634 - Judith en el banquete de Holofernes, cuadro antes conocido como La reina Artemisa (Museo del Prado, Madrid)
- 1635 – La fiesta de Belshazzar (Galería Nacional, Londres)
- 1635 - El sacrificio de Isaac (Museo del Hermitage, San Petersburgo)
- 1636 – La ceguera de Sansón (Instituto Städel, Fráncfort del Meno)
- 1636 – Dánae (Museo del Hermitage, San Petersburgo)
- 1636 - Susana y los viejos (Mauritshuis, La Haya)
- 1636 - El hijo pródigo en la taberna (Gemäldegalerie, Dresde)
- 1642 – La ronda de noche (Rijksmuseum, Ámsterdam)
- 1643 – Cristo curando a los enfermos (Victoria and Albert Museum, Londres[62] )
- 1647 – Vieja dama con un libro (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
- 1647 - Susana y los viejos (Gemäldegalerie, Berlín)
- 1650 – El filósofo (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
- 1650 – El molino (National Gallery of Art, Washington D. C.)
- 1652 - Los síndicos de los pañeros (Rijksmuseum, Ámsterdam)
- 1653 – El sacrificio de Isaac (Museo Hermitage, San Petersburgo)
- 1653 – Aristóteles contemplando el busto de Homero, o Aristóteles con un busto de Homero (Metropolitan Museum of Art, Nueva York)
- 1654 – Betsabé en su baño (Louvre, París )
- 1655 – José acusado por la esposa de Putifar (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
- 1655 - El buey desollado (Louvre, París)
- 1656 – Mujer ofreciendo un clavel (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
- 1656 – Jacob bendiciendo a los hijos de José (Staatliche Kunstsammlungen, Kassel)
- 1656 - Lección de anatomía del doctor Deyman (Rijksmuseum, Ámsterdam)
- 1657 – El apóstol Pablo (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
- 1658 – Autorretrato (Colección Frick, Nueva York)
- 1659 – Jacob luchando con el ángel (Gemäldegalerie, Berlín)
- 1659 – Autorretrato (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York)
- 1660 – Autorretrato (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York)
- 1660 - Autorretrato con pintura y pinceles (Museo del Louvre, París)
- 1660 – Retrato de un caballero con sombrero alto y guantes (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
- 1660 – Retrato de una dama con abanico de pluma de avestruz (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
- 1660 - Las tres cruces, grabado, 4º estado.
- 1661 – Conspiración de Julius Civilis (Nationalmuseum, Estocolmo[64] )
- 1662 – Los síndicos de los pañeros (Rijksmuseum, Ámsterdam)
- 1662 – Retrato de hombre con galera (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
- 1662-63 – Joven sentada en una mesa (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
- 1664 – Lucrecia (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
- 1666 – La novia judía (Rijksmuseum, Ámsterdam)
- 1666 – Lucrecia (Instituto de Arte de Minneapolis)
- 1669 – El retorno del hijo pródigo (Museo Hermitage, San Petersburgo)
- 1669 - Autorretrato a la edad de 63 años (National Gallery, Londres)


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Rembrandt - Autorretrato. El año de su fallecimiento en 1669, envejecido y de gran profundidad psicológica.

Espero que éste trabajo que he realizado con mucho entusiasmo, sea apreciado por los visitantes del foro de xerbar.
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